En fin, aquí esta mi selección del horror versión 2017 espero que la disfruten...!

Especial para: No escucharlo por nada del mundo en la oscuridad en la noche de hoy.
(Advertencia: Si llegas al final del tracklist, te felicito, " es usted diabólico")

 

"Realmente quiero agradecer a Atlanta y a todos los hermanos de Atlanta. Me gusta, de verdad, sólo por estar con vida y simplemente por ser increíble, y por tener gente increíble. No podría estar aquí sin Atlanta. Y realmente quiero agradecer a los Migos, no por estar en el show, sino por hacer 'Bad and Boujee'. Esa es la mejor canción de todos los tiempos. Creo que son los Beatles de esta generación y creo que no tienen mucho respeto fuera de Atlanta. No es que no sean respetados, pero hay una generación, algo así como la generación de YouTube que se me ocurrió. Hay una generación de niños que crecen en algo que está completamente separado de todo un grupo de personas. Honestamente, esa canción es solo volar. No hay mejor canción para tener sexo" (Donald Glover sobre Migos en los Golden Globe, 2017)

Todo comenzó el 8 de  enero del 2017, Donald Glover, conocido en este mundillo como Childish Gambino, subía al escenario y se disponía a recibir su Golden Globe a la Mejor Comedia o Musical por la serie “Atlanta”, ficción que hace honor a esta ciudad que tanto le ha dado al rap, especialmente hablando este siglo.

Su discurso ya todos lo recuerdan, éste en medio del agradecimiento mencionó a un grupo de trap de su ciudad llamado Migos (conocido en EEUU por singles como Versace) y usando palabras muy pero muy fuertes los empezó a alabar. Glover llamó a los artistas “los Beatles de su generación” y a la canción que habían lanzado hace unos meses, “Bad & Boujee”, la mejor de la historia.

Internet no se hizo esperar y procedió a hacer su trabajo de siempre, el buscador estuvo repleto de la palabra “Migos” en cuestión de pocas horas, convirtiendo a la agrupación un fenómeno mundial (se notó también la  conmoción que puede provocar aún en  nuestros días la palabra “beatle”, el mundo todavía no está perdido de todos modos). El resultado fue que en parte el actor tenia razón, la canción en cuestión era un tremendo hit felizmente resacatado de finales del año 2016 que las semanas siguientes del boom post-discurso, logró merecidamente su pasaje directo a donde se merecía, al primer lugar del Billboard (bueno, primero debutó en el 2).

De lo que si podemos estar seguros ante tantas opiniones sobre “lo mejor de la historia” que fueron comentadas, es que al hablar de Migos y lo que pasó a principios de año, no podemos dudar en que esa fue la mejor estrategia de marketing para un grupo en mucho tiempo. Hoy el trío formado por los carismáticos y extravagantes  Quavo, Offset y Takeoff es mundialmente conocido, se volvieron una especie de símbolos de esta generación de trap, juventud (drogas) y descontrol, tal y como lo insinuara Glover.

Para colmo Migos aprovechó ese tremendo tirón que se provocó para publicar su segundo LP que no podía tener un titulo más certero “CULTURE”. Fue como si nos dijeran que “esta es la nueva cultura” de la juventud, y aquí estan los himnos que lo representan.

Todo estuvo tan bien hecho, hasta inclusive el disco que no pasa por ser un simple material de trap, estamos hablando de una colección de varios temazos que hoy por hoy podrían ser llamados “la Biblia del trap comercial”, pues no encuentro otro álbum del estilo con tanto hit como este.

Catorce pistas (sí, cantidad de canciones por trabajo predilecta de los Beatles) conforman este compendio de música generacional 100% 2017 que cuenta con las producciones de grandes titanes del beat como Metro Boomin, Zaytoven, Murda Beatz entre otros. En él también predominan las clásicas muletillas traperas como “Skrt” o “Skrt- Skrt” “Brrr” “Rrrah, “Grr”, “Grrah” “Woo” “Ayy” o mi preferida, el “Yeah” pronunciado en forma grave. Puede parecer un toque meramente comercial que tiene el trap pero es increíble como te contagian estas frases hasta te motivan a repetirlas constantemente mientras “flotas” con las bases. Y si Michael Jackson tenía su hipo característico ¿Por qué los Migos nos pueden tener sus “Skrt”?.

Ok, sin más preámbulos hablemos de las canciones de “Culture”, que se inicia con el track del mismo nombre, una especie de intro de la mano de Dj Khaled, ese personaje que hasta ahora no me dice mucho y aquel que expone a su hijo pequeño en todo lugar hasta la saciedad. La base de esta entrada ya es buena y sirve para ambientarnos para lo que vendrá, mejor aún.

A continuación entra a la pista el primer temazo, “T-Shirt” de un  inicio sombrío y psicodélico que se desenvuelve luego ente hit-hats y un bajo minimalista que le hacen a uno como levitar por los aires, seguido de la pegadiza  “Call Casting” un tema perfecto para conducir por las calles con el equipo de sonido a todo volúmen.

La cuarta pista siempre esta destinada casi por ley a ser el clásico del disco de un artista, y aquí se cumple, incluyéndo en esa posición a la ya mencionada “Bad & Boujee”, el tema mas contagiante de los últimos tiempos, que no debe ser subestimada por nada del mundo pues crece con las escuchas tremendamente. La parte de Lil Uzi Vert, otro de los artistas del momento, es brutal y la línea de piano, tanto la sombría que parece extraída de un videojuego como la clásica de tres notas que va como girando, son hipnotizantes.

“Get Right Witcha”, canción que habla sobre las drogas (nada raro, nada raro), sigue con instrumentación parecida  a la pista anterior pero esta vez el excepcional gancho es el soplido de un instrumento de viento (¿una flautita?). Por otro lado tenemos “Slippery” uno de los singles del disco con un sonido marciano cuenta con la colaboración de la leyenda del movimiento Gucci Mane que aporta su vigencia en la parte final de la canción.

Un piano de cola aparece por fin a darnos una sorpresa al inicio de “Big On Big” que con un arreglo de cuerdas promete añadirle emotividad a un trap que habla sobre como el trío fue escalando posiciones, el antes y después del suceso que los convirtió en estrellas. Una guitarra a lo Prince continúa con las sorpresas y el sentimiento en la “balada trap” “What That Price” que sencillamente habla de las fluctuaciones que anda sufriendo los precios de las drogas y el narcotráfico en varios lugares (¿o hay un trasfondo ahí?).

“Brown Papper Bag” con una intro parecida a la que escuchamos en Big On Big, nos pinta una vida llena de lujos pero el ambiente que transmite no es muy feliz o festivo que digamos. En “Deadz” es cuando vuelve la fuerza  con arreglos apocalípticos de fondo que la hacen sonar majestuosa (¿se la imaginan sonando con una orquesta de verdad?).

“All Ass” es la canción mas floja por el hecho de ser muy genérica pero no desentona pues al bajar la vista ya vemos que en un abrir y cerrar de ojos entre tanto hit estamos en la pista 12 y era de esperarse el descenso tarde o temprano. Pero las cosas vuelven a subir increiblemnte en Kelly Price, el irresistible número junto al siempre auto tuneado y destacable cuando aparece, Travis Scott. Un tema que amerita el emoji de las llamas.

En “Out Yo Way”, lo último del disco, la fiesta ya terminó asi que queda unos momentos para ser más románticos (ya era hora). Una composición en donde los tres raperos hablan bien de sus compañeras de vida y sobre cuantas éstas la han apoyado, como el amor que sienten por ellas. Sí, se trata de un trap aunque no lo creas y hace que el cierre del disco suene lindo entre tanta agresividad.

Conclusión, Culture es un discazo, muy imperfecto pero discazo al fin. A medida que pasan los meses y lo vas escuchando sin los prejuicios correspondientes vas descubriendo que esto en unos años será un clásico, incluso más por todo el fenómeno que se creó a su alrededor.

El trío tiene sus detractores pero es normal que eso ocurra en la música, ¿A poco cuando apareció el rock and roll y cuando los Beatles irrumpieron con su rebeldía juvenil los más conservadores no se escandalizaron? O cuando salio el punk ¿No hubo gente que sólo los consideró como guitarras ruidosas e inmaduros gritando sus malestares?. Hoy la especie de contraCULTURA es el trap, y Migos son sus caras más visibles y representativas, el tiempo dirá si valdrán la pena o no.

Veamos ahora que les depara a estos raperos, ya prometieron un Culture 2 que se está tardando en llegar y hoy se publicó un single junto a la también rapera Cardi B. ¿Les pesará la mochila para su siguiente disco? Es la gran pregunta.

Mientras esperamos lo que venga, hoy se cumple un año del lanzamiento de la canción Bad & Boujee y que mejor que volver a escuchar completo el disco que lo contiene. Uno de los discos del año.


