"Me la pasé mejor que nunca aquí, a pesar de que cometí algunos errores. Pólvora y accidentes. La navidad nunca es el mejor momento para mí ¡Ah Dios, cómo extraño a mi familia! Haces algo y me fijo en los aviones que sobrevuelan mi casa, enciendo un cigarillo y miro al suelo, manteniendo mi cabeza baja por los próximos días. Con mis zapatos atados Pero bueno... Casi terminamos muchachos, casi terminamos" (Robert Ontenient, CINEMA 1)

El siguiente disco no llegó a formar parte de la lista final de Los Mejores Álbumes del 2017, no porque se haya lanzado tarde para el recuento (2 días antes) sino porque Brockhampton la autoproclamada mejor boyband de nuestros días ya llevaba 2 discos publicados este año que junto a éste conforman su espectacular trilogía SATURATION. Me tuve que decidir por uno solo y ya saben cual fue mi elección.

Pero el hecho de que Saturation III fuera desplazado de, "lo mejor de los mejores" no significa que estemos hablado de un disco menos inspirado de los de Texas, todo lo contrario es probablemente su disco mas consistente, experimental y con nuevos ritmos incorporados.

Apenas le das una "escucha de prueba" (así le llamo yo a momento de escuchar los primeros segundos de cada cancion par ver a que me enfrentaré) al disco y te das cuenta que son ellos mismos pero con un sonido más psicodelico, raro como aquel Atricity Exhibition de Danny Brown. Si la primera entrega fue el disco que sorprendió, la segunda el disco que los alzó a la cúspide, esta tercera los reafirma. No sólo son los chicos de moda en internet, son talentosos jóvenes genios del rap los 12 integrantes (o la cantidad que sean).

También ya se puede diferenciar perfectamente el estilo Brockhampton, lo de ser nuevos raperos imitando a sus ídolos queda en el pasado, ahora ellos son los raperos del momento cada uno con una personalidad que cautiva apenas aparece para aportar un verso en una canción.

Ya nos tenían acostumbrados abrir con un hitazo sus Saturations, y aquí es el turno de "BOOGIE" una enérgica apertura con sirenas y trompetas que funciona como el regreso triunfal del grupo luego de tanta espera, algo así como el baile de la victoria . En la letra hablan de su éxito y lo que han conseguido en los últimos meses. El líder Kevin Abstract menciona una de las frase mas llamativas del disco llamándose a sí mismos "La mejor boyband desde One Direction".

"ZIPPER" nos trae de nuevo las cuerdas y el ritmo funky característico de sus anteriores entregas en una cancion cuyo estribillo es una comparación con el personaje Aladdin que antes era una chico de barrio pero al encontrar la lampara mágica. este se volvió rico y ahora lo disfrutó sobrevolando su alfombra mágica, igual que ellos lo hacen ahora. Hay espacio igualmente en las referencias para Anthony Fantano (the fuckin melon!) el critico de youtube que les apoyó con sus buenas reseñas, aumentando de esa manera la popularidad del grupo.

"JOHNNY" es uno de los puntos altos y una de las sorpresas más gratas. Luego de una intro vocal que bien ya sabemos es la voz de Kevin, el tema se convierte en un jazz rap cual A Tribe Called Quest en sus tiempos dorados. La trompeta suena parecida a la Miles Davis y posiblemente haya por ahí también un sample de una canción de Pokemon.

"LIQUID" es de lo más experimental que hayan lanzado hasta el momento y es una maravilla (uf esos coros de fondo) que tiene como único defecto durar solo un poco mas de 1 minuto. Ah! y no podía faltar nuestro amigo Roberto, en el skit ahora llamado CINEMA sigue contándonos su historia  que bien ya parece ser una especie de película que va transcurriendo a través de la trilogía y que tiene todo el sentido del mundo gracias al documental lanzado por el grupo y una serie de videos.

Estúpido y sensual "STUPID"!!!, otro beat perfecto que uno ya no sabe de donde sacan tanta inspiración para que les salga tan bien. El G-Funk es una de las cosas mas grandiosas que le ha pasado al rap, hablando de ello, sigue sonando tan cool hoy en día.

"BLEACH" es el primer coqueteo con el pop mas comercial que se encuentra el la discografia de Brockhampton, y estoy hablando de su estribillo, en donde la voz de Ryan Beatty parece transformarse en la de Bon Iver. La armonía vocal casi infantil que aparece a partir del minuto 1:28 ya es demasiado para mí, hace que me enamore más de esta pista cuyo final es quizás es la parte más excitante de todo el material (¡Justin Vernom en serio no eres tu?). Bearface tiene un futuro como artista solista de R&B definitivamente.

"ALASKA" es para mover la cabeza al compás del beat, parecido a JELLO por sus cuerdas. Es otro de los temas en donde esta presente la experimentación y los sonidos raros que van apareciendo segundo tras segundo. Y si les hablé de pop hace un momento la cancion por excelencia de este "III" en ese sentido es "HOTTIE" con un ritmo mas veloz y propio de bandas de indie pop. "Put the bag in the cup, add it up, add it up"...

En "CINEMA 2" Roberto se sigue lamentando en un día de navidad (que dramático ¿no?) y precisamente esta aparición sirve de intro para la espectacular "SISTER/NATION" canción de dos partes que se encuentra en la posición número 11 del tracklist, clara referencia a Tyler The Creator que acostumbra dejarnos temas así hacia el final de sus discos (La última, 911/Mr. Lonely). La primera sección es rápida de ritmo violento casi sacado de la mente creativa de los Death Grips y la segunda un tranquilo indie rock, si están viendo bien, un indie rock con sintetizador a lo The Horrors que suena sensacional.

"RENTAL" es de esas canciones para esos atardeceres en la playa junto al mar, que suerte que por aquí abajo ya es verano y podemos disfrutar de esa experiencia. "STAINS" continúa con el mood más calmado que coincide con las reflexiones que van escupiendo los raperos, que en los segundos finales sorprendentemente se transforma en una fiesta de música dance (otro nuevo recurso válido para la música de estos muchachos).

En "CINEMA 3" Roberto vuelve a ofrecernos una oración como en SCENE 2, una plegaria más explayada posiblemente porque el año ya se está terminando "Ayúdame a caminar en tu luz, y vivir mi vida en fe y gloria. En tu nombre rezo Amén" dice al final como haciendo su ultima aparición.

Para cerrar la trilogía de Saturation y probablemente la carrera musical del grupo (aunque ya veremos como sacan disco el año que viene) está "TEAM", que aunque no lo indique cuenta con dos partes. La primera una balada a guitarra llamada EVANIE compuesta e interpretada por Bearface que nos regala unos bellos y emocionantes falsettes ambientados de distorsión. El final es un ritmo soul lisérgico/hip-hop  magnífico que hace un guiño a HEAT, tema de del primer disco de la trilogía, funcionando así como una transición entre este ultimo trabajo y aquel. Señores así culmina la fantástica entrega de los Brockhampton quienes nos han maravillado por un año entero con su música.

Parecía difícil, yo confieso que tenía un poco de descreimiento pero lo volvieron a hacer. SATURATION III es otro discazo que ahora lo que nos da es mas miedo sobre lo que puedan llegar a hacer cada uno de los componentes del grupo, que ahora ya pueden volar por sí solos. Sin embargo Brockhampton ya dejó su huella como "La mejor Boyband de este 2017"



1.  BOOGIE (8,5)
2.  ZIPPER (8)
3.  JOHNNY (9)
4.  LIQUID (8,5)
5.  CINEMA 1 (-)
6.  STUPID (7,5)
7.  BLEACH (9)
8.  ALASKA (8,5)
9.  HOTTIE (8,5)
10.  CINEMA 2 (-)
11.  SISTER / NATION (8,5)
12.  RENTAL (8)
13.  STAINS (8,5)
14.  CINEMA 3 (-)
15.  TEAM (9)

Hacer las listas de lo mejor del año siempre es un trabajo tortuoso y cruel. Debes seleccionar solo una cantidad predetermidada de lo mejor que se ha lanzado en el transcurso de los 12 meses y eso significa que muchos no tendran el privilegio de ocupar un puesto en la lista definitiva.

El dilema es mucho más grande cuando hablamos de las canciones, pues normalmente ocurre que un artista publica un disco tan enorme con tantos buenos tracks, y eso trae como consecuencia de que uno deba tomar la díficil decición de elegir nuevamente a los mejores entre todos ellos y peor aún, sólo hasta llegar a un cierto límite (en mi caso sólo deben haber hasta 2 tracks por artista en la lista final de canciones).

Bueno... Por todo esto que les estoy explicando ahora, es que tomé la decición de crear esta hermosa playlist de 30 canciones, que son temazos mayúsculos pero que por algún que otro motivo no lograron ingresar a mi recuento de lo mejor del año que ya esta practicamente terminado (luego de un exhaustivo brainstorming individual de unas semanas).

