La banda Paulista O Terno es hoy por hoy una de las más representativas de Brasil, de las más aclamadas en esta última mitad de década, pero es su líder, el vocalista y compositor Tim Bernardes es el que se fue llevando más aplausos opacando quizás un poco la excelente labor del grupo.

"El trio" que por esas cosas de la vida ahora es un cuarteto, en el 2016 alcanzó la fama internacional gracias a "Melhor Do Que Parece" un brillantísimo disco pop retro que fue considerado como uno de los mejores de aquel año. Tras ese éxito, Bernardes decidió al año siguiente emprender una carrera solista con "Recomençar" un trabajo más melancólico, solitario y lleno de sensibilidad que le valió una reputación  de "nuevo genio de la música brasilera".

A partir de entonces su nombre fue muy solicitado, llegó a colaborar con la cantante Luiza Lian, con el rapero Baco Exo du Blues y hasta con la leyenda de la tropicalia Jards Macalé en su nuevo disco. Tim se encontraba en su mejor momento compositivo y no quería desaprovecharlo para nada, es por eso que tras unos meses se metió de nuevo en el estudio, llamó a sus compañeros y les explicó sus intenciones hacia el nuevo trabajo de la banda.

"<atrás/além>" es el nombre de este disco que puede traducirse como "atrás/adelante" , y como era de esperarse tiene una cierta continuidad musical con el disco solista de Tim Bernardes, pues recurre a las portentosas melodías orquestales para acompañar su voz y algunos arreglos de guitarras que estiran más hacia el folk, aunque no se deja de lado algún que otro homenaje al MPB de finales de los 60's y principios de los 70's.

Escrito en forma de comando web posiblemente para insinuar que es una función, el título nos indica que es una obra que transita al pasado y a la vez mira hacia el futuro. El narrador, en la voz de Tim que suena algo madura que de costumbre, es un hombre viejo que que a modo de ejercicio reflexiona sobre su vida adulta y sus inquietudes con nosotros como si fuera una charla de tú a tú.


Le sigue el single "Pegando Leve" un tema que transmite esa sensación de liberación entre las dudas que abunda en su letra: "quiero descansar, pero también quiero salir" y luego el blues tranquilo de "Eu Vou" con cierta reminiscencias al Astral Weeks de Van Morrison que nos lleva a un mundo de sueños y como dice el mismo, "diferente".

"Atrás/Além" es puro Grizzly Bear, empieza tranquilo y en el estribillo crece majestuosamente, "Nada/Tudo" es una muestra de la pasión por la música clásica por parte de la banda al igual que por el "Clube da Esquina" y "Pra Sempre Será" es esa baladita a guitarra que se necesita cuando uno está enamorado y confía que ese amor nunca morirá.

"Volta E Meia" es uno de los temas estelares del disco, el que inicia la segunda parte del disco la que más hace honores a la música brasilera (y para mí la que menos te engancha, la mas difícil de escuchar). En él, el japonés Shintaro Sakamoto nos regala unos versos al igual que el venezolano Devendra Banhart colaborando con la positividad universal de la canción.

"Bielzinho/Bielzinho" parece ser un homenaje a Jorge Ben, una linda samba con palmadas y el ya famoso coro femenino que nos ubican inmediatamente danzando en las playas brasileras. "O Bilhete" es una bellisima canción de aniversario de bodas en modo vals y "Profundo/Superficial" una balada setentera con un soberbio piano que van despidiendo de manera anticipada el trabajo.

La acústica "Passado/Futuro" luego se convierte en un movido número folk que quizás pasa un poco desapercibido para después cerrar nuevamente con la participación del piano de Bernardes en la épica "E No Final" que cierra el disco con nuevamente algo de reflexión sobre la vida y la evidente espera hacia el final de ella.

Conclusión: "<atrás/além>" es un trabajo que no sorprende porque uno ya esperaba un gran disco de los O Terno. No es un disco que cambie radicalmente tanto al grupo como a la música que se esta haciendo en Brasil pero sí es una muestra del buen momento compositivo en el que se encuentra la banda de Sao Paulo, que se las ingenia para encontrar todavía melodías que nos pueden hacer sentir desconectados de la realidad exterior.