1. Culture [feat. DJ Khaled] (8)
2. T-Shirt (9)
3. Call Casting (8,5)
4. Bad and Boujee [feat. Lil Uzi Vert] (10)
5. Get Right Witcha (8,5)
6. Slippery [feat. Gucci Mane] (8)
7. Big on Big (8,5)
8. What the Price (9)
9. Brown Paper Bag (8)
10. Deadz [feat. Deadz] (8,5)
11. All Ass (6,5)
12. Kelly Price [feat. Travis Scott] (9)
13. Out Yo Way (8,5)

Puntaje del disco: 8,5
Especial para: Una fiesta con gente habituada a escuchar trap.

 

(Advertencia: En esta nueva sección será el único lugar en donde compartiré un link de descarga, pues sólo deseo que estas creaciones, mis recopilaciones, mis ideas, sean compartidas con más gente. En las demás publicaciónes siempre estarán únicamente los reproductores digitales, fomentando así el escuchar los materiales nuevos (y clásicos) de los artistas en forma legal. Gracias)



Siempre hay un hijo que se parece más a su padre. Cuando Sumo, una de las mejores bandas argentinas de la historia se separó por la muerte de Luca Prodán dejo dos crías, Divididos y La Pelotas. Según cuentan, los nombres surgieron por una de las tantas frases del gran Luca: “¿Sumo Divididos? ¡Las Pelotas!.

Mientras que Divididos iba hacia lanzándose senderos del funk y el rock pesado convirtiéndose en toda una “aplanadora”, en Las Pelotas se hacia mas notorio el mantener sus raíces (principalmente en los 90s) algo que se podía esperar pues la banda contaba con 3 de los integrantes anteriores de Sumo mientras Divididos solo con 2. Entonces, Las Pelotas era la fiel fotografía de su padre. (Mira que hasta el actual vocalista German Daffunchio se rapó la cabeza y se puso gafas pareciendose un poco a Prodán... o a Solari)

Algo que siempre fue extraordinadinario en Sumo era su forma particular de hacer reggaes, eran sencillamente alucinantes. Escuchabas un reggae ellos ya sabias que era Sumo el que lo tocaba, pues tenían un estilo tan característico, no sonaban pequeños sino enormes. Me animo a decir que en su corto tiempo fue la banda sudamericana que mejor hizo uso de este estilo. Ya en el futuro vinieron Los Pericos y Los cafres pero eso es otra historia.

A lo que quiero llegar es que esa tradición de hacer tan buenos reggaes, esa herencia genética fue trasmitida a uno de sus hijos, Las Pelotas, que a partir de su segundo disco se animo a incluir temas del estilo jamaiquino y sus resultados fueron excelentes casi comparables a lo que hacia Sumo. Gran responsable de esto fue su vocalista y emblema ya fallecido, Alejandro Sokol alias el “Bocha”, a quien le gustaba mucho el reggae.

Con el fallecimiento del Bocha en 2009, Las Pelotas quedó a cargo de German y entonces la banda dejó de hacer temas de este estilo. De igual forma su discográfia quedo plagada de varias joyas del ritmo popularizado por Bob Marley.

Lo que caracteriza a Las Pelotas como banda son sus canciones a veces melancólicas y sus letras que a uno le llegan al alma, es por eso que cuando hacen reggae estas se tornan tan pacificas y nostálgicas, en donde la voz de Sokol se mueve (o se movía) como pez en el agua.

Daba tanto placer escuchar esos reggaes así sueltos, tanto que un día me pregunté si habia un recopilatorio de todos ellos (Como diría Homero, “Para más placer”). Me encontré con la sorpresa que no existía todavía tal cosa, asi que ante la decepción tomé la decisión de hacer algo que Las Pelotas debieron de hacer hace tiempo y no se animaron: un álbum recopilatorio con sus mejores reggaes.

Entonces,  empecé a seleccionar todas las canciones que sonaran de esa manera y así fui tramando un tracklist que sonara perfecto de principio a fin para disfrutar a pleno cada una de sus joyas reggaes. La selección quedo en 11 canciones la cual pienso es la mejor recopilación (y homenaje de mi parte) de lo mejor del reggae pelotero, de hecho asi llamé a la playlist/álbum, EL REGGAE PELOTERO.

Comenzamos con la sensacional “Transparente” y continuamos con clásicos como Tucán” (y su famosa frase “Si vos queres sentirte todo un rastaman, todos los temas de Marley man debes estudiar), “Solito Vas” o Músculos”. Pasamos por lo más actual en “Una Tregua” y luego volvemos a los clásicos en “Saltando” (¿la Píldora de la vida cuál es?)  y “Me Fui” la más alegre del conjunto. Con “Si Supieras” llegamos a tener más velocidad al igual que melancolía, algo que se vuelve a acentuar en “Hawai” y logra su máxima expresión en “Que Estés Sonriendo”. El disco se cierra con “Uva Uva” un corte más acústico, casi una peña.

Parece increíble que todas estas canciones sean de discos diferentes, pues así en conjunto suenan como si fueran hechos en el mismo periodo y con la misma producción, lo cual me hace sentir satisfecho por el resultado.

En fin, sin más preámbulos, aquí tienen la recopilación “EL REGGAE PELOTERO”, espero les guste y que esto sea el principio de muchas creaciones más de este tipo:


1. Transparente (8,5)
2. Tucán (9)
3. Solito Vas (9,5)
4. Músculos (9,5)
5. Una Tregua (8,5)
6. Saltando (9)
7. Me Fui (8)
8. Si Supieras (8,5)
9. Hawai  (9)
10. Que Estés Sonriendo (10)
11. Uva Uva (8,5)

Puntaje de la recopilación: 9
Especial para: un día caluroso y relajado (o de flojera)



El Reggae Pelotero (MEGA)

"No soy como los demás. No hago cosas solamente para divertirme. Siento como si en los últimos meses hubiera estado sentado en ese bowl gigante de cereal, el mismo que solíamos comer de jóvenes. Siento como si estuviera flotando en la leche, medio ahogándome. Puedo olerla en mi ropa si respiro profundamente. Ojalá te pudiera ver como antes. Acostados juntos a ver quién de los dos se dormía primero. Quisiera repetirlo. Te extraño, te amo. Pedazo de mierda". (Robert Ontenient, SCENE 1)

Es imposible empezar a hablar de estos muchachos y no acordarse de los Wu Tang Clan, aquella numerosa agrupación de Hip Hop de los 90’s que prometía ser el nuevo “imperio” del estilo, una universidad del cual terminaron saliendo graduados artistas tan renombrados como RZA, GZA, Method Man, Raekwon, Ghostface Killah entre otros.

 O sin irnos tan lejos, a los Odd Future, aquel colectivo de hace unos años del cual surgieran fenómenos tan exitosos de nuestro tiempo como Frank Ocean, Tyler The Creator o Earl Sweetshirt, que se podría decir, son una de las influencias capitales para Brockhampton, la nueva “boyband” de rap sensación en estos momentos.

En Brockhampton, un conjunto de amigos multiculturales o multirraciales (Hay tantos niggas como niños blancos, hombres como homosexuales) que fueran miembros participantes de la conocida página “KanyeToThe”, puede notarse lo mismo que en aquellas agrupaciones antes mencionadas, hay demasiado talento junto, 14 para ser exactos: El líder Kevin Abstract, los productores Romil Hemmani y Q3 (Jabari Manwarring y Kiko Merley), las voces tan singulares de Ameer Vann, Merlyn Word, Dom McLennon, Matt Champion, JOBA y bearface, el manejo artístico del grupo a cargo Henock “HK” Sileshi, Ashlan Grey y Jon Nunes, y una participación especial de Robert Ontenient. Recuerden bien estos nombres pues estoy seguro que varios de ellos tendrán su prolífica carrera en solitario luego de esta aventura.

El colectivo de Texas habia prometido una trilogía llamada SATURATION este año, de la cual ya llevan publicadas 2 partes y tal parece que muy pronto llegara la tercera (¿Será en Diciembre?), es por eso que mientras esperamos la llegada de la parte final me gustaría hablar del disco que considero el más destacado entre los que fueron lanzados, el SATURATION II.

En él repiten algunas de las propuestas del disco anterior (Homenajear a sus ídolos haciendo canciones parecidas a las de ellos pero con un toque personal) y creo que las mejoran, las hacen mas atrayentes para el oyente. La colección de beats que aquí podemos apreciar es sencillamente impresionante, de lo mejor del año.

En cuanto a la lírica, los temas de las 16 pistas son muy diversos, hablan (como es de esperarse) sobre la situación de Estados Unidos y sus vivencias  en las calles, con ciertas situaciones jocosas de por medio, algo que predomina en el álbum, aunque también hay espacio para un poco de sentimentalismo.