Como verán varias de las canciones que estan aquí fueron catalogadas en su tiempo con la etiqueta "canción 2017" (mi descarada versión del "Best New Track" de Pitchfork) pero como ya les dije luego de las evaluaciones correspondientes tomé lastimosamente la decisión de dejarlas fuera... Pero tranquilos, lo que piensan que es un despropósito no incluirlas tendrán su recompenza.

Sí, tambien hay muchas más ausencias (como tambien habrá sorpresas en las listas, les aviso) pero quiero que por lo menos estas 30 les de una idea de lo que será la seleccion de " lo mejor de lo mejor"  de 4L4Music que a propósito.... ya tiene fecha fijada para las respectivas publicaciones!!

Sábado 16/12/17: Mejores canciones 2017

Domingo: 17/12/17: Mejores álbumes 2017

La cita ya está marcada asi que sólo espero su presencia por la página en esos días para así escuchar juntos la mejor música del 2017... Ahora deléitese mientras con esta playlist hecha con mucho cariño (y dolor por dejarlas fuera):


Esquema de "TEMAZOS, But not songs of the year"

1) Rock e indie majestuoso
2) Girl Power
3) Psychedelic Rap and R&B
4) Outro Hipster y Fuerza Latina

"Quiero coger a toda la gente que conozco, coger a todos mis amigos en la calle, porque tu me aburriste, me aburriste hasta morir" (Ellie Rowsell, Yuk Foo)

Los británicos están acostumbrados a entregarnos alguna que otra maravilla rockera con el correr de los años y la última de ellas que más revuelo por la crítica y público ha causado son los Wolf Alice, el cuarteto juvenil de Londres.

Con su debut “My Love Is Cool (2015)” a base pop y guitarras se ganaron la aceptación general de su país no tanto así todavía de Norteamérica, siempre reacia hacia bandas indie inglesas jóvenes. De igual manera terminaron por alzarse con el nombre de la nueva gran promesa británica en mucho tiempo… hasta me animo a decir que desde los Arctic Monkeys.

Su primer larga duración les dio la oportunidad de salir de gira en donde lograron demostrar su potencial en vivo caracterizado por enérgicas performances sobre el escenario que hacía a uno recordar a aquellas bandas de los 90 y la generación X. Como en muchos de los casos esos viajes que hace una banda cuando está girando le puede traer inspiración para nueva música y eso lo que efectivamente ocurrió con muchachos de Wolf Alice.

La banda liderada por la bella rubia Ellie Rowsell una vez llegado en tiempo de descanso se dedicaron a componer y no tenían otras ideas más de la cabeza que todo lo que han vivido en el año que ha sido grandioso. Asi nació “Visions Of A Life”
Un disco más mágico que el anterior y mucho más diverso, algo que ya se podía juzgar por sus tres adelantos. Las guitarras siguen ahí, el folk también pero ahora las distorsiones y las paredes de sonido se hacen más presentes gracias a los sintetizadores y a la producción más trabajada (A cargo de Justin Medal Johansen, quien trabajara con Beck, M83 Y Nine Inch Nails).

El álbum fue anunciado de manera muy original por medio de postales entregadas a los fans que tenían escrito cada uno el nombre de una canción que contendría el disco. Las tarjetas tenían además imágenes de paisajes sombríos, pero no tanto como el de la portada que si lo miras fija mente hasta resulta perturbador.

Al reproducir el disco, la carta de presentación es un tema puro shoegaze, “Havenward” en donde empezamos a notar que la voz de Rawsell será más que protagonista en las 12 pistas que escucharemos. Es un lindo comenzó.
Luego tenemos así de golpe al furioso y escandaloso sencillo “Yuk Foo” (juego de palabras que en realidad quiere decir Fuck You) en donde la dama del grupo empieza dar gritos diciendo memorables frase frases como “Yo soy una perra que ya no te quiere más, porque tú me aburriste hasta morir” Su final es con el grito cortándose es genial, ya pocas veces lo he escuchado de parte de una mujer.
Despues del Noise y el Punk viene el pop rockero a lo Sleater-Kinney que nos pone a bailar y se llama “Beautiful Unconventional” que continua con las letras sencillas pero bien contudentes con lo que tratan de decir. Y si de bailar estamos hablando, la cuarta pista se abre con la voz de Ellie imitando a Grimes en una base totalmente alejada al rock que veníamos escuchando. La canción se llama “Don’t Delete The Kisses” y posee un estribillo celestial mejor que cualquier canción que haya lanzado una diva pop este año.  A medida que avanza entre los spoken words de las estrofas se presenta un in crescendo de sintetizadores que son magia pura. Claramente el temazo del disco.

“Planet Hunter” continua con la racha de buenas canciones en un tema de armonías que nos recuerdan a las épicas baladas rock noventeras y “Sky Musing” luego de una distorsión inicial nos trae otra narración por parte de la vocalista ambientado por sonido que pasa tanto por lo terrorífico como hacia lo angelical.

Y qué bueno es el riff folkie de “Formidable Cool” que te hace mover casi satánicamente contra tu voluntad. Particularmente me recuerda a los Led Zeppelin más heavies en sus conciertos que de repente pasaban de la absoluta calma rítmica a un rock más escandaloso, de hecho, su riff bien le hubiera gustado al Plant de esta década.

Siempre tiene que haber un bache entre tanta composición bien hecha y para mí lo es “Space & Time”, demasiado simplona y anticuada, aunque hay que reconocer que sus guitarras parecen robadas de los argentinos de El Mató, bonito parecido, pero no pasa de ahí.

Otravez algo de folk en “Sad Boy” pero añadiéndole un coro que parece una canción infantil. Al minuto 2 el noveno track posee un cambio importante trayendo una calma momentánea que luego despega en un rock de estadio potente.

Un coro de iglesia formado con las voces conjuntad de la chica rubia abre “St.Purple Green” otro punto destacdo bien pesado cuando le toca intervenir, aunque estamos hablando también de una de las canciones más dream pop del disco, especialmente por el final a partir de esos “one step”.
Y qué decir de “After The Zero Hour” que se inicia con un arpegio a lo Nick Drake para dar paso a una canción cuasireligiosa demasiado setentera que con voz temblorosa medio hippie por momentos la mujer nos hipnotiza y nos mece en una cuna como si fuéramos su retoño. Así debe ser la música que escuchamos en la sala de espera del cielo.

Y si hace rato hablaba de Heavy Metal, creo que me adelanté sin querer pues la última pista y la principal “Vision Of A Life” con una base de batería que nos remite al “When The Leave Breaks” es la que más merece ese calificativo. Son 8 minutos de pura pirotecnia y cambios de ritmos constantes que resultan suculentos ¡Imagínese esta aplanadora en vivo!

Bien de esta forma terminamos de escuchar el segundo álbum de Wolf Alice que resulta bastante sorprendente por lo bueno que es ¿Acaso hay otra banda de indie rock joven y de paso británica que haya hecho un disco mejor que este? Lo dudo mucho.

“Visions of a life” supera en muchos aspectos a su debut, resultando un disco homogéneo pesea a los diferentes estilos que escuchamos a lo largo de él. Así como van las cosas no creo que sea el mejor disco de la banda, ese todavía está por venir, pero este gran esfuerzo que vale la pena escuchar antes de que termine el año si todavía no lo hiciste, si que tiene un lugar merecido entre lo mejor que ha dado el rock de este año.


1. Heavenward (8)
2. Yuk Foo (8,5)
3. Beautifully Unconventional (8,5)
4. Don't Delete the Kisses (9,5)
5. Planet Hunter (9)
6. Sky Musings (8)
7. Formidable Cool (8,5)
8. Space & Time (7)
9. Sadboy (8)
10.  St. Purple & Green (8,5)
11.  After the Zero Hour (9)
12.  Visions of a Life (9)

Puntaje del disco: 8,5
Especial para: salvar tu año, amante del indie rock.

"Hoy me entiende el que tuvo suerte de sentir ese cariño tan particular. Ay de esas manos de sol de caricias sinceras  de comidas caseras, y esas charlas eternas. Ahecha ga’u nde rembi’u, pe nde guiso opupu, ko'anga ahetu, extraño una y mil veces. Maapa ome’eta cheve nde kunu’umi"



Quien hubiera imaginado que el programa creado por los músicos nacionales "Los Ojeda" emitido por el canal veinteañero Telefuturo llamado "Tereré Jere" sería nuestra versión del Jools Holland, trayendo invitados cuyas interpretaciones llegarían a convertirse en épicas.

Es difícil encontrar en nuestro país un fenómeno similar a lo que tuvieron Nestorló y Los Caminantes, que gracias a una actuación en el mencionado programa lograron el estrellato convirtiéndose en la banda revelación del año.

Los responsables de tamaña hazaña para el grupo son tres, primero el programa de televisión por darles el espacio, segundo la plataforma youtube que sirvió como medio de propagación de su actuación y el tercer responsable y el mas importante es el tema musical que interpretaron y por el cual son conocidos: Mamama.

