"Te la pasas aburrido al volver de trabajar, maldiciendo al trabajo al que fuiste a trabajar. Un trabajo te inventaron, que te puso tu papá; No pudiste ser un ave, no pensaste en volar... Aquí estoy tratando de a volar" (Juan Wauters, A Volar).

Nacido en Montevideo pero radicado en Nueva York desde principios de los 2000, Juan Pablo Wauters no es un músico muy conocido por aquí pese a que sus composiciones son como él mismo lo dijera en su momento, "aptas para todo el público". O sino como se explica que el artista haya pisado nuestro país el año pasado sin crear mucha repercusión y llegando incluso a dar conciertos gratis.

Creo que la razón para que este desconocimiento se haya dado es por medio de un factor más que clave :"la conexión". El uruguayo no lograba que sus canciones sencillas y humanas conectaran con el público latino simplemente porque las interpretaba en inglés, fórmula que ahora decide desechar para bien en su nuevo disco "La Onda de Juan Pablo" su primer álbum 100% en español.

Esta obra, que esta llamada a ser la que catapulte al artista a por lo menos un público mucho más amplio, nació luego de varios viajes que tuvo Juan por varios países del continente, de hecho su portada parece mostramos esos momentos, a un músico viajero con su guitarra en medio de la multitud. Y fue gracias a esos viajes que Wauters pudo hacer contacto con varios estilos de música tradicionales de latinoamerica que luego darían forma a ese sonido ecléctico que escuchamos en "La Onda de Juan Pablo".

El disco que contiene sólo 10 pistas y tiene una duración corta suena a muchas cosas, musicalmente el estilo (o la onda) de Juan a veces se parece a sus compatriotas Eduardo Mateo o Jorge Drexler  o al cubano Silvio Rodriguez. En cuanto a las líricas, directas, alegres, pueblerinas y sencillas sin embargo se parece más a las que nos acostumbraba otro trovador, Manu Chao.

"Machete" abre el disco con unos versos cantados acapella que inmediatamente logramos retener y que ya nos volverá a saludar hacia el final de la obra. El tema siguiente, "Disfruta la fruta" nos lleva presumiblemente a un mercado de sudamérica tanto por lo que podemos oír en la letra como por el ambiente que crean esas guitarras y flautas andinas, una combinación atrapante.

Luego "El Señor" con punteos agradables de guitarra nos habla sobre la historia de un emigrante que viajó lejos de su familia algo que puede sonar autobiográfico y al que luego siguen quizás los mejores temas del disco. Primeramente "Blues Chilango" un bolero magnifico en donde hasta un leve sintetizador hace aparición, pero es el solo de saxofón el que se roba el show.

El otro temazo es el son "Guapa" el primer tema bailable aquí y que también fuera el single principal de este disco. El gancho con el coro de mujeres es categóricamente imborrable de la mente una vez escuchado, hasta puedo imaginarme en una reunión seria en donde mi oído finge escuchar pero mi cerebro lo único que hace es repetir esta melodía. Un tema que con paciencia te gustará "tanto tanto tanto"

"Candombe" hace honores a sus raíces charrúas en una pieza instrumental bastante placentera al que se le suma un spoken word poético, "Un buen día hoy será" toma un clavevín para endulzarnos con con sus melodías barrocas para el arrullo y "Mi Vida" no hace otra cosa que hacernos sentir en casa con una flauta campestre.

Ya para cerrar se encuentra el tema ranchero a bandondeón "A Volar" con una letra sobre buscar la libertad haciendo lo que a uno le gusta y luchar por ello, al que sigue el reprise, o mejor dicho, la versión completa de la intro "Machete 2" que por su sonido más electrónico contrasta con todo lo anterior pero termina la obra de manera inmejorable, resumiendo el espíritu del álbum.

"La Onda de Juan Pablo" no tiene nada extraordinario, de hecho sus composiciones son demasiado simples, pero lo que las hace especiales es que cada una de ellas tiene una calidez humana enorme que llega a conectar con quienes somos latinoamericanos y conocemos el mundo que éste va describiendo. Además, son canciones pop muy bien hechas, sanas (¿acaso escucharon una grosería?) y honestas que pese a inspirarse en el pasado, por toda "la onda" que le pone Juan Wauters se escuchan actuales y hasta novedosas para el oyente nuevo.