Se inicia como si estuviéramos dándole play a una película, en ella empieza a salir el logo de la productora hasta que de repente se corta y arremete ante nosotros “GUMMY” el sencillo estrella con una base West Coast a piano impecable, o mejor dicho un G-Funk con aires de M.I.A. Como dice en el video, por cierto inspirado en la nueva película Baby Driver, habla sobre asaltar un banco y hacer desmadre dentro de un automóvil.

Continuamos con la mejor canción del material, “QUEER” que previsiblemente por su título habla sobre la sexualidad del líder, Kevin Abstract, el cual utiliza su voz para sonar como el de una mujer (sí, es él y no una chica) en el alucinante estribillo junto Ryan Beatty, un chico del internet. El beat es brutal y los versos de Merlyn y Dom también lo son.

“JELLO” también destaca por su base demoledora de cuerdas simpáticas y caricaturescas y los muy noventosos “La-de-da-de-da” y “do-walla”. Es seguida por un interlude, “TEETH”, a cargo de Ameer en donde nos cuenta un poco su historia de superación.

Después tenemos a la fantástica “SWAMP” que nos remite a las producciones de Dr. Dre con su sinterizador marciano tan West Coast. Confieso que es  la que más reproduzco del disco pues tiene un flow tan contagiante. Luego, con un fondo que nos recuerda a Sampha hace su aparición nuestro amigo Roberto (Robert Ontenient) quien ya estuviera en el disco anterior y en los videos,  aquí en “SCENE 1” nos habla en español sobre su anhelo por recobrar viejos tiempos con una persona.

Y qué majestuoso es el estribillo de “TOKIO” cuya voz afeminada (una vez más hecha por Kevin) nos recuerda a la participaciones de Anna Wise en los discos de Kendrick que siempre le daban el toque maestro. En el interludio “JESUS” aparece también la voz de bearface, el romántico del grupo para dar ambiente a la declaraciones de Abstract.

“CHICK” no logra destacar como las demás musicalmente (quizás la repetitividad de propuestas) pese a ser muy hipnótica y “JUNKY” dnos esorienta un poco con sus constantes cambios  hasta el minuto 1:30, en donde si termina por despegar con su sample de “instrumento indio”. La voz de Meryl Wood es notoriamente parecida a la de Young Thug.

Luego de una oración de Roberto en “SCENE 2” tenemos a “FIGHT” de intro oriental que nos recuerda a las producciones de Timbaland de principios de siglo al igual que “SWEET”. En la primera tenemos un destacado verso del buen Kevin con voz modificada, ¡otra vez!; y en la segunda aparece nada más que Kanye West, imitado por Wood, una sorpresa grata.

Es precisamente Kanye West la gran influencia de la siguiente pista “GAMBA” (No en vano estaban en KanyeToThe) pues  nos encontramos con un festival de auto-tunes y con un flow que sólo pueden recordarnos al de Chicago. En cambio con “SUNNY” y su peculiar intro, se nos viene a la cabeza Young Thug, que este año se animó a cantar juntando el country con el rap, algo que no le resultó; él no es un niño bueno, o almenos eso no queríamos del “Thugga”. Esta canción sí suena agradable y especialmente por su outro tan placentero.

El pluscuamperfecto final se da de la mano de bearface nuevamente, que con su sensibilidad tan cursi, tan boyband que hace que “SUMMER” enamore desde el primer instante. Nos remite a esas pasionales negras baladas sexys del pasado, para bailar en pareja sin nadie más alrededor, un pasaporte asegurado a la nostalgia, a un verano romántico que de seguro tú también lo tuviste. El solo de guitarra hace todo ese trabajo de manipular nuestros recuerdos.

SATURATION II y especialmente los Brockhampton son una de las sorpresas del año, llamémosle la “banda revelación”, que con un estilo que no llega a ser innovador logra cautivar al mundo por la personalidad tan atractiva de sus integrantes. También emergen como grandes promesas, pues entre tanto talento estoy seguro que mugirá por lo menos un nuevo genio solista.

Pese a pequeños desperfectos como por ejemplo, la monotonía de la propuesta (varias canciones muy parecidas, algunas letras muy clichés en el rap) este disco se torna más fresco que una lechuga en el panorama del Hip-Hop de 2017 (y ojo, crece con las escuchas). Digno candidato a sumarse a la pelea por el álbum del año, siempre y cuando no tengamos una sorpresa mucho más grande en Diciembre con la tercera y ultima parte de este SATURATION.


1. GUMMY (9)
2. QUEER (9,5)
3. JELLO (8,5)
4. TEETH (-)
5. SWAMP (9)
6. SCENE 1 (-)
7. TOKYO (8,5)
8. JESUS (-)
9. CHICK (7,5)
10.  JUNKY (8)
11.  SCENE 2 (-)
12.  FIGHT (8)
13.  SWEET (9)
14.  GAMBA (8,5)
15.  SUNNY (8)
16.  SUMMER (9)

Puntaje del disco: 8,5
Especial para: Juntantarte con tus amigos "niggas de corazón" y escucharlo a todo volumen / Para pasar un buen verano (cuando llegue).

 

"Quítate de mi presencia que me estás martirizando. Quítate de mi presencia que me estás martirizando. Y a la memoria me traes cosas que estaba olviando. Y la memoria me traes cosas que estaba olviando. Ponme la mano aquí Catalina Ponme la mano aquí. Ponme la mano aquí que la tienes fría. Mira que me voy a morir". (Rosalía, Catalina)



El día de ayer se ha cumplido 1 año desde el lanzamiento de Catalina el sencillo estrella de la joven cantante (o nueva cantaora) Rosalía, boom del momento en España junto al rapero C. Tangana (No, no voy a reseñar nada de el todavía).

Esta canción esta incluida en su excelente y sorprendente disco debut llamado “Los Ángeles” que trata específicamente en cada una de sus 11 pistas el tema de la muerte incluyendo un cover de Bonnie “Prince” Billy, el de “I See A Darkness”.

El estilo del disco es un flamenco minimalista, a veces con toques punky y a veces con toques mas ambientales/experimentales en donde destaca la voz de la bella Rosalía cuyos jugueteos típicos de un interprete de flamenco en vez de aturdir al publico no acostumbrado (donde me incluyo) le añaden cierto dramatismo a las piezas. El neoflamenco de su debut sorprende en cierta manera, pues parecía que la carrera de la joven apuntaría más hacia senderos del pop, el cambio es digno de felicitar.

También vale rescatar la labor del guitarrista y productor Raúl Refree (También muy reconocido en su país), cuya guitarra se encarga de ser la compañera en todo momento de la artista y también la que otorga ese toque oscuro y misterioso al disco. Las interpretaciones en vivo según cuentan son brutales.

No tenia pensado reseñar a la artista quedando asi como una sorpresa al final del año, pero me  motivo a escribir sobre ella cuando hace unas semanas atrás, las como siempre horribles nominaciones del Latin Grammy, nos dieron una sorpresa al incluir a la española como nominada a “Mejor artista nuevo”. En ese entonces me dije que debía hablar por lo menos de ella pues definitivamente es una de las artistas por conocer.

Me decidí por Catalina, adaptación de un/a poema/cancion flamenca en donde la de Barcelona nos canta sobre un hombre que esta a punto de morir y este le advierte a su amada Catalina que ya le queda muy poco en este mundo con la frase medio insignia de la artista en estos momentos “Mira que me voy a morí”. Todo esto acompañado de una dramática interpretación de guitarra (algo constante en el disco, por ejemplo esos rasguidos iniciales particulares se repiten en otras piezas)

Las pausas que tiene la pieza al principio después de cada verso son geniales y el estribillo cuenta con unos rasguidos particulares bailables casi latinos, que si no nos recuerdan a la Lafoucade nos lo hacen a la Chavela Vargas (que por cierto coincidentemente ya habia usado este poema en una de sus canciones).

El tema termina con un “testamento gitano”, mi parte favorita en la cual el mismo hombre (en voz de Rosalía) le pide a un escribano insistentemente (apúnteme usté señor escribano!) que escriba cuales de sus bienes dejará como herencia. Es ambiente se vuelve lúgubre y algo de eco nos dice que lo que oímos sale del fondo de una habitación.

En todo momento esta cancion tiene olor a clásico algo sorprendente estando en pleno 2017 para una composición de toques flamencos tradicionales, lo cual habla bien del dúo de compositores. Si bien el tema fue lanzado el año pasado (exactamente hace un año) el éxito total de Rosalía y su debut se dio a principio de año, y en etapa en que se regulan los lanzamientos de nueva música en el mundo es bueno aprovechar para rescatar canciones que la merezcan y que en mi caso, que no las incluido en la lista de las mejores canciones del año pasado por simple desconocimiento, pero que hoy gracias a un disco se convierten en un temazo del año.

Cuidado a las canciones y discos latinos que estaban muy cómodos! Porque ahora ingresa por sorpresa Rosalía y amenaza con quedarse en los primeros puestos, principalmente en de “cancion del año” aunque llegue tarde tiene muchos atributos para quedarse con el trono.