¿Pero qué es lo tiene Mamama? ¿Por qué logro tener una enorme repercusión como ninguna otra canción en nuestro país? Y es básicamente porque lo tiene todo.

Empezando por tratarse de una polca paraguaya que no suena a polca paraguaya, esta composición es más juvenil, más moderna, más rock y se siente desde el primer punteo de guitarra.

Su letra tiene un papel fundamental, ya que resulta imposible no sentirse identificado con ella. "Mamama" es la forma en como llamaba el vocalista del grupo Nestor López a su abuela que vivía en el interior del país, en las inmediaciones de la ciudad de Caballero, de ahí el título. En la canción este expresa su pesar por no poder ir a volverla a visitar, pues aquella cariñosa mujer con ruleros que tanto la mimaba ya no se encuentra en este mundo.

Obviamente y como corresponde el tema posee melodías muy melancólicas (por momentos levemente parecidas al "Song For Zula" de Phosphorecent) que describen perfectamente la nostalgia que siente del protagonista, desde el punteo de guitarra inicial hasta los "mamama" a coro del final.

Destaca por su puente (lejos la mejor parte de la canción) cantado en guaraní, nuestra segunda lengua oficial, en donde López nos dice que todavía añora las comidas que su abuela le preparaba y se pregunta quien le dará ahora ese cariño tan particular ahora que ya no está.

También es acertado el ritmo galopante que posee (no muy común para una canción triste, que tienden a ser mas lentas) pues al inicio bien dice "Hoy voy directo al campo..." y que suene de esa manera realmente nos hace sentir que estamos iendo al departamento de Paraguarí contemplando los cerros, a medida que avanza la cancion.

Tantas cosas buenas tiene "Mamama" que su éxito era de esperarse. Eso sí, podemos decir que sólo tiene un defecto, uno que con el paso del tiempo puede llegar a bastante importante: Todavía no salió como sencillo.

Justamente desde el día en que descubrí la cancion esperé con ansias la llegada de la versión oficial para reseñarla en la página pero ese día lastimosamente no llegó nunca, es por eso que hoy faltando pocos días para finalizar en año dejo por fin plasmado mi comentario hacia la composición que enamoró a muchos y que merece ser destacada sí o sí como una de las "canciones del año" a nivel nacional, incluso aunque todavía no haya sido lanzada por lo menos como single.

También es sabido que existe otra versión (Sesión para Guaraní Soul Sessions) con más instrumentos interviniendo, como la trompeta y el piano, que personalmente no me gusta tanto como la primera, pues le quita la magia que tenía la versión acústica que sonaba más campestre. Espero que cuando les toque llevarla al estudio, consideren que la versión a guitarra el todo un clásico y que no comentan el error que muchos grupos ya han cometido con otras canciones (Ejemplo: Compara "Estar Mejor" de Pipa para Tabaco, la version acustica y la de estudio y saca tus propias conclusiones).


"Nestorló" no apunta a ser una banda "one hit wonder", ya cuenta con un buen repertorio (pero repito, nada oficial hasta el momento) que como podemos notar ya coquetea en con la cumbia y por momentos con el jazz rock, aunque ellos definen como una banda de Folk paraguayo, cosa que tampoco esta lejos de la realidad, pues "el folclore" es la base de sus canciones.

Lo que están haciendo este grupo de muchachos es revolucionario, modernizando la música de nuestro país, que a dia de mañana puede dejar un legado importante para llegar a internacionalizar nuestro folclor tal y como los colombianos lo hicieron con el vallenato (un sueño, que nadie nos impide llegar a hacerlo realidad). De hecho "Mamama" ya sonó con mucha fuerza en un Mundial de Artistas de sede en Rusia en donde varios exponentes de nuestro país (Dlkbza FC) la interpretaron teniendo la aceptación del público.

En fin, ahora que estamos entrando en las vacaciones y que siempre nos toca viajar al interior del país que mejor que tener esta canción como soundtrack mientras viajamos ¿verdad? Ah y casi lo olvido, ya existía precisamente aquí una canción que hacia honor a Caballero Pueblo, se llamaba "Guavirá Poty" y ella recitaba una famosa frase que decía así "Caballero pueblo che pepo mopéva (Pueblo de Caballero que quiebra mis alas)", hoy gracias a Nestorló y los Caminantes los jóvenes ya modernizamos el cancionero y la frase la cambiamos por un "Vamos Juntos hoy, Caballero Pueblo..."


Puntaje: 9,5 (Le bajo medio punto por no haber una versión oficial)
Especial para: La gente que ama lo nuestro y los extranjeros que quieran acercarse a la música paraguaya con algo más accesible.

El año se 2017 se nos fue en un pestañeo, aunque suene increible ya estamos en el mes de diciembre. Cada quien va lanzando su lista de lo mejor de año en estos días y 4L4Music ya  entró igualmente en el proceso de elaboración de la suya.

Lamentablemente este año no tuvimos un disco con la nota 10, pero si muy buenos trabajos que estuvieron cerca de lograrlo. Estos son, así como van las cosas, (esperando siempre por un álbum sorpresa) los discos mejores puntuados de la música anglosajona del 2017.

Pero tranquilos nada todavía está definido, las puntuaciones son sólo uno de los parametros a tener en cuenta en la elección de un disco del año. Las notas pueden, en algunos casos, quedar como simple anécdota o testimonio de lo bueno que fue al final (como ocurre también en la vida real).

¿Será uno de estos discazos el album del año? ¿Será otro? ¿Será este el fin del hombre araña?... Pronto lo sabremos todo...

"Luz de día. Me despierto sintiendo que no vas a jugar bien. Solía saberlo, pero ahora esa mierda no se siente bien. Me hizo poner a un lado mi orgullo. Tanto. Hiciste a un negro esperar por mucho tiempo. Lo hiciste difícil para un chico, como para que eso saliera mal. Estoy deseando poder hacer esto mío" (Donald Glover, Redbone).

Hoy se cumple un año del lanzamiento de "Awaken My Love!", tercer larga duración de Childish Gambino seudónimo de uno de los actores e ídolo nerd de nuestra generación Donald Glover.

Hace unos días tuvimos la sorpresa de que este álbum resultó ser uno de los 5 nominados al álbum del año en la 60 edición de los premios Grammy y aprovechando que estamos celebrando su primer cumpleaños me gustaria hacer un breve comentario y reseña con puntuación del mismo.

A toparnos con él lo primero que destaca es su impactante portada, como extraída de una película de ciencia ficción que tambien nos da una pista sobre lo que encontraremos. Pues cuenta con colores espaciales, el negro y el azul y el rostro que vemos bien afroamericano nos recuerda a portadas de discos de grandes del funk como los Funkadelic, los Sly & The Family Stone, y el primer Prince, referencias inmediatas que me llegan a la mente apenas al finalizar una primera escucha.

La música es bien cinematográfica (claro estamos hablando de un actor y director de series de televisión, personas que tienen otra forma de ver las cosas y a la vida misma) y tiene una gran produción que para nada intenta que las canciones pierdan el toque de parecer clásicos, o bien composiciones grabadas en los 70's. Sería un error llamarlo un disco de funk (como muchos lo hacen) ya que en él hay muchos estilos diferentes pero siempre con un groove que si no te desprende buena onda te envuelve en la nostalgia.

Por ejemplo el gospel se apodera de la primera pista "Me and Your Mama" que entre distorsiones y gritos agudos te despierta del sueño inicial para darte cuenta que ahora estas en un mundo espacial en donde a todos les gusta la música negra. También hay algo de amor ("Have Some Love") y seres realmente perversos ("Boggieman", que por cierto tiene un cierto tinte de indierock psicodélico + Soul) y hasta "Zombies" por el lugar, pero no unos que se alimentan de cerebros, sino que algo que para los habitantes del mundo no parece importales: el dinero. Ah, por cierto, el autotune en esta canción señor Gambino, era innecesario.

Le sigue "Riot" otro de esos temas bien enérgicos que no va hacia ningún lado y que si se trataba de un interludio ya es muy largo. Pero la buena onda sigue tan intacta que te hace olvidar esos detalles y te pone a bailar. Luego sobreviene un fade out que nos trae al temazo del disco, puesto 22 de las mejores canciones del año 2016 para este servidor (una lista no publicada en la red), "Redbone" que resucitó a finales del mismo año de su muerte a Prince en una balada con fuertes influencias del disco de moda en esos tiempos, Currents de Tampe Impala. La Nominada al grammy que para colmo tiene un final glorioso.

El reggae (y de nuevo el autotune) irrumpen en "California", agradable tema que nos hace sentir estar caminando por las playas de la mencionada ciudad. Seguido está "Terrified" de las más modernas de todas las piezas.