No se tú, pero para mí es un discazo imprescindible del año.

"Abajo bajo las cenizas y la piedra, seguro de lo que he vivido y he conocido. Te veo tan incómodamente solo, desearía poder mostrarte cuánto has crecido". (Sharon Van Etten, Seventeen).

El nuevo disco de Sharon Van Etten es un grower total. Tras la inmediatez que tenía su anterior "Are We There" uno no se esperaba un cambio así, es por eso que la escucha para el trabajo es la más dura de su discografía hasta ahora. Pero vale la pena, porque sólo así te entraran estas 10 canciones.

Es también el álbum más intimo que ha hecho, o que se siente así, empezando por la portada que nos muestra una fotografía captada por el celular a las hijas de la artista en medio de un desorden hogareño y pasando por las letras que recuerdan momentos pasados de la misma.

Otro aspecto a resaltar, en la parte musical, es la forma de composición del disco que se deshace prácticamente de la guitarra (instrumento muy presente en sus obras pasadas) para crear atmósferas luminosas con los sintetizadores, algo que en ciertos momentos tiende a recordar a las influencias marcadas que tiene el disco (Que por misma confesión de la artista van de Portishead, Patti Smith o Nick Cave)

"I Told You Everything" da inicio a la obra con un piano que va anunciando un baladón, algo que es efectivamente así, uno en el que dos personas amadas son los únicos protagonistas y Sharon la única de ellas que va expresando su sentir sobre la situación, del cual nosotros somos espectadores.

En "No One's Easy To Love" las percusiones que parecen programadas hacen que la canción sea más alegre aunque trate sobre del desamor y su estribillo acompañado por los teclados resulta en algo mágico. Mientras tanto, la enorme "Memorial Day" con un hook tarareante y oscuridad (cuando no) muy a lo Beth Gibbons resulta hipnotizante.

Con "Comeback Kid" vuelve la euforia haciéndonos dudar si lo he estamos escuchando es a St. Vincent o a la de Nueva Jersey y con, otra vez, un estribillo que entra luego de apreciaciones reiteradas. "Jupiter 4" sin embargo nos vuelve a llevar a ese otro polo más reposado y misterioso, un tema que según Van Etten pudo crearse gracias a la ayuda del actor Michael Cera y su sintetizador.

Y Seventeen como ya todos lo saben es el temazo que se encuentra en el disco, que en su momento me decepcionó cuando salió como single pues porque el anterior disco tenía hitazos y me esperaba algo así, pero esta composición me fue ganando con el tiempo hasta llegar el momento de escucharlo dentro del disco y... sí fue genial. Me encanta como va creciendo, su tema central de la adolescencia que nos trasporta de manera nostálgica, su aire Bruce Springsteen y como se rompe al final.

"Malibu" es una gran canción de amor, lenta a piano, con armonías ensoñadoras y un excelente verso dedicado a los Black Crowes y por otro lado "You Shadow" es un agradable pop en donde la cantante da consejos a un hombre sobre como debe hacer para conquistarla.

"Hands" recuerda a los himnos rockeros que teníamos a mediados de los 2000's que sonaban enormes y nos daban la vida y el cierre del álbum "Stay" nos lleva a donde empezamos nuevamente, con un piano y una atmósfera pacifica trip hopera para hablar de lo bello que es el amor de madre.

"Remind Me Tomorrow" es hasta ahora el mejor disco de la compositora ¿por qué? es el que mejor suena en conjunto, aquí todo es uno solo no como antes en donde las canciones parecían ser todas sueltas. No hay mucho riesgo pero si mucha pasión e intimismo musical y además al escucharlo se siente como la artista de verdad puso todo su empeño para que este sea "su disco".

Nada más que decir, Sharon Van Etten ha hecho uno de los mejores discos de este primer mes y termina como una de las grandes cantautoras de la década.