Puntaje: 10
Especial para: Un momento de suma concentración o un viaje en bus.

"He perdido un héroe. He perdido un amigo. Pero para ti, cariño. Lo haría todo de nuevo. Y si te llamo desde First Avenue. Donde tu eres el unico hijo de puta en la ciudad que me comprende" (Annie Clark, New York)

Me he ganado un nuevo enemigo y se llama Jack Antonoff. El que fuera integrante de fun. y hoy líder de Bleachers también es productor y uno de los más reconocidos en el pop actualmente. Este sujeto fue uno de los responsables (Junto a “reyes midas” como Max Martin, Greg Kurstin y Shellback) de que Taylor Swift se convirtiera en el monstruo pop que es ahora, luego de haber sido una inocente “chica country”. De hecho este muchacho le sigue acompañando, pues el último single de la serpiente,“Look What You Made Me Do” fue producido por el mismo Antonoff.

Eso no fue lo único que hizo nuestro “amigo” este año, también fue el causante de convertir a Lorde de una adolescente rara y dark a una joven que le gusta las fiestas y salir a bailar en Melodrama, algo que le perdono, porque el resultado hay que admitirlo fue excelente. Pero hasta aquí llegó mi paciencia.

Ahora le toco el turno a Annie Clark, la bella artista más conocida como St. Vincent y la transformación sería de chica gótica de cabello blanco (en su último disco) a mujer sensual con mucholorido en escena. La apuesta se veía interesante, veríamos un cambio en la artista, una posible evolución como ocurrió con Lorde, bueno, eso fue lo que pensamos porque ahora al tener “Masseduction” ante nuestros oídos podemos darnos cuenta que mucho cambio no hubo, lo que si se puede ver en cada pista es el toque Antonoff y por momento eso ya “me quema, me lastima”.

St. Vincent se pasó al pop, es lo primero que se nos viene a la cabeza, y era de esperarse, pues son estas cosas lo que causa ganar un Grammy (¿Estas de acuerdo Arcade Fire?) como ella lo hizo en el 2015. Además podemos darnos cuenta que si no esta Taylor Swift en el mundo del pop ya no hay otra diva que sea por lo menos interesante (y eso que hay mucho poder femenino ahora, mientras las p... pelean, la reina observa), es por eso que creo que es esto lo que andaba buscando Jack o una serie de productores, que tanto Lorde o St. Vincent comanden entre periodo ante tanta escasez de renovación en el pop. A nivel crítico las dos estan teniendo mucho éxito, aunque todavía no sé si a nivel comercial.

Para ir adelantando y despejando las dudas, Masseduction es un gran disco, eso sí, puede que para los fans de toda la vida sea su peor disco y no puede discutirse eso, parece que se perdió el encanto. Aunque, podemos decir que  para los nuevos fans imagino esto debe ser una nueva obra maestra del 2017. Ubicándome en el primer grupo y tratando de ser objetivo e imparcial, repito que: Masseduction es un gran disco, uno que inicia de forma regular, luego posee una parte media casi excelente y luego se vuelve a desinflar. Aun así posee grandes canciones que la salvan de que no aburra en ningún instante y la hagan más que destacable.

Comenzamos con “Hang On Me” y ya se nota el cambio, una base pop machacona pero tranquila que va subiendo de intensidad mientras la artista canta “tú y yo no estamos destinados para este mundo”. Posee esos arreglos de cuerda muy melosos, característicos del productor que firmara Melodrama, pero aún asi, algunos leves efectos de la guitarra de Clark, también característicos.

Luego tenemos a “Pills” una simpática canción sobre las pastillas, algo que no debería de ser así pues el tema aborda sobre algo delicado, las adicciones a las mismas por parte de la artista. Algunos ya la andan comparando con una cancion típica del dibujo animado “Hamtaro”, y sí, totalmente de acuerdo, encajaría perfecta en esa serie sobre hámster. Hacia el final sí adquiere el carácter dramático que ameritaba con una base potente de percusione,s guitarras y el solo de saxofón del siempre genio Kamasi Washington.

“Masseduction”, aparece después con su estilo “Annie Clark conoce a M.I.A” en un pop  bastante contagiante cuyas guitarras nos recuerdan que estamos ante la misma artista de siempre, aquella que hace solos de guitarras raros y distorsionados.

Lo mejor del disco son las 5 canciones siguientes. La medio dance europea “Sugarboy” te levanta los ánimos, perfecta para una sesión rápida de ejercicios en el gimnasio. Un acierto enorme que se nota aquí son los toques de juntar una canción con otra por medio de ciertas referencias, en Sugarboy por ejemplo suena hacia la mitad la melodía de Los Ageless y es épica la primera vez que nos percatamos. Girls! Boys!

Le sigue la mencionada “Los Ageless”, el temazo que ya conocíamos con toques electrónicos tipo The Knife y un estribillo que te será imposible pasar por alto. Annie ya es una diva y aquí lo demuestra en un tema que destaca por su personalidad de popstar. En el minuto 2:30 esa sección medio loca me recuerda Rattlesnake del álbum anterior, aquella pista que allá por marzo del 2015 abriera su presentación en nuestro país. El final es de nuevo un guiño para la siguiente pista.

Volvió Johnny, el de Prince Johnny en “Happy birthday, Johnny” una balada en donde la artita les da a éste los buenos deseos. Suena fascinante la parte media instrumental que como el humo parece que se va esparciendo. A continuación esta “Savior” de un bajo y guitarras funkys tipo “Thank You” de Sly y the Family Stone en el que después se le suman las locas bases electrónicas marca Antonoff para al fin estallar en un estribillo monumental: “But then you say... Pleeeeese”.

El otro single principal y primero se hace con lo más alto en el álbum, hablo de New York, la única maldita ciudad que le comprende a St. Vincent. Típica balada a piano pop (me asustó en el momento de su salida) que también posee arreglos de cuerda pero que increíblemente no resultan melosos esta vez, sino todo lo contrario, muy emocionantes a medida que avanza la cancion. Ahí si te felicito Jack.

Como el nivel venía siendo muy alto en algún momento tenía que decaer y lo empieza a hacer con “Fear The Future” algo que parece un descarte de su disco del 2014, aquí adornado con una escandalosa pero efectiva producción.

Luego “Young Lover” que cuenta con un “no se qué” que me recuerda un poco a Lady Gaga (la antigua, no la country de ahora), no se si por la forma de cantar  o por algunos efectos. No me hace mucha gracia ese subidón del “¡No, I!” y los falsetes tipo Mariah Carey. Me cuesta aceptar que ahora Annie es definitivamente una estrella pop, de hecho esta canción es una versión pop de todo lo que ha hecho hasta el disco anterior.

Después de un bonito interludio (¿Carrie & Lowell eres tú?) llegamos a “Slow Disco” y aparecen esos malditos arreglos de cuerda otra vez, imposible no acordarse de Melodrama así. Al final tenemos algo rescatable, con voz editada para igualarla a la de Cher, Clark repite “Don’t It Beat A Show Dance To Death” y es celestial y novedoso, haciendo que soportar tanto edulcorante haya valido la pena.

Como cierre tenemos a “Smoking Section” una balada Ultraviolenta (en referencia a Lana del Rey, ojalá se haya entendido) especialmente por su sección final, ya que la primera más dramática, no puede resultar más soundtrack de película de Disney.

En fin, así termina un disco que me dejó la primera vez un mal sabor de boca, al ver como una de mis artistas preferidas le daba una probada de la suculenta sopa llamada “Pop” cocinada por hoy, mi odiado productor Jack Antonoff (Ya basta, aléjate de las chicas!). Sin embargo no puedo dudar en decir que es un disco muy bien hecho y destacable cuya sección media es simplemente sensacional.

Quizás también el hype haya jugado su partida (pasaron 3 años) asi que creo que el disco puede madurar mucho mejor con el tiempo, capaz en vivo. Annie Clark ya había hecho su mejor disco, y fue el anterior, supongo de ahora en adelante va a ser difícil superarlo, de todas manera podemos sentirnos conformes con este trabajo, nada que cuestionar.

Sentencia final: Sí, va a discos del año


1. Hang On Me (8)
2. Pills (8,5)
3. Masseduction (8)
4. Sugarboy (9)
5. Los Ageless (9,5)
6. Happy Birthday, Johnny (8,5)
7. Savior (9)
8. New York (9,5)
9. Fear The Future (8,5)
10.  Young Lover (8)
11.  Dancing with a Ghost (-)
12.  Slow Disco (7,5)
13.  Smoking Section (7,5)

Puntaje del disco: 8
Especial para: Unas horas en el gimnasio o hacer ejercicio desde la comodidad de tu casa.