Puntaje del disco

Todo ser humano latinoamericano conoce a Romeo Santos, aquel hombre fortachón de voz aguda casi femenina que les susurra al oído a las mujeres antes de cada canción para luego ser acompañado por una guitarra de requinto haciendo "piqui piqui pí".

Pues bueno, en los últimos años la figura de este personaje como casi la mayoría de los artistas pop de larga trayectoria ha sido algo... "caricaturesca". Quedó bastante estereotipado como el "chico de las poesías" de la bachata, cada canción que lanzaba sonaba a lo mismo, al mismo estilo y por supuesto con las mismas claras intenciones comerciales.

Por ello es que para su álbum anterior "Golden" el bachatero decidió dar una orientación más moderna a su carrera colaborando con reggeatoneros, traperos, baladistas o hasta artistas indie para  así poder estar de nuevo entre los artistas en tendencia de la música. En cierta manera esto le sirvió (llegó al #1 siendo el álbum latino mas vendido del 2017), pero como siempre a cierto sector le dejó algo disgustado especialmente por la forma en que suspuestamente (y concuerdo) había "vendido" a la bachata. El género era mas bien ya una excusa en aquel disco que quería ser más urban.

No sé si esos comentarios le habrán tocado en el fondo a Santos o no, pero bien que su nueva obra tras dos años titulada "Utopía" es una respuesta a todo ello. Un disco en el que el estadounidense de origen latino le dice a sus fans que no ha olvidado sus raíces y junto con algunas de las grandes glorias de la bachata crea quizás el mejor disco de bachata que se pudo escuchar en... Sí, más de 15 años.

Sí, porque "Utopía" es volver a lo tradicional, a las dos guitarras, el bongó y la voz bolerista. Pero no solo eso, también le respaldan la composiciones que son brillantementes pop con melodías que que te enganchan desde la primera oída. El primer contacto con el disco me puso pensar ¿Es este un disco de bachata o de pop guitarrero? Pues hoy por hoy puede que las dos cosas.

En la introducción (algo cursi, eso sí) "Dominicano Soy" ya se nos anuncia que a Romeo le agarró un ataque fuerte nostalgia cuando dice "de mis raíces no voy a olvidarme". Esta frase sirve para resumir todo lo que viene en él álbum que se inicia oficialmente con "Canalla" y su estupenda intro de guitarra que nos lleva a una canción sobre una mala mujer aunque irresistible, con armonías que te embriagan y un estribillo junto del Chaval de la Bachata que a la segunda vez ya la estarás coreando.

Luego tras unas risas viene "Payasos" un excelente dúo sobre hombres derrotados con un coro que bien podría salir de las baladas melosas de los Back Steet Boys o  los N'Sync. La guitarra una vez más soberbia en los solos. "La Demanda" en cambio ya te gana desde su intro junto al cacique Raulín Rodriguez.

"Millonario" no me gusta tanto y es por su letra ya excesivamente cursi pero lo que sí me gusta es el aporte vocal de Elvis Martinez a quien desconocía totalmente (Podría jurar que parecía más un cantante de vallenato que de bachata, pero no).

"Llora guitarra llora" es lo que gritaríamos al instante tras escuchar a la melancólica "El Beso que no le dí" sin duda una de las mejores canciones de este repertorio que recuerda a esas piezas dramáticas y perfectamente narradas que nos acostumbraba el grupo Aventura de Romeo. "Ileso" por otro lado es un número más alegre y pachanguero que nos desvía un poco el camino pero que luego vuelve al romance con "Amor Enterrado" y con "Me Quedo" otra de mis favoritas.

"Vamos a dar cátedra de bachata" nos dice el vozarrón de Luis Vargas en "Los Últimos" y así se da, una cancion para tomarse varias copas sentado en un bar lamentándote por tu terrible situación amorosa. Mas tarde "Años Luz" además del featuring del Monchy cuenta con una voz femenina aportando frescura y nostalgia en trayecto final del disco.

El Mayimbe y tocayo de Romeo (Los dos son Anthony Santos) aporta su grano de arena en "Bellas" que suena casi como un insignificante descarte o lado B, pero al tratarse de una colaboración de los dos más grandes del estilo por lo menos no pasa desapercibida.