The Twilight Sad es uno de los grandes valores que tiene el indie europeo y desde el 2014 tras su bien recibido "Nobody Wants to Be Here and Nobody Wants to Leave" que no teníamos noticias sobre ellos. Fue recién a finales del año pasado cuando reaparecieron casi de manera desapercibida publicando algunos adelantos que más tarde darían forma a su quinto álbum de estudio.

El recomendable álbum, titulado "It Won/t Be Like This All the Time", resultó en un pequeño giro en el sonido de la banda que abandona un estilo más rudo para caer en los brazos de un post punk más melódico apoyado por sintetizadores que inmediatamente nos remite a bandas como The Cure.

La canción que abre el disco tiene precisamente algo de eso más una chispa de epicidad. "10 Good Reasons for Modern Drugs" inicia engañosamente como un tema dance hasta que sincronizadamente guitarras y sintetizadores entran en acción abriendo caminos de luminosidad mientras el bajo se muestra incontenible.

En gancho se va repitiendo las veces necesarias para que podamos "engancharnos" con ella fácilmente, y es la que la convierte en una canción irresistible. Uno de los grandes temas de rock alternativo que nos saludan en este inicio de año.

Puntaje de la canción

No cabe duda de que James Blake es uno de los músicos de nuestra generación, su voz y su estilo son toques reconocibles que ha tenido esta década y su discográfica ha sido una de las más consistentes para un artista británico de los últimos tiempos.

Pero en "Assume Form" al apenas escucharlo se siente una sensación rara. Es como si después de enamorarnos perdidamente de él con su álbum homónimo, vivir momentos felices con Overgrown y llegar a la madurez como pareja en The Colour In Anything, ya el interés romántico se haya perdido con este disco.

Se puede notar que Blake en este trabajo no arriesga prácticamente en nada en lo musical (ya no se esfuerza por conquistarnos) aunque sí en lo lírico en donde el concepto gira en torno justamente en el amor que siente hacia su pareja y haciendo que "Assume Form" sea algo así como su "I Love You Honeyear" electrónico. El británico va por el camino más fácil y esta vez apuesta a lo que venía haciendo últimamente, juntarse con artistas urbanos en canciones que atraigan a mayor público, en donde su voz muy reconocible es el que lidera el asunto.

El disco, ademas de caracterizarse por tener más colaboraciones que nunca lo hace por su, en partes, exuberancia musical, haciendo por momentos que el trabajo se sienta como la banda sonora de una película de amor oriental. En algunos casos esto resulta muy bien y en otros no tanto llegando a aburrir al oyente que no este acostumbrado.

La pista titular "Assume Form" abre el álbum con su compañero inseparable, el piano, y todavía un aire de continuación al disco anterior. Es una cancion que si hubiera durado mucho menos sí funcionaría como buena apertura, pero esos 5 minutazos no hacen otra cosa que motivarnos a apretar el botón de "siguiente" hacia la mitad haciendo que nos perdiéramos el muy buen final que tiene.

"Mile High" para mí es la estrella que tiene el trabajo, relajante, humeante e hipnotizante y aunque me cueste trabajo admitirlo, Travis Scott suena muy bien aquí, la unión de los dos se ha vuelto muy resultona en estos últimos tiempos. Le sigue el twerking de "Tell Them" en compañía de Moses Sumney que explora una faceta mucho más alegre que en su trabajo anterior en solitario. Se trata del tema más bailable del disco y el que más representa ese sonido Bollywoodense del que les hablaba.

"In The Red" se rinde ante las cuerdas y un sonido minimalista que recuerda Bjork, así como ya lo hizo en su momento también la colaboradora de la siguiente pista, la española Rosalía que en "Barefoot In The Park" además de cantar en su idioma natal lo hace en inglés y hasta anima al londinense a lanzar sus primeras líneas en español (con las cuales suena a todo un tenor). Es un tema romántico, una balada a dúo a como ya estamos acostumbrados a escuchar por estos lares y en varios momentos musicales de algún filme de Disney.