Tercer disco de lo que va del año del cual tomo la decisión de hacerle unos ajustes, las razones del tiempo y la forma aquí:

Hace unos días el rumor se hizo muy fuerte en nuestro país. Jose Norberto Pérez, periodista brasilero había tuiteado en su cuenta que Gorillaz, la agrupación animada de Damon Albarn y Jaime Hewlett estaría pisando suelo guaraní en marzo del 2018 y según los antecedentes este señor nunca se ha equivocado hasta hoy en sus anuncios.

Todavía no hay comunicado oficial pero todo indica que la noticia es real y que también un famoso festival volverá el año que viene a nuestro país trayendo a los británicos como posibles cabezas de cartel. Todo este ambiente que se crea, algo ya un poco cansino, se esta volviendo bastante previsible, pues es evidente que el objetivo de estos rumores por aquí y por allá son para crear una bola gigante de hype que ojala no se estrelle (ojalá).

Un hype muy grande, como el que tuvimos nosotros a principios de año cuando se anunciaba que el quinto álbum de estudio de Gorillaz se publicaría el 28 de abril. Sendos singles y adelantos fueron lanzados luego del anuncio para que la expectativa hacia este álbum fuera más grande y creo que esa estrategia fue la que jugó en contra de “Humanz” lo último de los personajes de animación hoy mas computarizados que nunca.

El disco contenía un total 19 pistas (hablo de la versión estándar) y la escucha de ésta se hacia por momentos muy floja, ya sea por la intervención de los 6 interludios innecesarios o por el orden equivocado de las canciones, muchas de ellas, hay que decirlo, muy buenas. También fue objeto de críticas la poca participación de Damon en las voces, algo que igualmente lamento mucho, pues estamos hablando del alma del grupo, su voz misma, templada e hipnótica es un gancho inrestible para las canciones en que participa y si lo hace en tan contadas ocasiones no tiene chiste.

En el lado bueno. podríamos decir que encontramos colaboraciones de lujo, como siempre visionarias (¿Acaso el gran público hubiera conocido a Kali Uchis o Kelela si no fuera por este disco?) o adecuadas a los tiempos en que vivimos (Si antes colaboraban con ellos Snoop Dogg o sus socios de toda la vida De La Soul (que aparecen en Momentz) ahora se unen a ellos Vinces Staples y Danny Brown por ejemplo, los mas frescos del panorama).

En cuanto a lo meramente musical, el disco como el mismo Albarn había mencionado, retrata una fiesta apocalíptica, pero esas fiestas de clubes nocturnos (con algunos guiños a Trump en algunas letras, menos de lo que pensamos en lo previo). Definitivamente es el álbum más bailable de los cuatro singulares personajes, un estilo casi atemporal pero a la vez muy 2017, porque hoy en día la gente solo quiere música que la haga feliz (algo que también lo dijo Albarn) y aquí hay mucha.


Pero como los desperfectos de Humanz me seguían molestando un poquito cada vez al reproducirlo en su totalidad decidí hacer mi propia versión del disco como ya lo había hecho con anteriores obras de este 2017 y la titulé “Better Humanz”, porque pienso que ésta es la mejor forma que pudo tomar el disco si Albarn no fuera tan pretencioso en algunas cosas. En él prescindí de los innecesarios interludios y dos pistas que no me parecían que encajarían bien (Momentz y Sex Morder Party) quedando las 12 mejores pistas en un orden que además me parece el ideal para disfrutarlas todas como se la merecen.

Se inicia con “Hallelujah Money”, la que debía de ser la verdadera pista de apertura. En ella la voz particular del ganador del Mercury Prize, Benjamin Clementine nos adentra después de mas de 6 años al “Mundo Gorillaz” con un coro gospel de “ellos mismos” de fondo. La aparicion de Damon se da como de manera estelar y ese estilo medio trap hacia el final no puede quedar mejor para decirnos “Que tal, somos los Gorillaz del 2017”. Finaliza con un grito genial  de Clementine.

En la segunda pista tenemos a la joya, “Andrómeda” que nos remite a los inicios de la banda, un clásico instantáneo y nostalgico como sólo Damon puede hacerlo. La aparición de D.R.A.M. es increíblemente buena y el ambiente parece ser el de un viaje, quizás a la fiesta apocalíptica que se aproxima amedida que pasa el tiempo.

Le sigue “Submission” con la estrella en ascenso Kelela y el chico raro de rap Danny Brown en un tema que ni parece salido del dúo creativo detrás de los personajes. El aire a fiesta ya se va creando cuando empieza “Carnival” en voz de Anthony Hamilton mientras una base electronica con épicos arreglos de cuerdas épicas nos dicen que afuera ya se está cayendo el mundo.

“Saturnz Barz” de por cierto genial video, cuanta con la participación de Popcaan que con un acento fuertemente jamaiquino lanza sus fraseos en una base fantasmagórica/psicodélica/espacial. La parte de Albarn es SU-BLI-ME como siempre.

Llega Vince Staples con “Ascension” y el jolgorio ya empezó definitivamente y con un coro golpel incluido. Tiene varios elementos parecidos a lo que escuchamos luego en su “Big Fish Theory” en donde el ex Blur le devolvería el favor en una de las pistas.

A continuación esta la buenísima conversación de madre e hijo que se crea entre Pusha T y Mavis Staples en “Let Me Out”, una pista que peca un poco de ser muy cargada pero que resulta, y muy bien cuando es seguida por “Charger” en compañía de la andrógina Grace Jones. Un potente tema que parece tener los sonidos típicos de una laguna por ahí. El ritmo es electrónico pero bien Gorillaz, aunque sigue con lo de “estar muy cargado” a mi parecer.

En “She’s My Collar” hay presencia latina, la de la buena (y no sólo hablo de talento) Kali Uchis que con “acento Winehouse” le impone el toque justo a una de las canciones mas enérgicas del disco. Luego tenemos a “Strobelite”, que con ayuda de Peven Evereth nos lleva a esos clubes de los 90’s o a esas estaciones de radio electrónicas que allá por la madrugada pasarían este tipo de temas. Imagino a los Disclosure pasando como George Harrison en Los Simpsons, escuchando esto y diciendo “Esto ya se ha visto”.

Para ir cerrando el único tema lento y triste (algo que tanto amamos de Gorillaz), “Busted and Blue” otro de los puntos altos que con voz de 2D (el único track que lo hace totalmente solo (Ok ok Kelela hace unos coros), por ende el más intimo), unos chasquidos y efectos como violines nos avisan que el mundo ya se destruyó, pero eso no significa que la fiesta también, pues apenas éste termina de repente el trío soñado o mejor dicho el “sueño mojado” del britpop “Noel Gallagher, Damon Albarn y Jehnny Beth” nos traen como despedida “We Got The Power” el alegre descenlace que más que una despedida parece el inicio de una nueva fiesta, quizás la que ahora debemos organizar nosotros con nuestra vida y nuestro mundo.

Así esta dispuesto entonces “Better Humanz”, una versión mas resumida y efectiva de la ultima obra de la banda animada que esperemos el año que viene nos deleite con estos temas y su clásicos de siempre cuando vengan a Asunción (algo ya 90% asegurado). Espero les haya gustado y hayan compartido las ediciones pertinentes al álbum ¿Te parece ésta la mejor versión? Escúchalo y compruébalo.

1. Hallelujah Money [feat. Benjamin Clementine] (8,5)
2. Andromeda [feat. D.R.A.M.] (9,5)
3. Submission [feat. Kelela & Danny Brown] (8,5)
4. Carnival [feat. Anthony Hamilton] (8)
5. Saturnz Barz [feat. Popcaan] (9)
6. Ascension [feat. Vince Staples] (8,5)
7.  Let Me Out [feat. Mavis Staples & Pusha T) 8,5)
8. Charger [feat. Grace Jones] (8)
9. She's My Collar [feat. Kali Uchis] (8)
10. Strobelite [feat. Peven Everett] (7,5)
11. Busted and Blue (9)
12. We Got the Power [feat Jehnny Bennett & Noel Gallagher] (7)

Puntaje de Humanz: 7

Puntaje de Better Humanz: 8,5
Especial para: Soundtrack de un día de de tormenta / Para imaginarte en tu cabeza que estas en una fiesta y la estas gozando.

 

1. Biscuit Town (9)
2. The Locomotive (9)
3. Dum Surfer (10)
4. Slush Puppy (8,5)
5. Bermondsey Bosom [Left] (-)
6. Logos (9)
7. Sublunary (-)
8. Lonely Blue (8)
9. Cadet Limbo (8)
10.  Emergency Blimp (8,5)
11.  Czech One (9,5)
12.  A Slide In (New Drugs) (8)
13.  Vidual (9)
14.  Bermondsey Bosom [Right] (-)
15.  Half Man Half Shark (9)
16.  The Cadet Leaps (8)
17.  The OOZ (9)
18.  Midnight 01 [Deep Sea Diver] (7,5)
19.  La Lune (8,5)

Especial para: Un día tranquilo con lluvia (y sin luz) / Cuando estas enamorado pero eres una persona fría o te importa un comino el mundo.