Cierra el sorprendente regreso del grupo Aventura, aquel sencillo que hizo desmayar a un montón de jovencitas cuando salió y parecía que anunciaba el inminente regreso de "Los Beatles de la Bachata". "Inmortal" una gran canción hay que decirlo, moderna sin exagerar, que resultó solo ser un bonus track para el nuevo disco de Romeo Santos. Lo siento señoritas.

Ok, entonces ¿que más queda por decir? Romeo Santos con "Utopía" volvió a sus raíces después de añares y hace un disco muy bueno, demostrando que los artistas del mainstream pueden hacer buena música también cuando quieren y sobre todo cuando no se sienten presionados  por las tendencias hoy. ¿Será que este puede ser el inicio de una nueva ola de volver a lo básico en la música latina aprovechando que ahora somos el centro de atención del mundo? Ya veremos como prosigue esto.

"El show ha servido como un testamento de que Beyoncé es la mejor performer musical de nuestro tiempo..." (Chris Willman, Variety Magazine, 2018).

Lo que de verdad quiero es representar a mi raza. La raza humana. Tengo una oportunidad para mostrar nuestra bondad, inteligencia y generosidad. Una oportunidad para enseñar, amar, reír..." (Beyoncé, Homecoming, 2019)

Cuando a principios del 2018 el popular festival de arte estadounidense Coachella anunciaba su line up para ese año muchos quedaron sorprendidos porque una vez más Beyonce aparecía como una de los cabezas de cartel como ya lo fuera en el año anterior cuando se convirtiera en la segunda mujer (primera de color) en encabezar el festival en su historia. Vale aclarar que en esa edición 2017 no pudo presentarse porque en ese tiempo se encontraba embarazada de sus mellizos por lo que su debut se dió recién en el segundo intento, en la edición número 19 del festival.

Entonces, la señora Knowles-Carter tenía una enorme mochila sobre sus hombros; primero porque debía retribuir a esa gente que no pudo verla un año antes, segundo porque era la primera artista negra en encabezar el festival y debía hacer honor ello y tercero porque es nada menos que Beyoncé y todos esperan algo grandioso de ella siempre por ser ella.

Así fue entonces como la artista de 37 años  y más de 20 años de carrera emprendió lo que sería su nuevo show "Homecoming", titulado así porque suponía el regreso de Queen B a su "hogar" los escenarios tras su difícil embarazo.

Todo el empeño, sacrificio y dedicación para lograr que su presentación en Coachella sea la mejor que haya hecho en su vida puede verse en el documental de mismo nombre que lanzó hace unos días en la plataforma Netflix. Una obra de arte sobre la superación y orgullo negro de casi 2 horas que nos muestra como se fue gestando esa histórica presentación, y los personajes que fueron participes de esa noche que supuso un recorrido por los más grandes hits de su carrera.

Lo más bello de este documental es que al verlo podemos darnos cuenta primeramente de que tan grande artista para nuestra generación es Beyoncé, hoy no hay otra como ella que cante y baile sobre el escenario con una puesta en escena tan descomunal y creo que desde Michael Jackson (Y obviando al paso fugaz de Lady Gaga) que ya no teníamos una artista así. Y eso que Beyonce tuvo que llegar a la madurez para lograr este estatus, pues son las canciones de sus últimos discos las protagonistas en esta presentación que resumía su carrera.

Luego la cinta resalta por el destaque que hace la mujer de Jay-Z, madre de Blue Ivy y hermana de Solange a su familia, su raza y a toda la gente del mundo en general. En momentos de la presentación esta le cedía el protagonismo a los bailarines, cantantes, cómicos y músicos que la acompañaban para que también tuvieran un show especial y formen parte de ese momento histórico de triunfo para la cultura negra y humana. Además, aunque evidentemente ella era la reina de la noche, Beyoncé no tenía problemas en interactuar con su público haciéndolos también protagonistas de la velada bautizada como BEYCHELLA.