"Can't Believe The Way" tiene una producción exquisita de dream pop pero que nuevamente se hace un poco larga y "Are You In Love?" nos trae devuelta al primer James (es como si estuviera tocando los mismos instrumentos y máquinas de su debút) en una letra que habla sobre sentirse seguro amando a alguien. En "Where's The Catch" junto a André 3000 me esperaba algo mucho más impactante pero igual el tema resulta en parte gracias a la gran performance el ex Outkast. Suena a una cancion que podría haberse compuesto tranquilamente en las sesiones para el álbum de Black Panther.

"I'll Come Too" me gusta bastante por su estilo retrospectivo, el sample hace que la canción sea llevadera y nos lleve a momentos nostálgicos de pura magia y a "Power On" aunque la mire (bueno, escuche) con algo de indiferencia tampoco desencaja en el momento más tranquilo en que atraviesa ahora el disco.

"Don't Miss It" que cuando apareció me pareció un temazo por su piano "Amnesiac" de Radiohead como que aquí pierde fuerza, siento que en otro álbum, quizás junto a ese otro temazo que era "If The Car Beside You Moves Ahead" hubiera resultado mejor. Eso sí, dentro del álbum cobra sentido en lo lírico puesto hablaba de las relaciones por medio de artefactos electrónicos.

En "Lubally For My Insomniac" su nombre ya lo dice todo, es un arrullo o más bien una linda declaración de amor dedicada a su novia, Jameela Jamil. El tema descata principalmente por su outro, haciendo el músico unos juegos vocales atractivos que cierran el trabajo.

Conclusión: Si bien es un disco con algo de encanto y lejos de ser malo, "Assume Form" lastimosamente es de momento el disco más olvidable de la carrera de James Blake, es como si el músico estuviera en modo automático en comparación a las últimas colaboraciones que ha hecho en los últimos meses.

Lo que nos puede motivar es que éste también puede convertirse el disco de inflexión en su carrera, uno que lo lleve en el futuro a apostar a otro estilo más mainstream que ahora el más cercano parece ser el hip hop (o trap).

Ojala el tiempo diga que es cierto lo segundo y no lo primero.

"¿Qué le pasa a la gente? Dejaron de aferrarse ¿Qué le pasa a la gente? Sus sueños se vuelven oscuros. El óxido de tu castillo, estas tratando de llenar" (Bradford Cox, What happens to people?).

Hay que dejar algo en claro desde el principio, Deerhunter todavía no sacó disco malo. Y así como abrió la década con una gran obra ahora la comienza cerrando con otra genial.

Why Hasn't Everything Already Disappeared? (¿Por qué no todo ya ha desaparecido?) además de tener un título muy 2019 y de "cierre de ciclo" es de las obras más accesibles y para más público que la banda ha hecho. Un trabajo conceptual que se encarga de reflexionar sobre qué estuvo haciendo la humanidad en estos últimos años para con la naturaleza y nosotros mismos.

Estas ideas las musicalizan con canciones pop a guitarras que en su mayoría suenan alegres, esperanzadoras siguiendo la línea de su anterior Fadding Frontier y que parecen hacernos viajar a momentos puntuales del pasado con melodías que creemos ya haber escuchado. Singularmente, el disco es como si juntaramos la discografía de The Kinks con la de Bowie en su etapa de Berlin, los 60's con los 70's.

"Death in Midsummer" nos da la bienvenida al estilo barroco gracias a su clavecín para hablarnos sobre la muerte de nuestros seres queridos y que al mejor estilo de un Sympathy for the Devil, se va haciendo más fiera a medida que pasa los segundos

Le sigue la fabulosa "No One's Sleeping" en donde el sonido atmosférico creado por guitarras que los caracteriza se hace presente en una marcha no exenta de instrumentos de vientos para crear un ambiente de júbilo. 

La instrumental a lo Joy Division "Greentpoin Gothic" hace de continuación al tema anterior que nos remitía a la naturaleza, creando ese ambiente por medio de sintetizadores y la sesentera "Element" vuelve a levantarnos el animo con su estribillo como de obreros trabajando.