"Los estadounidenses están totalmente desprevenidos por lo que les va a pasar. América está al borde de un colapso nervioso, así es el mundo entero. Veo pruebas de esto por todas partes. Todo el mundo está cansado y asustado y sin saberlo e incapaz de arreglarse. Se niegan a afrontar los problemas. Es un mundo computarizado, nadie es realmente ellos mismos y cuando alguien se ata para ser ellos mismos son objeto de desprecio y ridiculización, porque los otros tienen miedo de ellos " (Bobby Jameson, a la Beat Magazine, 1967)

Hace unos meses tomé la decisión de crear este blog porque no quería que todo ese mundo musical que había tenido en mi cabeza por años quede en la absoluta nada, algo del que pudiera arrepentirme de viejo. También deseaba que ese mundo lleno de ideas sea transmitido a demás personas y quizás así por lo menos una persona, aunque sea una se sienta identificada con mis posturas, opiniones y mis listas.

El famoso sueño de que en el futuro, cuando deje este mundo alguien descubra 4l4Music y piense que algo asi como: “que genial recopilatorio sobre los clásicos de aquella época encontré” y que leyéndome me haga seguir estando con vida por medio de lo que escribí en este tiempo.

Es por eso que me toca en lo mas profundo el acto tan hermoso que ha hecho Ariel Marcus Rosenberg mas conocido como el carismático Ariel Pink, uno de los  mejores compositores del “pop clásico” o pop original de nuestros días. Pues fue gracias a un blog que éste conoció al nuevo personaje que presenta en su más nuevo material, hablo del Bobby Jameson’s Blog.

¿Pero cómo nació esta página?

Bobby Jameson fue un músico maldito de los 60’s, de los tantos que  hubo. Promocionado como “el artista del siglo” por su manager que luego lo terminaría engañando, en esa década luchó muchísimo por hacerse un hueco en el fuerte panorama musical de ese entonces liderado casi netamente por The Beatles. La suerte nunca estuvo de su lado asi que cayó en una tremenda depresión,  refugiándose principalmente en el alcohol y más tarde incluso intentó suicidarse. Por ello decidieron llevarle a un centro asistencial.

En el año 2007 (¡Se cumplen 10 años!), ya recuperado, toma la decisión de escribir sus experiencias de rockero frustrado en un blog y prontamente llega a llamar la atención de un grupo importante de gente. En el año 2015 ya con un grupo de fans fiel a su página, Bobby deja este mundo, pero sus escritos seguían siendo descubiertos por más y más personas, y entre ellos estuvo nuestro amigo Arielito.

Según el mismo Pink, quedó tan impactado por lo que leyó y se sintió muy identificado. Entonces tomo la decisión de que su nueva obra rinda homenaje a este personaje, en representación a todos aquellos músicos que seguramente contaban con extraordinario talento, pero que la vida les dijo que “no”. Un noble acto que por lo menos hará cierta justicia al querido Bobby, pues ahora todo el mundo (melómano) conocerá su historia (Y estoy seguro que ya pinchaste el link de arriba para entrar en su blog, o lo harás luego).

La portada de este “Dedicated To Bobby Jameson” no puede ser más descriptiva. Allí podemos ver a un automóvil ingresando a un cementerio mientras a lo lejos podemos ver la silueta de Bobby Jameson caminando, o la de Ariel Pink, o la de Ariel Pink haciendo de Bobby Jameson. Siempre con un estilo retro (estas luces de neón), como si la portada de un libro del siglo pasado fuera, cosas que a Pink tanto le gusta demostrar en sus materiales.

Bien, vayamos a la música, que son 13 cortes en un disco conceptual que no tiene un hilo narrativo, sino son ciertos sucesos que poseen algunos relación con el homenajeado y otros son los famosos personajes y situaciones que ya nos tiene acostumbrado el de Los Ángeles.

Se inicia con el ascenso al cielo de Bobby en “Time To Meet Your God”  donde se siente como una especie del viaje turbulento del espíritu hacia donde estaría nuestro creador. Al final del minuto 1 parece llegar y en él nuestro personaje ya cae en cuenta que ya esta muerto y solo le toca mira lo que pasa en la tierra desde arriba. Buen inicio del álbum que te presenta las intenciones de una.

Le sigue el himno “Feels Like Heaven” una canción de amor que hace una hermosa combinación y comparación del estado espiritual del track anterior con el de estar enamorado. “Nos sentimos como en el cielo” decimos al encontrarnos ante esa situación. Hablamos de la canción más accesible del disco, bien coreable que en cierto solo de teclado se asemeja un poco al gran hit de “power fem” de una tal Cindy Lauper.

Más a Rick James suena “Death Patrol”, otro de los tantos temazos de aires policiales de los 70’s que nos ha regalado este señor.  Letra sencilla, pero de muchos detalles en la instrumentación. El “He’s our man” adictivo se repite constantemente en tu cabeza luego de la primera escucha, te lo aseguro.

Otra historia más loca es “Santa’s in The Closed” que habla de una persona que se vuelve loca (pues no hay otra explicación) y empieza a ver a toda la gente vestida del Papá Noel. Siguiendo con las necesarias comparaciones, tiene un parecido con “Der Kommisar” de Falco (Hasta en la forma de cantar) eso si no fuera por esa capa revoloteante creada por el sintetizador.

Llega el tema titular “Dedicated to Bobby Jameson” y no podía hacer otra cosa mejor que trasportarnos a su época, los 60’s, pero siempre al loco estilo Ariel Pink. El tema describe la lucha de Jameson en ese tiempo y de paso posee un solo de órgano por ahí que apoco no son los mismos del “Light My Fire” de The Doors.

El buen y oscuro post punk se hace presente en un abrir y cerrar de ojos y ya estamos en la mitad del disco. Uf! como suenan esas guitarras hacia la mitad y luego ese final que parece decirnos que la tormenta ya pasó, y también para Bobby pues después de intentar suicidarse este sale con vida.

El otro gran temazo del este trabajo se llama “Another Weekend”, un desolador tema sobre el paso del tiempo y sin  ninguna novedad. En el video de este tema Ariel interpreta al personaje principal de de esta obra mostrándose como se sentía en esos momentos. Una balada medio folk que no es de sorprender pues era ese estilo el que hacía Bobby Jameson”.

A continuación bajando de a poco la intensidad, el Lo-fi de I Wanna Be Young” no resalta lo sufriente, pues es más de lo mismo de que ya nos venia ofreciendo el artista, aún asi es bastante disfrutable. “Bubblegum Dreams” en cambio sorprende por su “punk Wezzer” y “Dreamdate Narcissit” vuelve a traernos el lisérgico órgano (El camión de helados) para hacernos bailar de nuevo como se hacia en los 60’s. Una especie de Flashback, pues como se habrán dado cuenta estábamos como en los finales de los 70’s hace un momento en la línea cronológica de sonidos.

Ya en los 80’s suena “Kitchen Witch” con sus sintetizadores bailables, y vale aclarar que no son los Real Estate de este 2017 a quienes estas escuchando aunque lo parezcan. “Do Yourself A Favor” en cambio vuelve al folk medio beatle para hablarnos de nuevo sobre Bobby quien se trata de su mejor amigo y ambos son los mejores vestidos. Se cierra el disco con “Acting”, un agradable funk (con Dam Funk) que nos remite a una fiesta que parece que continuará hasta el amanecer y como dice al final, trata de darle un “Happy ending” a la historia.

DTBJ es una bella iniciativa de Ariel Pink para que el mundo pueda conocer por medio de él la sufrida historia de uno de los músicos perdidos en el tiempo que nunca alcanzaron el reconocimiento que merecían. Siempre fiel a su estilo, nos entrega un collage de sonidos retro que siguen confirmando que no hay otro mejor que su persona para hacer canciones de ese tipo en pleno 2017 y que suenen atractivas.

Pero esta vez pese a que el álbum es entretenido en su totalidad, sufre de unas cuantas inconsistencias principalmente a partir de la segunda mitad y además hubiera sido lindo que siguiera una línea narrativa en cuanto a las letras (gran reto para él si se animaba), algo que si lo hacen los estilos musicales de cada pista que van como si avanzaran en el tiempo.

De igual manera posee unos cuantos temazos que merecen ser destacados y el concepto que rodea la obra es tan especial que no puede faltar en cualquiera de las listas del año en este 2017. Quien sabe si en el futuro alguien decide hacer una película sobre Bobby Jameson y utiliza algunas de  éstas canciones del disco como soundtrack, algo que no sonaría para nada descabellado, porque es esa la sensación te deja al escuchar al completo el disco, que se trata de una banda sonora.

Mientras tanto yo también seguiré escribiendo hasta que el tiempo diga basta, quien sabe también algún día algún músico encuentre este blog o un futuro melómano del siglo XXII. Sí, tú ¿Que tal está el mundo ahora? ¿Lo echamos a perder nosotros?.