Ok, ok, pero aquí no estamos para hablar de la cinta ¿no? sino del disco en vivo que la acompaña. Bien, pues creo que es fundamental primero ver el documental para entender este disco, claro que puede ser escuchado antes pero no lo vivirás adecuadamente si has visto el proceso y no tienes claro por sobre todo el concepto que lo envuelve.

"Homecoming: The Live Album" es la representación en su totalidad del espectáculo de Beyoncé en Coachella 2018, en donde en sus nada menos que 40 pistas no encontramos con su gran arsenal de éxitos presentes y pasados. Ningunas de ellas suenan como la versión de estudio (felizmente para algunas que no eran tan buenas y ahí si logran serlo),  todas tienen un baño de modernidad (sí, toque trap) sumada a una orquestalización comandada por instrumentos de viento que hacen que cada canción sea parte como de un desfile carnavalesco.

Eso puede notarse ya desde la pista inicial que nos recibe con un mashup instrumental de "Humble" de Kendrick Lamar y "Family Feud" de Jay-Z para luego dar la bienvenida con el clásico "Crazy In Love". Así continua el show pasando por "Freedom, Sorry, Drunk In Love, Diva (con homenaje a Drake inculido) Dunk Hurt Yourself" y demás dejándonos perplejos a cada canción por lo bien que fueron enganchadas una tras otra y sobre todo por el mix del audio para que la experiencia auditiva  del disco en vivo sea única.

Las colaboraciones no faltan, su marido hace aparición en "Deja Vu" demostrando porque es uno de los maestros del rap, Solange hace un sensacional baile robótico junto a su hermana tras "Single Ladies", Blue Ivy canta tímidamente una versión de "Lift every voice and sing", sus ex compañeras de Destiny Child's la acompañan para hacer sus éxitos en conjunto "Lose My Breath", "Say My Name", "Soldier" y sorprendentemente J Balvin interpreta junto a ella "Mi Gente", y digo esto porque en el documental el colombiano ni aparece.

El disco, que cierra con algunas pistas ineditas muy buenas en donde destaca el tema de créditos finales "Before I let Go", es belleza pura desde principio a fin y pese a ser muy largo no se hace cansino por la forma en que las canciones son llevadas. algunos pasajes hasta parecen que fueron improvisados (pero no lo son, todo fue fríamente calculado por la mente de Beyoncé como lo dice en la cinta). Definitivamente este material puede marcar un antes y un después en la forma de hacer álbumes en vivo , en donde no solo sea música, sino también que el show tenga su concepto, su mensaje y que las canciones no sean estrictamente iguales a la versión en estudio teniendo algo así como remixes electrónicos de hoy.

Bueno, lo de "canciones no tan estrictas" ya se había hecho desde hace tiempo. Ahí esta "The Song Remains The Same" de Led Zeppelin una película/álbum que inmediatamente te viene a la mente como referencia tras ver y escuchar "Homecoming" aunque a mí personalmente el disco tras oírlo me recordó al "Live At The Apollo" de James Brown precisamente por como sonaban las canciones.

Al nombrar a estos discos a los que se le pueden sumar el "Live at Leeds" de The Who o "The Last Waltz" de The Band, claramente quiero demostrar que este álbum es como esos discos, pero el equivalente de nuestra generación. "Homecoming: The Live Album" puede sentarse tranquilamente en la mesa de los mejores discos en vivo de la historia.

Para esta reseña no hay canción a canción y tampoco habrá calificación para cada una de ellas (¡son 40 por favor!) pero claro que no puede faltar la nota principal. Estuve pensando mucho en que calificación darle y creo que más que puntuar al disco en sí, aquí lo que hice es puntuar hoy a la carrera de Beyoncé y al esfuerzo artístico que hizo para lograr que su álbum en vivo y su visual sea una obra maestra.

Me di cuenta que últimamente las notas máximas en los medios tienden a ser a artistas masculinos, y como persona que se desempeña en esto confieso que también siempre pienso más veces para ponerle una nota alta a una mujer que un hombre, ¿No será que solo la exigimos más a ellas sin ninguna razón?  (Hoy por hoy puede verse Benyocé es más artista musical generacional que Kendrick Lamar o Kanye West a quienes los críticos suelen poner por encima de ésta).