El fantasma de Sly Stone marca presencia en "Baby Boy" tema demasiado Family Stone, y eso me encanta, pero no tanto como la segunda mejor canción del album "The Night Me And Your Mama Met", continuación de la pista de apertura, esta vez junto a la guitarra del maestro Gary Clark Jr. que nos regala un solo exquisito sobre un ambiente fantasmal.

"Stand Tall" cierra el álbum reuniendo todos los sonidos anteriormente escuchados más una singular flauta en una cambiante pista de 6 minutos que termina abruptamente... ¿Será una señal?

No se cómo se me escapó entre las posibles predicciones, porque Awaken My Love! es un material 100% grammy, y es bueno, a principio puede parecer un simple disco homenaje a la musica negra con un temazo rotundo, pero escuchándolo más veces vas descubriendo su encanto y su groove.

Aprovecha y dale de nuevo otra oportunidad este disco si lo dejaste pasar el año pasado, este trabajo cumpleañero que puede ser una de las grandes sorpresas de la premiacion a llevarse en el mes de febrero próximo.


1. Me and Your Mama (8)
2. Have Some Love (7)
3. Boogieman (7,5)
4. Zombies (7)
5. Riot (6)
6. Redbone (9,5)
7. California (7)
8. Terrified (7,5)
9. Baby Boy (8)
10.  The Night Me and Your Mama Met (8,5)
11.  Stand Tall (8,5)

Puntaje del disco: 7,5
Especial para: Una noche nostalgica mirando las estrellas acostado en una hamaca.

 

La legendaria agrupación colombiana Aterciopelados, contemporánea de Soda Stereo, Caifanes y Heroes del Silencio y responsable con éstos de la gran exposion del Rock Latino en los 90's llega por primera vez a nuestro pais como parte de su extensa gira "Reluciente y Rechinante Tour".

La banda de Andrea Echeverri y Hector Buitrago esta cumpliendo 25 años de carrera musical cargados de éxitos a nivel mundial. A principios de este siglo por ejemplo fue nombrada una de las mejores bandas del mundo junto a pesos pesados como Radiohead y U2.

Fue una de las primeras bandas en tener exito internacional fusionando el rock con elementos de la musica colombiana y se podria decir que son los padres de toda esa generacion de artistas que hasta hoy en día hacen cumbia rock o rock bailable. Pero tampoco hay que olvidar su lado mas alternativo caracterizado por el uso de elementos electrónicos que terminaron por definir al sonido aterciopelado. En sintesis, hablamos de unos grandes de grandes y estamos más que orgullosos que visiten nuestro país.

Se presentarán en la noche de mañana en el local gastronómico del Paso La Galería llamado  "Nacho Rey" que su tercer (fokin) año de existencia lo celebra teniendo como invitandos estelares a los colombianos (la otra banda invitada son los Kita Pena, de nuestro país).

Mientras esperamos la hora de su show que mejor que ir ambientándonos escuchando sus canciones. Aquí una playlist de 25 pistas por los 25 años de Aterciopelados que armé (improvisadamente pero con mucho cariño) y el último videoclip lanzado por la banda, para "He venido a pedirte perdón" cover de Juan Gabriel que como verán recibe un lindo homenaje en el audiovisual.

Gracias Aterciopelados por visitar Paraguay y por tan buena música! Los esperamos!

 

"Pido disculpas, nuestro amor fue uno en todas las edades y me contenía. No estoy destinado a llorar y morir solo en estas mansiones. O dormir con la espalda vuelta. Se supone que vamos a descansar hasta que nos quememos. Se supone que reímos hasta que nuestro corazón se detenga.Y luego en un espacio donde la oscuridad se detiene. Y deja que el amor ilumine el camino. Como los hombres antes de mí, me corté la nariz a pesar de mi rostro. Nunca quise que otra mujer supiera algo sobre mí que no sabías. Lo prometí, lloré, no podía sostenerlo. Soy un tonto en el amor, creo que necesito volver a empezar. Estaré emocionalmente disponible si te invito a ti otra vez" (Sean Carter, 4:44)

El 23 de Abril de 2016, Beyoncé Knowless-Carter lanza su sexto álbum de estudio "Lemonade", un enorme disco en donde ésta dispara contra su marido por supuesta infidelidad. La canción de la discordia se llamaba "Sorry", y en ella Queen Bey mencionaba a una tal "Becky la del buen cabello" de ser la persona con quien su esposo tuvo un encuentro, hecho que casi provoca la separación de la pareja más poderosa de la música.

Esa infidelidad no fue algo que pasó hace poco tiempo, ¿Se acuerdan cuando Solange, la hermana (de no precisamente buen cabello), en  el elevador de la gala de los MET le habia propinado unas cuantas tropadas al señor Carter en el 2014? Sí, fue porque la autora de A Seat Of The Table se enteró del engaño... Tuvo que pasar dos años sin que nadie de la prensa supiera con exactitud el motivo de la tremenda paliza, y peor aún sobre la infidelidad en si. Pero por dentro la pareja se caía a pedazos.

El día de ayer el rapero confesó publicamente sobre su infidelidad y agregó que su matrimonio fue salvado por la mejor terapeuta de parejas posible: la música. Los dos artistas se refugiaron componiendo melodías y sacando al exterior sus pensamientos por medio de líricas. Beyonce gracias a ello logró crear su aclamado "Lemonade" que sería la acusación del hecho por parte de la mujer y de Jay-Z salió este "4:44", que sería una contestación y pedido de disculpas merecidas hacia su esposa, auque como verán a continuación, el disco tiene más que solo eso.

El título viene porque el cuatro es un número simbolo de la pareja (¡Al igual que el de la pagina!). Los dos nacieron un día 4 y se casaron un día 4, y si traducimos esto a un reloj digital nos daría.... Sí, 4:44. El rapero tambien ha añadido que el  titulo proviene de que un día se despertó justo a esa hora mágicamente con las ideas bien puestas para componer la canción titular, en la que pide perdón.

Ahora entrando por fin a lo netamente musical (Disculpen por parecer una página de chismes al principio) al dar una oída a lo último de Ja-Z, flamante nominado al Album del Año  de los próximos Grammys, uno no se encuentra con las bases sobrecargadas y sobreproducidas con los que nos acostumbra el rapero de New York sino todo lo contrario, las diez pistas esqueléticas presumen cada una un sample perfectamente usado, a veces repetido en forma de loop a lo Kanye West y otras en forma entrecortada a lo James Blake. Esto le da un caracter más intimista al disco siendo por un lado un acierto, pero también le resta en sonido y eso hace que lo que lo que escuchemos parezcan ser  sólo unos demos.

Bien bien, está bien, tienen razon... ¿Acaso lo que le convirtio en leyenda a Jay-Z no fueron sus poderosas letras? Exacto, y 4:44 vuelve a traernos a ese maestro del lápiz y el papel por momentos haciendo de este su décimo tercer album de estudio en solitario, su mejor elaborado en mucho tiempo.

"Kill Jay-Z" se encarga de abrir el disco y como el título lo siguiere, esta canción habla sobre matarse a si mismo, o mejor dicho a su Ego, que tantos problemas le ha acarreado (Ojalá Kanye hiciera lo mismo también). Posee un gran sample soul con cuerdas de fondo ya marca de la casa que ambienta perfectamente a las rimas.

Le sigue el sencillo con fantástico video musical animado, inspirado por las caricaturas de antaño, "The Story of O.J", nominada a cancion del año en los premios de la academia. En ella se aprecia la inconfundible voz de Nina Simone y su canción "Four Women" siendo manejada por los efectos del sampler del estudio de grabación. La canción trata sobre la cultura afroamericana aunque con el titulo hace un guiño O.J, Simpson, quien fuera acusado de asesinar a su esposa, caso el cual tuviera su propia serie.

Le toca el turno a Stevie Wonder de ser utilizado para ser participe de la causa, sirviendo de armonía vocal en "Smile", un elegante trap de tinte familiar que habla sobre los recuerdos del rapero y su intención de cambiar para bien su vida. La pista termina con una grabación de su madre, Gloria Carter, que se confiesa ser homosexual dándonos un mensaje de amor (Bueno, es en realidad su hijo quien lo dice en cierto momento a los cuatro vientos en sus versos).

Y hablando confesiones, el experto en ello, Frank Ocean colabora en la siguente pista "Caught Their Eyes" una tranquila pieza que en percusiones se parece mucho a sus colaboraciones junto a West (su hoy amigo y rival) del Watch The Throne. Canción que definitivamente crece con las escuchas.

La pista más potente del material se encuentra en la mitad y es la principal, "4.44" posee un adictivo sample de Late Nights & Heartbreak de Hanna Williams que va de la mano con lo que va escupiendo en las líneas el Sr, Carter, que se confiesa pecador y pide disculpas a su mujer para así volver a ser una familia feliz de nuevo.

Casi en la misma línea está "Family Feud" con un sample de ¿la misma Beyoncé? quien también aparece lanzando algunas frases, armonías vocales, risitas y hasta "sonidos de placer". La letra increíblemente no habla sobre la pareja, sino otra vez sobre la comunidad negra que sí anda muy separada, no como ellos que siguen bien juntos y con mellizos como prueba de amor.