1. Time to Meet Your God (8,5)
2. Feels Like Heaven (9)
3. Death Patrol (8,5)
4. Santa's in the Closet (8)
5. Dedicated to Bobby Jameson (8,5)
6. Time to Live (8)
7. Another Weekend (9)
8. I Wanna Be Young (7)
9. Bubblegum Dreams (7,5)
10.  Dreamdate Narcissist (8)
11.  Kitchen Witch (8)
12.  Do Yourself a Favor (8)
13.  Acting (7,5)

Puntaje del disco: 8
Especial para: Esas madrugadas cuando, como yo que no tienes Netflix, entonces buscas navegar en internet para leer quizas algun blog sonando de fondo este disco.

 

De seguro muchos recordarán con algo de emoción todavía aquellos días 19 y 20 de marzo, días históricos para los amantes de la música en nuestro país. En esas fechas se realizó la primera edición de lo que se llamó el "Asunciónico", un festival sin precedentes en nuestro país, un evento que reunía una ecléctica selección de buenos artistas para deleitarnos por más de 10 hs diarias y sin pausas a través de dos imponentes escenarios en el predio del Jockey Club en ciudad capital.

En esos dos únicos días la juventud paraguaya pudo vivir algo que es costumbre en países de primer mundo y que varios de nuestros países hermanos de Sudamérica (Argentina, Brasil, Chile y Colombia en sus versiones alternativas) también tienen el privilegio de vivir gracias al conocido festival Lollapaloza. Por primera vez no era necesario salir de nuestra nación para disfrutarlo y lo disfrutamos en grande entre nosotros, paraguayos junto a paraguayos.

De ese modo parecía que iniciaba una linda etapa de festivales internaciones en nuestro país. Al año siguiente se presentó un nuevo cartel de artistas para el evento (inferior en cantidad y posiblemente  no comparable en calidad con el primero) que desgraciadamente unos meses antes de la fecha pactada tuvo que cancelarse sin ofrecerse muchas explicaciones. Al año siguiente los organizadores del festival se llamaron a silencio creando hasta hoy un hiato de 2 años sin nuevo Asunciónico.

Ahora estamos finalizando 2017 y las esperanzas de que este festival vuelva algún año siguen intactas por algunos creyentes. Con asombro y algo de impotencia tuvimos que ver el pasado 27 de septiembre como nuestros países vecinos anunciaban rimbombantemente sus Line-up para el año 2018 que entre muchos otros incluía a “El último sobreviviente del Grunge” Eddie Vedder y su Pearl Jam, a “La Banda del Siglo” LCD Soundsystem (Pues como sabrán Arcade Fire van en descenso), a la diosa del “pop indie” Lana del Rey, a el presente y futuro del rap Chance The Rapper, a el hermano Oasis que nos faltaba en nuestro país, Liam Gallagher y a unos de los Dj’s mas aclamados por la revista DJMag de nuestro tiempo, Hardwell.

Una vez más pensamos que nos quedaríamos con las ganas, el mismo sentimiento que tuvimos cuando quedamos fuera del mundial del 2014 en Brasil, estaba tan chequita pero no logramos clasificar, así también volveríamos a tener a nuestros artistas favoritos rozando nuestro país. Pero una luz de esperanza se abrió, cuando los ¿organizadores? ese mismo día empezaron a lanzar resultados de encuestas como si supuestamente estuvieran iniciando las negociaciones para resucitar a Asunciónico. Más tarde en su página oficial de facebook este festival empezó a tirarnos unos cuantos guiños, que en vez de asegurarnos algo lo único que provocaban era la impaciencia del público que llegó a un punto tan desesperantemente jocoso el día de ayer, cuando la misma página publicó la foto de un colorido sillón con la descripción “sentarseee”. ¿Sentarse para qué? ¿Será para escuchar sin desmayarnos el anuncio oficial? Ojala así sea, sin embargo todo sigue en la nebulosa de momento.


Pear Jam por Robert Plant
Hardwell por Calvin Harris
Liam Gallagher por Jack White
LCD Soundsystem por Interpol
Red Hot Chili Peppers por The Smashing Pumpkins
Lana del Rey por St. Vincent
Imagine Dragons por Foster The People
Kygo por Skillex
The National por Fizt and The Tantrums
Mac DeMarco por The Kooks
Dj Snake por Major Lazer
The Killers por Bastile
Metronomy por Kasabian

Atendiendo que este año hay más presencia de Hip Hop algo que no tuvimos en la edición anterior y que sería bueno para hacer más diverso aún el festival:

Chance The Rapper por Alt-J
Tyler, The Creator por Kongos

Sacrificando de paso un artista nacional:

Wiz Khalifa por Salamandra

Y hablando de artistas nacionales podemos decir que hay que hacer honor a nuestro panorama alternativo. Ya sé que no son nombres que todo el Paraguay de seguro conoce y no arrastraría el público que si lo harían los que estuvieron en la primera edición, pero vale la pena que los hagan codear a éstos con los grandes también ese día:

EEEKS por Flou
The Crayolas por Paiko
The Tempranos por Pipa para Tabaco
Fuzzkrank por Bohemia Urbana
Luisonz por La de Roberto

Así, el posible Asunciónico 2 tendría la misma calidad que aquel del 2015 (aunque se comprende que la inversión sería mucha), y ojo, no descartaría otras inclusiones más "actuales" como Milky Chance, The Neighbourhood o el joven Khalid, como también las alternativas latinas que serían bien recibidas ya sean Las Pelotas, Los Espíritus (La nueva sensación del momento), Camila Cabello misma (latina en fin) y hasta inclusive Mon Laferte, otra de las artistas del momento que de seguro ganará varios Grammys Latinos dentro de un mes.

En fin, esto es sólo un anhelo todavía, porque toca esperar la confirmación o no, de si en verdad los jóvenes (y no tan jóvenes) fanáticos de la música del Paraguay volveremos a tener nuestro día o días felices el año que viene. Lo que aquí escribo es sólo el sueño de un humilde habitante de esta superficie de 406.752 km2 (y por que no de todos) que desea que su país entre también a el panorama mundial en cuanto a música se refiere (ya sea con logros de artistas locales o eventos de esta magnitud) pues, si se cree capaz de organizar un mundial dentro de 13 años, claro que puede organizar festivales de música cada 12 meses. Organizadores, confiamos en ustedes. Que venga quien venga, pero que se haga.

Nosotros seguiremos sin embargo esperando sentados en nuestra “silla cable”.


Actualización 23/11/17

A día de hoy el regreso del festival ya es una realidad y el evento será, como era de esperarse en el mes de marzo.

Todo un calvario tuvimos que sufrir para que ese anuncio llegare. En la fecha 9 de este mes la página oficial en facebook del festival publicaba como estado un numero 12, que era el inminente inicio de una cuenta regresiva, algo muy usado por las agrupaciones musicales de hoy en día con el fin de crear hype. Al día siguiente llego el 11 luego el 10 y los demás...





Cuando llego el gran día, todos estábamos expectantes por el anuncio del line-up, pues ¿Así debía de ser o no? Todos los festivales del mundo anuncian de una vez sus carteles en una fecha especifica, pero demás esta decir ya que el paraguayo es "muy sufrido" y debe pasar por esa situación caóticamente hermosa sí o sí.

Que line-up ni que nada, la cuenta regresiva fue sólo para dar el anuncio oficial de la vuelta del mayor festival que tuvo el país  en su historia, o como ahora le llaman "La madre de Festivales" y solo eso (Ah también cambiaron su logotipo y su imagen). Aquel día martes terminó, y estoy seguro que muchos de ustedes no dejaban de revisar sus celulares y sus monitores en busca de respuestas, respuestas que a día de hoy con certeza todavía no hay. (¡Una vez mas hemos sido timados!)

Y hablo de certeza porque como siempre están los chismes de pasillo y varios nombres ya se han filtrado por aquí y por allá, dando por hecho que bandas como Imagine Dragons, The Killers, Gorillaz o Liam Gallagher estarán presentes en suelo guaraní. Como último momento también ha circulado fuertemente el nombre de Pearl Jam que claramente era el cabeza de cartel que estábamos esperando con ansias (tener a uno de los grandes del grunge antes de que ya no quede ninguno, por favor).


El título de esta publicación no pudo estar mas en lo cierto porque todavía seguimos esperando (ya pasaron casi 2 meses desde la reaparicion en redes sociales del Asunciónico). Según los mismos chismes parece que aún nos tocará tener un poco de paciencia , pues el anuncio de los artistas se dará recién en el mes diciembre.


Sí, es cierto, esta forma de crear expectación esta siendo demasiado molesta (Parecida a la que uso Kanye West para su The Life Of Pablo, solo falta que ahora también lancen un line-up y le vayan cambiando los nombres con el paso de los días) por lo tanto creo que está bien por una parte que se tomen un poco más de tiempo, para por lo menos llenar las expectativas que ahora andan por las nubes (entre line-ups no oficiales recorriendo por ahí y flashbacks que se van publicando de la excelente edición del 2015)




Y así como escribí hace más de un mes, nos toca de nuevo aguardar y aguardar.... Ojalá la recompensa que tengamos en unos días nos haga olvidar todo este inaguantable "hypesunciónico".,, Ojalá...