Por eso creo que analizando todo lo hecho por Beyoncé para esta obra de enorme valor artístico  para nuestros días merece sin dudas ponerla como la primera artista con la nota máxima de un disco contemporáneo de la página.

Luego de lo decepcionante que fue el single de regreso tras 4 años de Tame Impala titulado "Patience" la esperanza de los fans (los de ahora, los antiguos ya la perdieron hace tiempo) todavía se mantenían algo expectantes ante alguna joyita que pueda venir de la mente maestra de Kevin Parker.

Natalie Mering más conocida en el mundo musical como Weyes Blood ha dado en el clavo al titular

su cuarto trabajo discográfico "Titanic Rising" pues porque precisamente este material suyo supone un ascenso titanico de su carrera.

La artista de 30 años silenciosamente se había hecho un hueco en el panorama alternativo gracias a otros brillantes discos como "The Innocents" o "Front Row Seat to Earth" pero es con éste que ocurre lo impensado; su música llega a un público mucho más amplio producto de (hay que decirlo) la eficaz campaña publicitaria comandada por su nuevo sello Sub Pop para promocionarla como también del  ya famoso "efecto Lana" (Lana del Rey) que se dió tras recomendarla ésta en sus redes sociales. El resultado.... su nombre colapso aún más en internet spotify.

¿Pero que tiene esta chica de especial que hace que ahora a todos les guste? Pues ademas de su hermoso cabello negro y tez blanca tiene algo que parecía que hoy en día ya no era determinante para hacer música: Talento, mucho talento. La joven ya venía ser toda una niña prodigio de las composiciones clasicistas y ahora ha llevado esa pasión al pop logrando así cautivarnos con su exuberancia musical.

En el disco encontramos 10 tracks (pero 8 canciones) que como bien titulaba un medio anglo son exclusivamente "baladas para el fin del mundo", opulentes y que invitan fuertemente a la nostalgia. Esto se debe mayormente a la voz de Mering que suena a un fascinante rejunte de todas las voces de grandes cantantes mujeres de entre los 60's y los 70´s aunque bueno, se inclina un poco más al estilo suave de cantar de Joni Mitchel ¿no?. También que la música tenga una gran participación compositiva del piano de cola colabora en que nuestra mente haga un viaje al pasado.

"A Lot's Gonna Change" es la gran apertura del disco, de primeramente unos sintetizadores fantasmales que luego abren paso a un piano setentero (qué momentazo es ese) que le da ese toque de epicidad que va creciendo más y más hasta llegar a un clímax con arreglos de cuerdas que nos deja sin aliento. Es un baladón que te despierta y te dice directamente "toma, este es disco".

Le sigue la que indudablemente es una de las canciones del año la fatherjohnmistyana "Andromeda" que como su nombre lo indica tiene ese don especial que  hace que nos sintamos como que damos vueltas lentamente por algún punto de la galaxia. Su estribillo es embrujante y te pone la piel de gallina, una canción que une el country/folk con los sintetizadores atmosféricos logrando un  resultado sobresaliente.

"Everyday" fue otro de los sencillos de adelanto, el tema más amigable del conjunto con un aire descaradamente a Fleetwoood Mac que nos hace agitar la cabeza de un lado a otro. Al principio no me gustaba, pero su genial video y sobre todo su ubicación en el disco (Es como que libera la tensión que crearon los temas anteriores) hicieron que ahora lo amara profundamente.

"Something to Believe" es un chamber pop emotivo en donde todo suena muy muy bien grandilocuente mientras avanza al que le sigue "Titanic Rising" un interludio de sintetizadores a lo Radiohead en Kid A que nos hace entrar en ambiente ante lo que se viene, la pieza central del disco llamada "Movies" que como una especie de canto religioso emerge entre las aguas. El tema esta dividido en dos partes, la primera más onírica con un sintetizador giratorio que luego se detiene para hacerse más grande y alcanzar su pico cuando la artista pronuncia repetidamente "On my own" en modo falsetto.