El toque Jamaiquino siempre bienvenido para el Hip Hop se da de la mano del hijo del tío Bob, Damian Marley, que nos rapea sobre el Bam Bam de Sister Nancy en "Bam". No es muy destacable la pista pero vaya que es estrenida.

El impacto de la pelicula "Moonlight" del año pasado en la musica negra de estos ultimos meses, eso sí que es destacable. En ella está inspirada la pista de mismo nombre, que es la más corta pero una de las que personalmente más me gusta junto con la siguiente, "Marcy Me" de cuyo sample quede completamente enamorado. El outro de The- Dream es fantástico, una de las mejores partes del disco.

El final llega con Legacy, una canción que habla sobre el legado de la familia Carter, del cual su parecidísima hija Blue Ivi de 5 años de edad también será participe. La pista inicia con la pequeña (tambien experta en freestyles) preguntando sobre lo que sigue en el futuro y Jay-Z le responde. Como cierre es muy lindo pues demuestra ese afecto de padre e hija que de seguro fue otro de los factores determinantes para la no separación de la pareja de multimillonarios y también despide un aire de paz y bastante familiero como diciendo "todas las cosas andan muy bien en casa".


4:44,  lo último del magnate  hombre de negocios, dueño de la media... quiero decir, dueño de Tidal, es un álbum muy pesonal que no es lo suficientemente impresionante como la primera parte de la historia, contada por su mujer en Lemonade, pero que con la capacidad lírica de este, mas los samples que te van ganado con las escuchas sucesivas hace que el disco sea bastante bueno en conjunto (eso sin mencionar a las colaboraciones estelares, que hay que decir, tampoco se roban el show).

Sinceramente me sorprendió su nominación para el album del año, pese al suceso que tuvo el disco no pensé que llegaría hasta ese punto, es por eso que me animé a reseñar este trabajo por fin, aprovechando la ocasión. No llega a los niveles inmaculados de sus mejores discos pero creo que sí se merece una posición entre los mejores lanzamientos del año... He dicho...




1. Kill Jay Z (8)
2. The Story of O.J. (9,5)
3. Smile [feat. Gloria Carter] (9)
4. Caught Their Eyes [feat. Frank Ocean] (8)
5. 4:44 (8,5)
6. Family Feud (8)
7. Bam [feat. Damian Marley] (7,5)
8. Moonlight (8)
9. Marcy Me [feat. The-Dream] (8)
10. Legacy (7,5)

Puntaje del disco: 8
Especial para: Escucharlo solo desde la comodidad de un sillón, tomando una bebida y atendiendo las letras

Y como no está este disco en spotify... Disfrute de sus videos:

El día de ayer se dio a conocer las nominaciones para los Grammys del año que viene y como siempre esta no estuvo exenta de sorpresas, en más casos para bien que para mal.

Se ha ninguneado por ejemplo  (y por suerte) a varias artistas femeninas populares del momento como Demi Lovato (la chica homenajes) Selena Gomez, Miley Cyrus, Katy Perry y porque no a la revelación Dua Lipa.

Entre los muchachos uno pensaba que Harry Styles por el ruido que armó este año tambien estaría presente pero por suerte no tuvo ninguna nominación al igual que el abandonado The Weeknd. Ed Sheeran increíblemente no esta nominado a álbum del año y es quizás esta la sorpresa más hermosa que nos han dado las nominaciones en mucho tiempo.

Para mal, uno ve que en la categoria Hip Hop se hayan olvidado increíblemente de A Tribe Called Quest y de Vince Staples como tambien que, aunque lo odie, Jack Antonoff se merecia un lugar en la categoria Productor del año, en donde esta Calvin Harris merecidamente.

Otro punto a parte es la inclusión de "Despacito" para Canción y Grabación del año. La primera nominación creo se la merece, es una de las canciones del año por más insoportable que sea. Pero lo de grabación del año me de deja un poco desconcertado, porque estamos hablando de un Remix lleno de oportunismo de una canción ya existente. Bueno, ellos sabrán por qué.... Sin embargo la gran incógnita sobre este tema es: La cantarán en vivo en la ceremonia? Se acordará Justin de la letra?...

En cuanto a la categoria alternativa (nuestra preferida ¿verdad?) ésta tiene muy dignos contrincantes como a Father John Misty, LCD Soundsystem, Arcade Fire, The National y la sorprendente inclusión de Gorillaz. Sea quien sea que gane ahí se lo merecerá (bueno, Arcade fire quizás no).

Por último, en la categoria principal de la premiación, la de álbum del año hay bastantes sorpresas.

Lo de Kendrick y Lorde ya era sabido, solo faltaban sus acompañantes y quien imaginaría que ninguno de ellos fuera un blanco de cabello rubio y ojos claros, sorpresa enorme conociendo los antecedentes de la academia.

El actor Donald Glover A.K.A. Childish Gambino obtiene un lugar en la máxima categoría por su "Awaken, My Love" y el rapero Jay-Z (que según muchos de lengua mala dicen consiguió ser el más nominado a base de "talonario") logra tambien ese puesto por su íntimo "4:44".

Completa la lista el talentoso Bruno Mars que, hay que decir, no hizo su mejor disco pero éste tiene buenos hits para almenos merecerse la nominación (pero jamás ganarla).

De esta forma nos armaron la
película los más de 13.000 votantes del Grammy. Una mujer contra 4 hombres de color, cada uno un personaje diferente al otro. Según como va esta década, las mujeres del pop han sido las grandes triunfadoras, es por eso que las apuestas son más fuertes para Lorde ("La Lourdes") que con su"dinamita casera" intentara exterminar a su competencia.

Pero tranquilos, todas estas especulaciones las haremos recien en la "Apostála de los Grammys 2018" a principios de Febrero. Mientras tanto puedes deleitarte observando el póster promocional de esta pelicula que se titulará: "WHO WILL WIN THE ALBUM OF THE YEAR?

Lista de los nominados aquí


Continuará...

"Mi herida en el pecho sanó, transformándose en una puerta, en donde recibo amor y en donde doy amor desde allí. Dividiéndose en muchas partes, rayos de luz salpicados en prismas, que serán reunidos. No solía ser tan necesitada, solamente más dañada de lo normal. Orgullosa autosuficiencia, mi silueta es ovalada. Es una puerta" (Björk, versos de The Gate)

Culminando esta serie de reseñas dedicadas a las mujeres de esta semana por último le tenemos a ella, nuestra reina nórdica de la música alternativa: Björk.

Una de las pocas mujeres de la música que a sus 52 años sigue en vigencia tanto productiva como creativa (la parte más importante). Todos los discos que va publicando esta mujer son recibidos como acontecimientos por la reputación que ha adquirido con los años, siguiendo sus propios ideales musicales que para muchos serian demasiado excéntricos.

En los 90´s Björk fue alguna vez una mujer del pop, de hecho tiene varios hits en su haber, pero al finalizar esa misma década ésta decidió hacer caso a su instinto y se dedicó a crear la música que le gustaba y le nacía por dentro, composiciones futuristas a las que le importaba poco o nada las típicas estructuras de una canción promedio. Y gracias a esta iniciativa la Islandesa cambio la música para siempre, tal y como lo hicieron en su momento Patti Smith o Kate Bush en décadas pasadas.

Tan innovadora era la música de esta señora que a día de hoy volviéndolas a escuchar, estas parecen recién salidas de esta década; definitivamente ella estuvo adelantada a los demás. Si las mujeres tienen un sexto sentido, ella tenia siete y eso se podía sentir en cada una de sus piezas.

En cuanto a su último trabajo lanzado, el excelente Vulnicura, la artista se estaba reponiendo de una separación, y toda esa sensibilidad del momento, ese dolor y esa rabia la plasmó en el álbum dando un resultado maravilloso. Obviamente el disco tuvo criticas muy positivas, cosa que como anécdota, molesto a la artista porque como es sabido la mayoría de los críticos de la música son hombres y estos "le dieron un notable porque ahora ella sí hacia música con temas típicos que tocaría una mujer". Björk, ni hace falta decirlo, es una de las artistas más feministas y a la cual siempre se la puede ver defendiendo los derechos de estas.

¿Por que hablo de esto? ¿Tiene algo que ver? Creo que bastante porque justamente el año 2017 ha sido un año muy duro al hablar del sexo femenino, saliendo a la luz un montón de acusaciones por acoso sexuales en el mundo del expectaculo, hecho del que Björk no se calló también. Y tambien porque tal parece que "Utopia", viene a ser la segunda parte de Vulnicura, la parte feliz para la mujer que ha sufrido, que ahora por medio de un portal mágico llega a un mundo desconocido en donde todo es maravilloso y sólo puedes sentir amor.