Actualización 20/12/17

En unos días el post se actualizará con las novedades del line up, que por fin llegó, demás informaciones y las respectivas opiniones de este servidor sobre todo lo que concierne al festival Asuncionico 2018...

Por favor sé paciente... mientras tanto le invito a dar una vista a las listas de final de año de la página:

Mejores Canciones 2017

Mejores Álbumes 2017


Actualización 24/12/17

Me pongo a leer lo que escribí hace un mes y vaya que estaba un poco nervioso, pero a día de hoy las aguas ya están más calmas y lo que parecía estar en la nebulosa se fue aclarando de a poco, pero no del todo todavía como queríamos que estuviese a estas alturas. De igual manera se puede decir que ya estamos más felices (o en otros casos decepcionados como se comentará más adelante)

Claramente se dijo que a mediados de diciembre tendríamos más novedades, las hubo y bastante, iniciando por la venta de las entradas sin todavía conocer el line up y faltando 100 días para la fecha del espectáculo. Obviamente mucha gente montó en cólera, pero esto ya se veía venir, era un proceso del terror que todavía debíamos aguantar.

Aún así dos puntos clave del tema que concierne a la organización del evento fueron y son los que hasta hoy día pueden ser considerados imperdonables para mucha gente que salió muy conforme de la primera edición: el precio más alto de las entradas y la inclusión de un sector "Campo VIP" que dividiría en dos al público asistente. Esto último puede resultar triste pero ya tendrán los organizadores sus motivos, posiblemente algo no les dió resultado en el primer Asuncionico al ser todas las entradas "generales".

Bien, sigamos con los avances, El  12 de diciembre la página del festival anunció de manera sorpresiva que el renovado Asuncionico no tendría esta vez solo 2 días sino 3, siendo las fechas seleccionadas el 20, 21 (las primeras que se anunciaron) y el 27 de marzo. Eso sonaba fabuloso y hacía que el hype se encontrara esta vez con San Pedro por los cielos. También justificaba de alguna manera el alto precio de las entradas.

 Al día siguiente salio otro anunció, el que todos esperabamos, el del Line Up, bueno, no tan rápido, estamos hablando del anuncio de que se anunciaría el line up el día viernes 15, pero no todo de una vez sino por partes hasta llegar a completar la lista. Si usted es extranjero y esta leyendo esto, sí, esto es Paraguay, el país que más está acostumbrado al sufrimiento y por ende uno de los mas felices del mundo.

Por suerte esos dos días pasaron volando y cuando llegó la hora indicada los artistas que pisarían tierra guaraní (por primera vez o por segunda vez) empezaron a mencionarse, a salir a  luz. Esto se repitió hasta el día jueves 21, cuando se inició el verano en el hemisferio sur. Entre los nombres que aparecían se podía apreciar mucha presencia de bandas nacionales del momento; luego mencionaré por qué esto se trata de una de las mayores virtudes del festival en la sección de "LO BUENO".

En fin aunque suene increíble el line up sigue incompleto aunque las especulaciones dan como un hecho la aparición de ciertos artistas anteriormente mencionados en line ups fakes (Como el que compartió Alan Walker por equivocación) que ahora se encuentran pixelados en el cartel que es el siguiente:




¿Te gusta? A mi parecer la sensación que deja es la que se describe en la viñeta nueva que abre el articulo "No era lo que esperaba pero estoy satisfecho". Pero estas cosas siempre pasan cuando se crea mucha expectación a algo y si volviste a leer desde el principio esta entrada verás que se creó mucha, muchísima. El line up es bueno pero no lo que se esperaba...

Vamos a analizar por partes las debilidades y virtudes del Asuncionico 2018 ¿les parece?. Empezamos con:


Tranquilos, mi objetivo no es desanimarlos porque como dije, el line up es bueno y atrayente para la cualquier tipo de gente que acostumbra a escuchar música. De ahí radica uno de los factores buenos que es la encuesta previa que se hizo para traer a los artistas. Bueno, no se basa 100% en los resultados como podrán ver más arriba pero no hay nada más justo que traer lo que la gente quiere ver y si la gente quiere ver a estos artistas populares a nivel mundial, ya nada más se puede discutir. Aunque sugiero que la próxima ocasión la encuesta se haga por otro medio ya que como este servidor muchos melómanos no cuentan con Twitter.

Otro factor que me parece acertado es la composición del Line Up. Sería muy sencillo agrupar por estilos musicales parecidos los 3 días, pero es hermoso que el eclecticismo predomine en cada uno, pues así uno va en cierto día para ver a su artista favorito y puede descubrir de paso música nueva que estuvo ignorando por mucho tiempo (me pasó a mi en la edición uno y no me arrepiento). Hay que admitir igualmente que puede resultar molesto para algunos que quieren ver a sus artistas preferidos en un mismo día (pero así se maneja o nos maneja el dinero).

Ah! cuando se arman grupos en cualquier actividad también se hace costumbre elegir uno al que se le llama cariñosamente "el grupo de la muerte". Si tenemos que elegir entre los tres cual es el "día de la muerte" hasta ahora es el DÍA 2. Sí, porque tenemos como cabeza de serie a The Killers y grandes exponentes que también se pueden robar el show como Galantis, el dúo sensación de la musica trap dubstep Yellow Claw o los siempre enormes Babasónicos (confieso, una de mis bandas favoritas en español de estos últimos 20 años, ya sabrán por qué). Coincidentemente también están las mejores bandas nacionales de diferentes estilos: EEEKS y Kchiporros.

Hablando sobre los nacionales, como dije hace un momento, son los que más marcan presencia en esta versión del Asuncionico. Hasta ahora tenemos confirmados a:

1. TENDER CAGE
2. PAIKO
3. BOHEMIA URBANA
4. IVAN ZAVALA
5. DALÍ
6. MIDISTROY
7. MOTHERSHIP
8. PAT AND THE JURASIC BAND
9. EEEKS
10. KCHIPORROS
11. KITAPENA
12. RORO RUIZ DÍAZ
13. BANANA PEREIRA
14. PURAHEI SOUL
15. LA DE ROBERTO
16. MALEZA FEVER
17. CHIC FLOYD

Esto va dedicado para la gente que todavía sigue diciendo que el Paraguay no esta avanzando en la creación de música propia y artistas. Y eso que me faltan aquí grandes como The Crayolas, Nestorló y los Caminantes y The Tempranos entre otros.

Es tan lindo que se le dé oportunidad a nuestros músicos (especialmente a los nuevos como por ejemplo Midistroy) de estar en el mismo escenario en donde tocaran artistas de renombre internacional, quien sabe si alguno de ellos llega también a hacer lo propio (bueno, los Kchiporros pueden presumir que actuaran por segunda vez en el Vive Latino, quien como ellos).

Y lo mejor de todo es que muy pocas veces vas a ver nombres de artistas como Ivan Zavala o los EEEKS en un mismo cartel, con esto quiero llegar a que se ha hecho una gran seleccion de lo mejor que tenemos en distintos estilos. Asuncionico efectuaría con esto algo que cualquier otro festival nacional no se pegaría el lujo de hacer.

Entre todo, los puntos buenos a repetir son los 3 días, que no solo será de música ya que también incluye la gastronomía y muestras de arte, como por ultimo pero no menos importante, la presencia por primera vez en Paraguay de una banda de dibujos animados: Gorillaz.

Gorillaz es una de las bandas alternativas más queridas del país y con diferencia. La gente ama tanto a su música como a los personajes, es increíble como desde sus inicios aquí ya empezamos a seguirles la pista. Desde el primer golpe de platillo de su hit "Clint Eastwood" el amor entre Gorillaz y Paraguay ya nació, estoy seguro.

Bueno... Si le preguntas a cualquier persona por aquí quienes son los Gorillaz, te van a responder en unos segundos sin dudar, pero, ¿Qué pasa si les preguntas quién es Damon Albarn? (Muy buena pregunta Dorothy)

Lo que muchos ignoran es que Damon Albarn, el genio detrás de Blur, banda rival de Oasis en los 90´s, y genio detrás de la banda animada también vendrá a Paraguay, y eso es una noticia enorme que por lo menos salva al festival para muchos, pues el grupo del británico estando como cabeza de cartel hace que alcance en categoría a lo que fue el plato fuerte del 2015, Robert Plant.

Tener un maestro del pop como el Sr. Albarn tocando para nosotros el día 27 de marzo quizás sea lo mejor que me toca mencionarles en esta sección en donde destaco lo bueno que tendrá el festival. Es algo que un fanático de la música no debe perderse.