"Mirror Forever" me recuerda a la Lana del Rey (sí, su nueva fan) más rockera, es otro tema que está muy bien pero que no logra otraparme como si lo hace por ejemplo "Wild Time", una cancionaza que grita la palabra clásico cada vez que interviene por ejemplo el piano. Es definitivamente una balada romántica que luego se hace majestuosa con la llegada de las cuerdas de... ¿Johnny Greenwood? para acompañar el susurro que est tan reconfortante de Natalie.

"Picture Me Better" va cerrando el disco con otra fantasmal balada folk perfecta para los créditos finales de alguna película de Tim Burton que nos devuelve la calma luego de la tormenta instrumental de la pista anterior hasta que llega el adiós que no puede ser más singular puesto que "Near To Thee" es nada más y nada menos que un instrumental de la pista inicial que nos confirma que lo que escuchamos si fue una especie de película/disco dramática.

"Titanic Rising" tiene todos los condimentos para ser un clásico, no importa de qué año y tiempo. Puede que sean canciones como las que ya se escuchaban hace 50 años pero tienen el don de que en ellas a una nota o melodía excelente le antecede otra mejor y así sucesivamente nos va manteniendo  totalmente enganchados. En nuestros días muchos utilizan la música como medio de "escape" y con este disco Weyes Blood nos ha entregado un mundo al cual visitar cuando todo parece que no tiene sentido. Sin dudas ese es su mayor mérito.

Cuando parecía que iba a ser un año difícil para el pop no solo en iberoamérica sino en todo el mundo llegan ellos, los Valgur que en realidad fue un proyecto solista de Elizabeth Valdivieso Gurrión una joven Oaxaqueña con ya varios años en la música al que se le unieron su hermano Hugo Valdivieso en percusiones y más tarde Julio Sanchez en guitarras.

Valdivieso ya había lanzado un trabajo bajo ese nombre, "Trebol" en 2013 pero no tuvo mucha suerte o más bien su proyecto no fue bien acompañado por el público. Para este regreso tras 6 años se conforma un power trío y vuelven a probar suerte con un re-debut que ahora sí tiene encantados a los de su país como también a los que estamos afuera.

El disco se llama "Zapandú" nombre en zapoteco para el "chintul", una planta que las antiguas mexicanas trituraban para usarla como perfume. Con esto la banda pretende representar como un símbolo de feminidad que coincide con la filosofía del grupo, comprometido con las causas feministas y de empoderamiento femenino como pueden apreciarse en las letras.

Su estilo de música ya ha sido encasillado prematuramente como "weird pop" aunque para mi es pop en estado puro, con sintetizadores y con ciertas reminiscencias de bandas contemporáneas como Kero Kero Bonito o artistas como Javiera Mena, aunque también  me recuerda por momentos a grupos compatriotas (de ellos) como Hello Seahorse o Santa Santa Sabina.

En tan solo 9 canciones logran canalizar toda esa fascinación por la música que tienen y eso se puede sentir claramente. También se nota que es un trabajo que tuvo su tiempo, pues encontramos detalles como skits, discursos, señales de radio, un presentador de televisión o el llanto de un bebé que adornan las canciones y aportan al concepto, como también hacen que el disco sea pintoresco y atractivo pese a que lo que escuchamos no sea precisamente algo totalmente revolucionario.

La que abre el material es la fantástica "Rogelia", canción que no me perdono haber dejado fuera de mi lista de canciones del año pasado debido no haberla escuchado antes. Es excitante, retro, algo loca, pegadiza y lo más llamativo es que está cantado mayormente en lengua zapoteca (aunque parezca francés para los que no conocemos).

Le sigue otro temazo,"Infancias Trágicas" un pop elegante y sombrío que nos lleva directamente a los inicios del buen rock en español ochentero (sí, la banda también tiene algo de Virus). El estribillo lo es todo, nos hace sentir como en el cielo contrastando con la letra que habla de momentos tristes del pasado. ¿Y que tal con el solo de guitarra? Pues buenísimo.

"Vampiro" continua por ese mismo sendero dibujado con sintetizadores, un coro rompedor y percusiones que golpean letalmente. Cuenta con la particularidad de un cassette rebobinando la canción hacia a mitad.