No solo es la segunda parte del disco anterior por concepto, sino también por producción, ya que el encargado de ella vuelve a ser su mas ferviente discípulo, el venezolano Arca, que esta vez ya no es solo un productor más, sino un socio artístico de ella. Es como si la islandesa fuera una persona que estuviera transitando los últimos días de su vida (en su caso la artística) con alguien que mantendría el legado.

Utopia, es un viaje y solo eso, no el disco pop que desde los 90's la gente espera de ella, que lo vuelva a hacer. Así que si eres de aquellas personas, es comprensible que el disco te parezca "inescuchabe". Pero si ya estuviste preparando la mochila con ansias sin saber todavía a donde iras, sigue leyendo porque te voy a contar como será este viaje al mundo mágico de Utopia.

Comencemos con la portada, algo feísta, característica de la artista en donde se la puede ver con una de las típicas mascaras creadas por su también socio Jesse Kanda. La mujer parece tener ahora forma de un ser mitológico, místico, algo con lo que capaz nos topemos caminando por Utopia. Esta sosteniendo una flauta, instrumento protagonista del disco junto con otro que le comentaré después. Lo que tiene en su frente, no sé ustedes, pero claramente es una vagina, símbolo de la sexualidad femenina y eso creo que es una señal que nos esta tratando de decir  que en Utopia solo pueden ir las mujeres en cuerpo presente, nosotros en cambio lo haremos por nuestros auriculares.

Todo mundo tiene su momento de creación, y el Big Bang de este, se da con "Arisen My Senses" por medio de explosiones de aquí para allá y el sample de una de las canciones de su compañero: Little Now A Lot. También aparece el otro instrumento  principal del disco, el arpa. Hablamos de una bella canción de amor, porque es con amor que fue creado Utopia.

Le sigue a mi parecer la mejor canción del disco, o por lo menos con mejor melodía, "Blissing Me" que continua con la temática anterior esta vez comandada por una bella línea de arpa que recuerda mucho a Joanna Newsom. Al escuchar este tema tal parece que nuestra Björk estuviera muy muy enamorada en serio, faltaría saber si es cierto y de quien. Todavía no llegamos a Utopia, y se nota, pero estamos cerca.

El portal se abre al fin con The Gate, el estupendo sencillo que sirvió como adelanto a este álbum. Muy ambiental y oscuro al principio (Sello del venezolano) va subiendo de a poco como si con cada golpe se estuviera abriendo la entrada, sí, con cada "Care for you...". Cuando esto se logra caemos desde lo alto a una selva con mucho verde y muchos animales; ese es el tema que da el nombre al disco "Utopia". Suena simpático y atractivo a la vez esa especie de pájaro que emite un sonido a cada momento, mientras a lo lejos sus otros compañeros plumíferos tampoco paran de cantar. Cuidado! porque también hay ranas y grillos en ese estanque pantanoso. Todo esta escena esta dirigida por la flauta, la cual es tocada por la reina del lugar. Ya sabemos su nombre y su aspecto.


Si Vulnicura tenia a Black Lake, este material tiene a "Body Memory" una cancion de 10 minutos con detalles que deben ser minuciosamnete atendidos. SituÁndonos todavía en la selva la artista nos cuenta en cada verso de la canción sobre un componente diferente de su vida: el verso 1 es rural, el verso 2 trata sobre el destino, el verso 3 sobre el amor, el verso 4 sobre el sexo, el verso 5 es urbano y el versículo 6 sobre su batalla por la custodia con su ex marido. El tema cuenta con una exquisita producción a la cual se se suma un coro imponente que en sus intervenciones te hace poner la piel de gallina.

Las 5 primeras pistas son espectaculares, pero un bajón empieza luego con el dúo "Features Creatures/Courtship". El primero tiene un coro casi fantasmal sacado del Señor de los anillos (película en cuyo soundtrack prestó su voz) y luego un pasaje de flautas que terminan en la voz eléctricamente modifica de la mujer vanguardista. El segundo simplemente no brilla pese a las intenciones de Alejandro Ghersi de ponerle más animo a sus bases por primera vez en el disco (las percusiones que no aparecían antes son casi bailables aquí).

La belleza vuelve a resurgir en "Loss", otro de los puntos altos del disco y el tema mas inmediato, donde la flauta y el arpa (que se roba el show con su hermosa melodía característica) se fusionan esta vez. Es también el primer tema del disco más parecido a su trabajo anterior. Arca demuestra por qué es el rey de los sonidos raros. Un verdadero placer escuchar este tema.

De mi temas preferidos igualmente es "Sue Me", su intro es genial  y ese sample de la voz grave lo es todo. Su parte final mejora la propuesta con una voz modificada e hipnotizante de la islandesa en  un espiral sonoro mucho mas electrónico que natural.

"Tabula Rasa" con una sección de viento que crea una cadencia semejante a la que tenía la mencionada Black Lake y es muy hermosa, especialmente por su final con las cuerdas de la otra dimensión revoloteando, pero no llega al nivel de los mejores momentos del disco, hay que admitirlo.

"Claimstarker" iniciado por una especie de bajo eléctrico haciendo un compás juguetón vuelve a ser una de las clásicas canciones experimentales de Björk, en donde esta juega con su voz haciéndola subir y bajar una detrás de otra y luego "Paradisia" parece ser una extensión de la pista titular, funcionando como interludio entre la parte intermedia del disco con la sección final.

"Saint" entre pajarillos cantando y aves tropicales volando nos dibuja que Utopia es como un ambiente de película de Disney. De hecho la canción parece ser de las que suenan cuando todo se soluciona y la paz reina en el mundo de los dibujos animados.

El último tema "Future Forever", es para mi la canción más "Björk de sus inicios" del disco, aquí vuelve a sonar tan juvenil y llena de vida (Como en Hyperballad). Sus agudos son hermosos y sus cuerdas vocales pese a su edad siguen intactas. No tiene mucha instrumentación (solo un sintetizador angelical que golpea a cada tanto) sin embargo es muy armoniosa, y funciona como un perfecto cierre en donde ella nos aconseja a que sigamos nuestros instintos (algo que ella lo hizo en su pasado, como les comentó al principio) para llegar lejos.


En fin, "Utopia" es un trabajo mas de Björk, de esos que encantaran a los fans (me incluyo). Resulta inmediato pero es mas difícil de escuchar que Vulnicura, que de momento sigue siendo mejor que éste. A Utopia hay que apreciarlo en un completo silencio y con los 5 sentidos activados para lograr el "click".

Las canciones poseen una soberbia producción, pero eso ya no es novedad en Björk, no llega a sorprender. Tampoco llega a emocionar como en sus mejores trabajos anteriores pero no cabe duda de que igual estamos ante otro disco hermoso.

Posiblemente ningún disco este año tenga sonidos tan bellos y que te transporten a un mundo imaginativo como este, y sólo con haber logrado eso podemos decir con firmeza que Björk "lo ha hecho de nuevo".




1. Arisen My Senses (8,5)
2. Blissing Me (9)
3. The Gate (8,5)
4. Utopia (8)
5. Body Memory (9)
6. Features Creatures (7)
7. Courtship (7,5)
8. Loss (8,5)
9. Sue Me (8,5)
10. Tabula Rasa (7,5)
11. Claimstaker (7,5)
12. Paradisia (7)
13. Saint (7,5)
14. Future Forever (8)

Puntaje del disco: 7,5
Especial para: transportarte a un mundo imaginario, específicamente un selva con muchos animales

Hay una canción muy pegadiza en todas las radios en latinoamÉrica en esta temporada llamada "Mayores" y la canta una tal Becky G. El tema es obviamente otra de las estrategias comerciales mejor hechas del año (Junto a la formula mágica tan obvia de Despacito).

Actualmente en número de mujeres que consume la música denominada "urbana" es altísimo y éstas debían conformarse con cantar canciones hechas por hombres para hombres, y peor aun, en el que en el peor de los casos las insultaban a ellas mismas. Es por eso que quien pensó que "Mayores" sería un éxito es un genio del negocio musical, porque ahora las chicas tienen una canción con la cual se identifican (y más si les gustan aquellos a que llaman señores) y la pueden cantar con toda la pasión sin tener que sentirse extrañas u ofendidas.

Además y para colmo su estribillo tiene un doble sentido morboso (que lastimosamente a la sociedad de nuestro tiempo tanto nos gusta), algo que sólo usaban los varones en sus canciones de reggaeton y que ahora alas mujeres ni se sonrojan para también cantarlo en voz alta.

Conclusion, este tema es empalagoso e indestacable, pero también otra de las grandes estrategias comerciales del año, porque las mujeres también tienen sus perspectivas del género, su sentir urbano que quieren expresarlo.

Pero, como bien sabemos, no todo pasa por el mundo "comercial", todavía hay música  más allá y aunque suene increíble el reggaeton, sí, el estilo mas golpeado del siglo XXI  (después de la cumbia villera), también tiene su vertiente más alternativa, de hecho fue así como inicio el estilo hasta que llegó "La Gasolina" y  nos fuimos completamente a la mierda.