"What Happens to People?" es la canción que engloba al disco pues es la que directamente hace cuestionamientos al igual que el título del mismo. Apoyado por un piano y armonía épicas es la única que toca fibras más sensibles y de verdad nos invita a accionar.

En "Détournement" una voz modificada para hacerla sonar grave y perturbada al vocalista Bradford Cox lanza algunas frases de postales de diversas partes del mundo, tratándose de una crítica hacia los fatales accidentes aéreos y la complicidad que hay en ellos.

Y después llega "Futurism" que merece ser calificado con el meme de "es bellísimo" y más. Una breve canción con un sonido melancólico y luminoso a la vez gracias a los teclados y al aporte de Tim Presley en guitarra, desde ya una de mis favoritas del catálogo inmaculado de banda.

Tras la cuasirreligiosa "Tamung", heredera del sonido Low nos encontramos con otro de los singles, "Plains" un lindo tema para encontrar paz pero a costa de recordar la trágica muerte del actor James Dean, que causo un gran impacto en los jóvenes de la generación de oro del cine estadounidense.

"Nocturne" cierra el disco recordándonos viejos tiempos de la banda. En él la voz entrecortada de Cox que parece provenir de una llamada telefónica da paso a una brillante coda instrumental que nos recuerda que no hay más sesudos que ellos en esto de alargar canciones con bellas armonías en cadencia.

Why Hasn't Everything Already Disappeared? personalmente es la obra que más me gusto de la banda de Atlanta desde el Halcyon Digest. No es un disco ambicioso pero sí lo suficientemente correcto, actual y con un tema central bien desarrollado para destacar entre los grandes discos que seguro nos deparará el año y cuyos nuevos sonidos todavía son un misterio.

Puntaje de la canción

Especial para: Salir a tu patio una noche, sentarte o montar una hamaca y contemplar a las estrellas o al satélite de la tierra, que debe estar llena por supuesto.

"Vive tu vida, yo vivo la mía, criticar sin dar ejemplo, qué jodí'a manía, por sólo ser yo y no como se suponía, hasta que nos dé pulmonía" (Bad Bunny, Caro).

Casi exactamente dos años tuvieron que pasar para que Benito Antonio Matinez Ocasio, conocido en el mundo artístico como Bad Bunny nos entregara a su primer hijo, su primer disco. Entre ese tiempo  el puertoriqueño lanzó más de 30 singles siendo la mayoría de ellos éxitos en toda latinoamérica y ha colaborado con una gran cantidad de artistas. Era prácticamente como que si una canción en español tenía incluido versos del conejo malo su éxito estaría garantizado.

Se trataba de un artista demasiado nuevo para lo que la música latina acostumbraba, especial para los oídos jóvenes de ahora que por ejemplo todavía fueron muy pequeños durante la "época dorada" del reggaeton (2003 - 2008) y que necesitaban identificarse con algo; sí, el trap latino se populariza con este hombre. Y no sólo eso, también estaba su personaje, que pese a tener bien presente una identificación con el mundo el trap (Chambea, Me llueven) además demostraba ser muy sensible para lo que se acostumbra en el género urbano (Amorfoda). Y ya ni hablar sobre su forma de vestir y lo accesorios estrafalarios que usa en cada gala a la que se presenta (lentes, uñas pintadas, un tercer ojo o su pose popularizada con un meme).

Pero aunque muchos no nos hayamos dado cuenta, entre tanta fama y logros comerciales este joven de Puerto Rico ya tenía en mente desde hace un tiempo grabar un disco ¿y que creen? increíblemente no le dejaron. Hear This Music, su anterior productora se lo negó siempre por razones desconocidas hasta el punto que el artista tuvo que romper vínculos con ella para prácticamente reorganizar su carrera.

Ese nuevo camino se inició con el sencillo "Estamos Bien" que surgió luego de unas vacaciones tras dejar la anterior discográfica y su nueva asociación con el legendario Tainy y la nueva promesa en la producción Young Paci. Fue a partir de ahí que Bad Bunny decidió a volver a sentir la necesidad de hacer su primer larga duración y ya con total libertad artística.