"Pozo" es otra de las canciones irresistibles del conjunto, algo más funk tipo a lo Metronomy y con una letra que denuncia con maestría e ironía (el cántico infantil que va coincidiendo con el número de victimas suena brillante cual Café Tacvba) los feminicidios que en su país que se acrecientan más y más como en todo América. Una de las mejores canciones del año sin duda con melodías que no te dejan indiferente.

"Bupu" es más acelerada, magnética y en su corta duración nos entrega todo lo que necesitábamos mientras que "Zapandú", el tema titular esta pensado como un himno y así lo es, tranquilo cuasi un bedroom pop y con unos cambios y efectos que la hacen más interesante cada minuto que pasa.

"Joyas" luego de las palabras de un presentador nos entrega un funk melancólico con un solo de teclado jazzero en donde el estribillo vuelve a ser el MVP. "Tejas" es otra canción pop pluscuamperfecta, de esas que nos acostumbraban últimamente los músicos chilenos y al parecer ahora México intenta responder con esta nueva ola de músicos.

Cierra "Desnudx" un tema que fácilmente pudo haber compuesto antes Solange (Y que pudo haber entrado en su último disco, porque no) un synth pop futurista con aires de R&B, hechizante y envolvente.

Para terminar, solo queda decir que "Zapandú" es un merecido discazo, como un premio al esfuerzo a estos artistas que venían luchando. Un álbum que de este año que merece ser escuchado y reconocido pues no tiene desperdicio en cada uno de sus temas. Y sí, el pop en español del bueno todavía sigue vivo. 

Puntaje del disco

El nuevo material discográfico de Giovani Cidreira, autor de uno de los mejores álbumes iberoamericanos del 2017, obviamente sería uno de los más esperados en el vecino país. El baiano había encantado a la crítica por su propuesta de pop psicodélico sin dejar de lado las influencias del MPB.

Pero ahora su apuesta ha llegado un poco más lejos en este "MIX$TAKE" una mixtape (O un EP como prefieran) de 7 canciones que se rinde ante el glitch pop y el R&B alternativo, el mismo que hacen artistas contemporáneos como Frank Ocean o Blood Orange, referentes a quienes uno recuerda cuando escucha este trabajo. El productor de todas las canciones es nada menos que Benke Ferraz, un ex Boogarins y las colaboraciones habituales no faltan.

Ya en el primer tema "Oceano Franco" se da un homenaje demasiado notorio a Frank Ocean desde su título que es una castellanización de su nombre hasta el uso de un sample de su canción "Nikes" que abría el aclamado "Blonde", muestra que aquí interpolariza la pieza. Le sigue el single "Pode Me Odiar" todavía con cierto aire al músico norteamericano pero sonando esta vez algo más espacial, en donde la línea de teclado se siente como dar vueltas por la vía lactea en una balada de desamor nostálgica millennial.

En "Séu Cigano Flow" es cuando la cosa se pone más interesante  con pasajes electrónicos envolventes, voces distorsionadas y samples que crean un ambiente psicodélico que estalla en la preciosa "Ngm + Vai Tevertrist" un synthpop algo futurista que se aleja un poco del ambiente melancólico que tenía el disco hasta el momento, posiblemente el tema mejor logrado de este mini álbum.

Y como no podía faltar, el tribalismo marca presencia en en "Mano Sereia" un tema junto a su frecuente colaboradora Jadsa Castro y su hermano Filipe quien aparece haciendo unos skits con mensajes políticos. Sobre el final no escontramos con un bajon considerable porque "Casa Vulva" parece una cancion con gran potencial pero lamentablemente sin terminar y porque el cierre es sólo una versión alternativa más instrumental del single principal titulado aquí "Me Pode Odiar N° 2", algo que estaría bien si fuera un disco más largo pero.... cuando es de 7 pistas no.

En fin, este "MIX$TAKE" tiene de las cosas más interesantes que ha hecho Cidreira en su carrera, su paso hacia la experimentación sí que ha sido positiva pero este material es todavía muy mediocre para lo que uno esperaba. Quizás solo sea (y esperemos) de esos discos de transición de sonido y que lo mejor todavía esta por venir pronto. Giovani estaba buscando una nueva identidad y decidió darnos una muestra de ello, pero la mejor opción hubiera sido presentarnos la transformación ya terminada.

Puntaje del disco