Aunque todavia no haya nacido un artista que haga que el reggaeton sea aceptado como un estilo alternativo (Si Bomba Estéreo o intentaron no les salió bien la jugada) de a poco puede verse artistas de reggaeton que suenan diferente a los demás, y no hablo de hacer trap porque esta de moda, sino de hacer reggaeton pero que suene sofisticado.

Increíblemente este año fueron las mujeres quienes sacaron pecho por el perreo, dándole una frescura e innovación sublime. Quizas con ello iniciando el camino a seguir por futuros artistas que quieran cambiar para siempre lo que en los 90's fue creado por Vico C.

No sólo en el mundo de las grandes ventas las mujeres rompen esquemas sino también en el mundo más alternativo, y las siguentes dos canciones son buenos y claros ejemplos de lo que hablo, no por nada las integro a la selección de "canción del año" (y les doy un puntaje).

POCIÓN - MULA (República Dominicana)



Especial para: Las chicas que creen que el tipo les embrujo por eso no pueden olvidarlo.


NUESTRO PLANETA - KALI UCHIS feat. REYKON (Colombia)





El reggaeton espacial existe, y suena mas o menos así. La bella Kali Uchis, archiconocida en el mundo melómano por colaborar con Gorillaz y Tyler The Creator y en el mundo mainstream por hacer dueto con Juanes todavía no lanza su esperado álbum debut, pero sigue lanzando singles tan buenos como este. La colombiana pese a tener buena reputación no sintió  vergüenza alguna en lanzar una canción que pueda tildarla de vendida. Pero ni se nos pasa eso por la cabeza al escuchar el tema pues es bastante bueno.

El estribillo mas contagiante no puede ser, es como si estuvieras flotando por el espacio mientras lo escuchas. Eso sí, la  imitación de Reykon a Drake aquí es lamentable, pero inofensiva.



Puntaje: 8,5
Especial para: Transportarte a otro planeta (y que tus amigas no se metan).

"Me pierdo en tus aires, en tus desiertos, tus abismos. Siente mi corazón, como yo tengo miedo a ese momento. No te arruines a ti mismo" (Charlotte Gainsbourg, Dans Vos Airs)

Primera pregunta: ¿Quien es Charlotte Gaingsbourg?

Es una reconocida actriz francesa de 46 años, hija del polémico músico del mismo país, Serge Gainsbourg, sí, aquel que compusiera la canción "Je t'aime... moi non plus", esa en donde abundan los gemidos de una mujer. Charlotte ya era conocida desde muy pequeña tras protagonizar con tan solo 13 años de edad el video musical de una de las composiciones más repudiadas de su padre "Lemon Incest", en donde se le podía ver a los dos recostados en en un cama. Demás esta decir que los Ganisbourg eran un familia un poco... "diferente" a las demás.

La carrera como actriz de la joven tampoco estuvo exenta de polémicas, pues ha protagonizado varias cintas de alto contenido erótico/sexual, una de ellas y la mas reciente titulada "Nimphomaniac" del director que la convertiría en su musa, Lars Von Trier (También actúa ahí Shia Labeouf, para los amantes de Transformers)

En lo que respecta a lo musical, Charlotte ha tenido una carrera no muy destacada pero si interesante, posiblemente por su ya asentada carrera en el cine o por ser "la hija de". Llego a colaborar con grandes nombres como Beck, Jarvis Cocker Air o The Divine Comedy, pero todavía no había lanzado un material que por lo menos paralizara a grna parte del mundo de la música... hasta ahora.

Segunda pregunta ¿Porque ahora todos hablan de ella?

Como siempre hay artistas a los cuales el hype le favorece y esta es una de ellas. Sus compatriotas de Daft Punk hoy son estrellas del pop a nivel mundial, y cualquier movimiento que éstos hagan causará repercusión en todo el globo. Y así fue cuando nos enteramos que uno de los integrantes del dúo, el buen Guy-Manuel de Homem-Christo estaba colaborando con la actriz, algo que sonaba raro pues difícilmente escucharemos una voz femenina en la discografía de Daft Punk.

La apuesta subio más cuando nos enteramos a continuación que el productor de todo el disco sería SebastiAn, aquel que trabajara con Frank Ocean en la temporada pasada de Endless/Blonde (en donde de paso nos cuenta una intimidad) y llego a niveles estratosféricos cuando en el día del lanzamiento (por lo menos en mi caso) supimos que el encargado de las cuerdas fue el siempre excelso Owen Pallet y que para colmo, nada más y nada menos que Sir Paul McCartney compuso una de las canciones de ese disco... Sencillamente, un equipazo.

Tercera Pregunta ¿Que tal le quedó el nuevo disco?

Pues maravilloso y redondo. Un álbum que mezcla perfectamente las características melodías francesas con un pop grandilocuente, por momentos oscuro y otras veces bailable. Todo lo que digo en esta descripción, como verán, no es algo que no se haya hecho ya, pero aquí suena tan engranado, tan bien hecho, que prácticamente estamos hablando de otro de los disco salvadores del pop (junto a Melodrama, Lust For Life y Masseduction posiblemente) del año.

Cantado en Francés y en Ingles por partes "Rest" es un producto muy querible desde la primera escucha, aquí no hay que esperar por posibles grovers ni nada, es inmediato y las 11 pistas que la componen brillan con luz propia.

Se divide en dos partes con 5 canciones cada una siendo el tema titular un intermedio prefecto. La primera parte es mas oscura y dramática en cambio la segunda parte destaca por tener canciones pop pluscuamperfectas de melodias imposibles de olvidar y por que no, bailar.

Así empieza entonces el disco con "Ring A Ring O' Roses" y sus sintetizadores ochentosos  marcados por un compás ensoñador que va creciendo con la llegada de las cuerdas de Owen Pallet. Su estribillo esta en ingles, lo que hace que sea más coreable por todos. Una buena introducción que ya te atrae de buenas a primeras.

Luego tenemos a "Lying With You" un tema comandado por un piano y una base minimalista en donde la mujer empieza a describir la relacion que se va formando entre ella y su padre luego de que éste falleciera. Prácticamente una continuación más macabra de la mencionada Lemon Incest. Destaco la voz de Charlotte en el coro, que se me hace muy parecido a otra cantante, pero no logro recordar a quien..., ¿será a Jeannette?

La tercera pista es "Kate", una composición dedicada a una media hermana que decidió terminar con su vida.  Tiene un aire del Random Access Memories por momentos en especial cuando va subiendo en intensidad con esa batería intratable como la que tenia aquel disco. Particularmente no me gusta los agudos de esta canción , aunque no lleguen a mancharla del todo.

De fondo oímos un bajo bien sexy que abre paso a "Deadly Valentine"que tranquilamente podría ser una canción de Enya y por que no, la canción que esperamos que nos entreguen los Arcade Fire este año (En voz de Regine) pero que éstos ni intentaron hacerlo. Es que esos arreglos de cuerda son muy ellos. La canción es genial, que cumple su cometido de elevarnos hasta lo más alto.

"I'm A Lie" tiene una intro ya demasiado francesa, demasiado, y esto crece más en los versos en donde Gainsbourg le pone un fuerte acento para hacerlo todo más obvio. El estribillo es de lo mejor del disco, y si seguimos con las comparaciones de seguro se les viene a la mente como a mi el nombre de St. Vincent en esa entonación.

Llegamos al quiebre y a la pieza compuesta por de Homem-Christo, que es muy diferente a lo que podíamos esperar. Habiendo tanto temazo poderoso por ahí, la colaboración del Daft Punk es un numero relajado e hipnotizante gracias a los susurros de la nacida en Inglaterra (pero que ojo, que sigue siendo francesa). Casi una canción de cuna que deprende una belleza magistral con los pequeños detalles que posee y vas descubriendo.

Lo bueno  de verdad se inicia después con "Sylvia Says", candidata desde ya canción del año, por más que suene a un híbrido entre "Funky Town" y cualquier canción de Madonna de los 90´s. Es tan adictiva, tan pop que enamora desde el primer instante, La Silvia de la que habla es Silvia Prath, cuyo poema inspira a esta canción.

Por otro lado el interminable Paul McCartney no cansa de sorprendernos con "Songbirg in A Cage" una canción simple que posee ese ritmo saltarin que lo caracteriza ("You say goodbye, and say hello")
. La voz de la cantante se roba solo por momentos el protagonismo entre el caos instrumental que creó el británico y que culmina de manera fantástica.

Mi canción favorita del disco es "Dans Vos Airs", porque soy amante ferviente de los baladones corpulentos, y más si éstos tienen un gancho que llega sin avisar, así de repente. Como en todo el disco el trabajo de Pallet es excelente. Por otro lado una intro medio psicodélica que nos parece haberla escuchado ya antes en algún lado  nos adentra a lo que es "Les Cocodriles" un ejemplo de como hacer pop de calidad y con maestría. Seguro lo aprendió de Beck.