El resultado fue este X100PRE, un trabajo de 15 pistas que nos muestran al verdadero artista que tenía dentro Bad Bunny y la música con la que siempre quizo expresarse. No es, por suerte, un producto prefabricado de trap latino para vender al mercado norteamericano, sino todo lo contrario, es un rapero (porque lo es) canalizando todas sus inquietudes (amor, soledad, sueños, fama, críticas) sobre canciones eclécticas que demuestran que a él de verdad le apasiona esto de la música y que no lo ve como un simple negocio como muchos pudieron pensar antes sobre su persona (Llegó a decir en su live de instagram que hasta lo obligaron a hacer colaboraciones que no quería).

Si bien al principio el estilo predominante es el trap, al ir avanzando nos encontramos con sus sorprendentes apuestas hacia otros estilos para luego toparnos con una parte media dedicada exclusivamente al reggaeton y luego ir finalizando con momentos más emocionales y un broche de oro festivo. (Por cierto, cada una de estas pistas tiene unos visuales que pueden verse desde su canal de youtube, algo que se esta haciendo costumbre pues Rosalía también hizo algo similar)

"NI BIEN NI MAL" abre el trabajo saludándonos con un ukulele que nos hace pensar en la playa y el relax (el disco llega 3 días después de que se inicie el verano en Sudamérica, ¡bien! por fin piensan en nuestro verano) hasta que los beats de "La paciencia" arremeten para que Martinez nos hable de su relación acabada y sus consecuencias.

"200 MPH" con la gran producción de Diplo (hace mucho que no se podía decir esto) continúa con esta temática de la arena y el sol pero más al estilo gangster. Como lo dice el título, su beat es para ir conduciendo un jet sky a 200 millas por hora. Le sigue ¿Quién Tu Eres?, que a más de uno le recordará al trap que nos tiene acostumbrado Travis Scott, psicodelico, oscuro y que en esta ocación  su lírica va dirigida exclusivamente hacia sus detractores.

"Caro" es quizá la pista que mas caracteriza a este disco, o por lo menos la que muestra sus dos caras, pues cuenta con un sonido fuerte y poderoso pero también tiene un momento de destaque más emocional. Su compatriota Ricky Martin es quien presta su voz en el interludio, y ya que el tema es sobre vivir la vida y dejar de criticar a los demás por ser diferentes, su aporte puede interpretarse como un acertado llamado a la tolerancia hacia la comunidad homosexual.

"Tenemos que hablar" es la primera sorpresita del disco, un número pop punk dosmilero y una de las canciones más alegres y aptas para cualquier publico que el conejo haya hecho hasta el momento. Según el artista, tras escribir en las redes sociales la frase del título para anunciar un live, un comentario le respondió que esperaba que eso se tratase de un tema, y fue así que decidió complacer a este sujeto escribiendo la canción sobre problemas de pareja millennial basado en el título.

"Otra noche en Miami" por otro lado explora de manera exitosa con con el synth pop, un estilo del que Puerto Rico es indudablemente exponente en latinoamerica hoy en día. En los versos Benito se mantiene con el rap (pareciéndose un poco a All The Starts de Kendrick Lamar y SZA) pero es el fabuloso estribillo el que termina por deslumbrarnos por su luminosidad. Su letra sobre olvidar a un ex puede que se trate de una continuación natural de los temas "Dime si te acuerdas" y "Amorfoda".

En "Ser Bichote"  aunque su producción sigue siendo exquisita, es su letra el que no termina de convercer haciendo que caiga en la generalidad pero la vara vuelve a subir en "Si estuviesemos juntos" en donde la sofisticación se apodera del primer reggaeton del disco, uno melancólico que si lo ponemos frente a frente ante cualquier tema del último disco de J Balvin (Excepto Brillo) le daría mil patadas por lo bien que se escucha.