Por ultimo  está "Les Oxalis", un número dance cuya liínea de bajo ya habíamos escuchado en algunas pistas de este disco. Acompañado por un coro celestial formado por sus propias voces y unos arreglos que nos trasladan a las pistas de baile de los 70's, la época dorada de la música disco se desvanece luego en una interpretación de teclado ensoñadora. Pero aguarda!, no todo termina ahí, porque luego de un silencio de unos segundos aparece por sorpresa una conversación entre Gainsbourg y su hija pequeña. La cantante le pregunta si le gustó su disco nuevo o si le pareció aburrido y la niña le responde que sí le gustó, y luego de la nada empieza a cantar deletreando el abecedario, éste se transforma en una balada beatle y es la que se encarga de cerrar de manera definitiva el álbum.

El nuevo disco de la Charlotte es una gran obra, hasta su portada pedazada en varias partes y pegada con cinta adhesiva es genial, encaja perfectamente con el ambiente familiar y/o personal en que se desenvuelve Rest. Es un trabajo que con el primer contacto impacta mucho pero luego con las escuchas sucesivas vas recapacitando y notando que no es nada fuera de lo normal, cosa que no le quita lo grande. Difícilmente hoy una actriz de mas de 40 años puede sacar un disco como este, pero nuestra nueva amiga lo ha hecho con suma comodidad.

Cuarta y última pregunta ¿Estamos hablando de uno de los discos del año?

Si, lanzamientos como este nos alertan a que debemos estar pendientes todavía por lo que venga, el año se esta terminando pero aún puede haber un disco sorpresa que califica en diciembre. Este es un discazo que quizás nos deja la duda sobre que le puede deparar a Charltotte Gainsbourg en el mundo de la música dentro de unos años. Mientras tanto a disfrutar de esto.

El año se va acabando de a poco y los días en los cuales hacemos un reordenamiento sobre lo mejor de la temporada ha comenzado. Aún hay más canciones merecedoras del título del canción del año por ahí es por eso que motivado por los buenos últimos lanzamientos, reabro este espacio para ir recomendando algunas composiciones que podrían estar o no tranquilamente en la lista final de lo mejor en diciembre. Esta vez no hay playlist, solo videos para así con ellos conocer mejor a
los artistas. Sin más palabras comencemos:

Raingurl - Yaeji (Corea del Sur)



Esta china... ah?... ok, perdón... Esta coreana de nombre Kathy Yaeji Lee es quizás la revelación mas impactante del año. Desde que PSY lanzo su Gangnam Styke en 2012 no paramos de tener nuevos artistas orientales que la rompan con su estilo particular. El año pasado le tocó a Mitski y ahora es el turno de Yaeji que teniendo poca experiencia en el mundo de la música lanzo unos EPs muy interesantes, siendo el último de ellos toda una maravilla. Ahí se incluye este Raingurl que recuerda un poco a esas canciones electrónicas repetitivas de Daft Punk, o para generalizar a la musica house de los 90´s. Su base es tan demoledora e irresistible que ni te importará lo que este diciendo ella en su idioma natal. Por cierto es su acento oriental un gran punto a su favor, la hace original, fresca para los oídos no acostumbrados.



Puntaje: 8,5
Especial para: Una fiesta pasada la media noche



Batman - Jaden Smith (USA)



El hijo de Will Smith ya no quiere que lo conozcan como el hijo de Will Smith. Jaden, también amigo de Justin Bieber, en su momento fue considerado el peor artista de nuestro tiempo (con la misma suerte con que corría el canadiense). Ahora Bieber esta teniendo un ascenso considerable en el mundo del pop y Smith no quería quedarse atrás, aunque lastimosamente su actitud  de idiota no le ha ayudado mucho.
Mi interes por este joven llegó luego de escuchar Flower Boy de Tyler the Creator en donde se encontraba Pothole, un temazo en cuyo estribillo Jaden brillaba.
El viernes pasado el joven publicó su album debút de una gran producción e ideas buenas lastimosamente arruinadas por la pretenciosidad o incluso inmadurez. "Batman" destaca en su tracklist, un trap oscuro que le queda muy bien a la "drogada" voz del ¿rapero promesa? Todavía esta por verse.



Puntaje: 8
Especial para: Hacerse el batman, batman,  batman



Coisa bahno de mar - Letrux (Brasil)



No es Rita Lee, aunque sea difícil no asociar su voz con la de ella. La que canta es Letícia Novaes ex integrante del dúo Letuce en donde hacia compañía a su ex marido Lucas Vasconcielos (a quien le dedica varias canciones de su nuevo disco). Este año publico su debut que fue bien recibido por la prensa de Brasil. La cuarta pista del trabajo se llama "Coisa banho de mar" una tenebrosa canción de amor marítimo cuyos sintetizadores finales nos recuerdan que estamos hablando de una mujer que tambien hizo bandas sonoras y sabe lo que hace.



Puntaje 8,5
Especial para: Una noche tranquila cerca del mar



Plastic - Moses Summey (USA)



Cada año tambien nace un prometedor nuevo artista de color que hace música de color que no sea Hip Hop. De Michael Kiwanuka a Benjamin Clementine ahora llega Moses Sumney, un joven de una sensibilidad única que no solo lo demuestra con sus composiciones sino también con su forma de cantar en donde presume de su dominio natural de los falsetes. En su debut Aromanticism este habla de la incapacidad de amarse a uno mismo y la canción central del disco es este acústico tema titulado Plastic en donde hace una metáfora con sus alas que son de plástico con el mentirse a si mismo.



Puntaje: 8
Especial para: escucharlo solo solín solito



Tu que vienes a rondarme - Maria Arnal & Marcel Bages (España)



Si The XX hicieran música tradicional española sonarían así, pero no veo a Romy cantar como lo hace Maria Arnal en esta pista dramática llena de elementos modernos que la hacen única en su especie. Proveniente de su recomendado disco "45 Cerebros y 1 Corazón", la pista tiene todo para convertirse en un futuro clásico de la música española y por qué no también iberoamericana.



Puntaje: 9
Especial para: Estudiar o desarrollar alguna materia...  "Matemáticas, tu que vienes a rondarme amárrate a mí".



LMK - Kelela (USA)



Le di mucha oportunidad a esta mujer y a su último disco, el  aclamado casi de forma unánime por la critica que no me acabó de conquistar. A mi parecer "Take Me Apart" es un "ya se ha visto antes" y no dejo de pensar por momentos en que Kelela sólo es la nueva FKA Twigs o Solange. Lo siento mucho pero necesito algo más.

Lo que si me gustó fue esta canción, de mucha fuerza, dificil encontrar otro tema que te levante el animo como  LMK. Un R&B poderoso de una produccion alucinante.



Puntaje: 8,5
Especial para: Levantarte el animo, osea sería bueno al despertarse.



Deserted Dunes Welcome Weary Feet - King Gizzard & The Gizzard Lizzard (Australia)



4/5 y completamente gratis. Los nuevos ídolos australianos (en tu cara Tame Impala) están a punto de cumplir su promesa que para los fans ha de ser una verdadero sueño hecho realidad (escuchar un álbum suyo cada 2 meses y medio). Polygondwanaland es el titulo del nuevo trabajo que se aleja del jazz, aunque no tanto, para volver al rock progresivo pero uno ya sin nada de distorsión, todo suena muy lindo, muy limpio. El tema destacable es éste, un verdadero viaje por el mundo de los videojuegos, que por momentos se asemeja una conocida pieza de Pink Floyd. La gran pregunta ahora es... ¿Se viene disco navideño? Yo digo que si, que ellos pueden.



Puntaje: 8
Especial para: pilotear o viajar en bus



The Brightside - Lil Peep (USA)



Que dificil es cuando muere un artista que todavia tenia mucho por dar. Lo hace a uno pensar y mucho. Lil Peep nos dejó hace unos dias por una sobredosis, y cumple con lo que siempre nos advierten nuestros mayores que "con la boca se pide lo que se quiere".

Peep se caracterizó por fusionar el Rock Emo con el Trap dando como resultado una fusión original. Es una lastima que se haya ido tan temprano, pues quien sabe que ideas más hubiera tenido en su cabeza, esa llena de inseguridades que las calmaba con drogas, tema que trataba en sus canciones. En ésta pista de su reciente EP (de buen riff muy americano y estribillo muy rock británico) de hecho expresa su deseo de morir y escucharlo ahora resulta muy fuerte.

La vida y obra de este Nick Drake del trap claro puede pasar sin pena ni gloria por la historia de la música, eso siempre y cuando no surja un legado impresionante en el futuro. Yo creo que el iba  a ser una estrella del mainstream sí o sí, pero ahora quizás esta en un lugar que le sienta mucho mejor, el de artista de culto que no lanzo ningún solo LP.



Puntaje: 9
Especial para: Escucharlo, recapacitar, valorar tu vida de paso