Pero atentos que ese no es el EL TEMA del disco, ese título le pertenece a "Solo De Mi" una canción dedicada a su ex pareja dividida en dos partes y que gracias a su estupendo video adquiere un significado más poderoso (lucha en contra la violencia hacia la mujer). La primera parte es la que suena a todo un clásico, en él Bad Bunny hace más cambios armónicos que en cualquiera de su catálogo y esto de verdad hace que sintamos empatía ante su corazón que según él ya lo tenía roto. La segunda es como una recuperación de su angustia entre hit hats y dembow portentosos que ambientan una fiesta llena de excesos.

"Cuando Perriabas" es otro de los temas que destaca más por la parte instrumental que por lo ella misma dice, pues tiene un montón de detalles que pasan desapercibidos por estar más pendiente uno de su potente base. En cambio "La Romana", que bien podría ser dos temas distintos en uno (Pásame la hookah y Fuego (Fire)), todo se conjuga para ser nombrado como la respuesta latina a "Sicko Mode", con un sample de bachata en su primera parte y un dembow tribal comandado por el dominicano El Alfa en la segunda, que no hacen otra cosa que ponernos a bailar.

"Como antes" y "RLNDT" son temas que comparten similitudes por su aíre de nostalgia retro y reflexión con bases de trap que nos muestran a un Bad Bunny alejado de la fiesta anterior, solitario y con muchas preguntas sin poder responder. A estos le sigue su hit "Estamos Bien", que fuera número 2 de las mejores de iberoamérica del año pasado para esta página y el tema que dió a luz a este X100PRE y ahora lo termina cerrando así el círculo. Un descargo emocional del artista con referencias a la situación de su país incluido, que se sostiene sobre una base realmente única en su especie (¿acaso hay otra canción trap que suene igual?).

"No apaguen las luces porque esto aun no termina", pues actuando como bonus track tenemos a "MIA" la primera colaboración en español oficial del canadiense Drake a la cual quiero reivindicar ya que cuando salió no la tomé muy en serio. Es que aquí dentro del disco suena realmente fantástica, es como si te liberara de toda esa tensión de esa parte final y nos despide como no podía ser de otra forma cuando hablamos de música latina, bailando. Una canción pop/reggaeton perfecta para olvidarte de todo lo malo.

X100PRE es primer disco de Bad Bunny es su regalo navideño al mundo, y lo que quiero decir es que no esperó nada cambio por él. No lo hizo para vender y tampoco para impresionar a la crítica (aunque igual lo logró), sólo quizo demostrar quien es él en realidad, algo que no pudo antes por la forma desfasada en que el mundo del reggaeton se sigue manejando.

Es un gran debut, pero como toda primera obra no está exenta de fallos o cosas por mejorar .empezando por la simplista portada o la forma en que está escrito el título (¿Y este blog no hace acaso lo mismo? Naaa), pasando por temas que se nota que no fueron muy inspirados o trabajados (No creo que de verdad la maestra le haya dicho cuando niño que fuera bombero, suena a rima poco rebuscada y hace que la canción no se sienta personal cuando debería). A excepción de "Estamos Bien" ningún tema de este disco (reitero, en su mayoría muy buenos) está llamado a ser un clásico del artista en el futuro, algo en que varios de sus sencillos previos sí pueden entrar. El pequeño detalle está en que éstos no miran todavía hacia adelante, más bien se quedan en el pasado o se inspiran en él sin aportar algo más que no sea sofisticación en la producción (Otra noche en Miami, Tenemos que hablar).

Pero tranquilos, este disco tardó sólo 6 meses hacerse y recuerden que obras como "Blonde" de Frank Ocean tardaron 4 años en gestarse. Confió en el talento del Conejo Malo y pienso que puede darnos un disco superior a éste ya con más tiempo y sin menos presión personal para sacarlo. Su clásico todavía no llega así que hay que tomar a este álbum con más tranquilidad (Don't belive the hype) y verlo por lo que es. No es el trabajo de un artista consagrado musicalmente pese a que ya tenga 2 de éxitos o la panacea del Latin Trap, sí es un estupendo debút que lo pone como el actual e imbatible "rey del pop latino".

Puntaje del disco