PAÍS: PUERTO RICO

"Mi flow no creo que venga en tu medida, yo hago lo que quiera, cabrón, es mi vida" (Benito Martinez Ocasio, Yo Visto Así).

Me vi obligado a reseñar lo nuevo de Bad Bunny, pues ya es el tercer material que saca en este 2020 y aún no he hecho una critica como tal de ninguno de ellos (Aunque hay un de peor a mejor de YHLQMDLG). Y sí, fueron ni más ni menos que tres discos con 9 meses de diferencia, algo muy meritorio por donde se lo mire, pero eso no significa precisamente que los tres vayan a tener una excelente calidad. Pero tranquilos, ni los Beatles pudieron lograr tal hazaña de lanzar tres discazos en un año como... ¿sí lo hicieron los Brockhampton?.

Está más que claro que el álbum por el que más trabajó Benito de estos tres es YHLQMDLG que salió tras más de un año de su debut X100PRE y dio una vida más al reggaeton, y así se siente cuando lo escuchamos, como un disco bien maquinado. En cambio "Las que no iban a salir" es como su nombre lo dice un material de descartes con colaboraciones estelares como la de Don Omar pero que suena totalmente a eso, descartes.

Y este último, que lleva el título "El último tour del mundo" es como ya lo vienen comentando en internet, el más arriesgado de los tres, en donde Bad Bunny decide experimentar con nuevos sonidos tras haber complacido a la comunidad reggaetonera con sus dos anteriores trabajos. Todo indicaba que nos volveríamos a encontrar con el mismo artista que parecía no ponerse límites de su álbum debut, pero lastimosamente no apareció con las mismas ganas y convicción de esos tiempos.

Eso sí, disco suena genialmente producido y es lo primero que te engancha cuando lo escuchas, pero aquí las que fallan directamente son las canciones. Hay un montón de ideas buenas dispersas por allí y por allá, pero al parecer no consolidadas como se debía a falta de tiempo u otros motivos como el propio agotamiento del artista.

Pero hay que poner un énfasis especial al tema del tiempo, pues este es el álbum que prometió el conejo malo en el último track de YHLQMDLG titulado  "<3" en donde decía que en nueve meses sacaba otro disco para luego retirarse (una cuestión que ya fue desmentida por el artista). Se puso el mismo una meta muy difícil para cualquier artista (por más que tuviéramos el confinamiento) y quizás por ello es que se siente que todo el proyecto cuenta con muy buenas propuestas que con más trabajo en las letras y sobre todo un poco más de  ambición en la música, podrían terminar siendo algo más legendario.

Bad Bunny es un artista que como dice su eslogán "hace lo que le da la gana" pero lastimosamente no piensa ir más allá. Si nos enfocamos en la música que hay aquí nos encontramos con creatividad pero también con falta de ambición. Claro, vuelve demostrar que le gusta experimentar con sonidos que no son propios del género urbano, pero haciendo cosas que ya se han hecho antes (y mejor) sin aportar por lo menos algo más, y desaprovecha otra oportunidad que podría utilizar para  buscar una evolución misma en él como artista.

Las letras son las mismas que siempre acostumbra a cantar (excepto que ahora se desquita con los críticos de su premio al Compositor del Año, como si realmente le hubiera afectado ese hecho), tocando los mismos temas (otra vez aparece el trauma que tiene con la navidad y las fiestas), con las referencias de siempre a la cultura popular que ya no suman y restan (Juan Gabriel y Jack Black en un mismo tema por ejemplo) e incluso ahora sin los versos ingeniosos, atrevidos y twitteables que lo caracterizaban. Todo resulta muy simple, en piloto automático, hasta pareciera ser que fueran improvisaciones sobre situaciones puntuales en cada canción.

Es la muy buena producción detrás a cargo de casi 18 sujetos diferentes la que maquilla esta cuestión, con estilos más alejados al reggaetón en un momento de la vida de muchos en donde no podemos salir a bailar aún, una muy buena apuesta. Pero aún así estos riesgos que se toman son como contenidos para no sonar tan alejado a lo que es Bad Bunny, porque aunque quiera parecer un disco más indie, "El último tour del mundo" sigue siendo un álbum muy pop.

Casi no hay salto de calidad como ya lo había logrado en temas como "Solo de Mi", "Estamos Bien", "Vete" o incluso "Safaera" en donde se notaba que las canciones eran bien pensadas, trabajadas y se priorizaba en cierta parte el concepto. Esto solo indica que al parecer ya pudimos disfrutar del techo del puertoriqueño (a menos que la cuestión sea el agotamiento), que por más que quiera flirtear con otros estilos ahora, ya no se muestra decido a a dar unos pasos fuertes como artista. El ahora es así, canta así y hace música así, pues lo que le da la gana.

Si por ahí lo pensamos en algún momento, ya debemos dejar de creer que él es y será nuestro Kendrick Lamar, Kanye West, Frank Ocean o hasta The Weekend. Bad Bunny es más como Post Malone, Travis Scott o los nuevos raperos que salen hoy, que no harán un disco que revolucione la música pero que sí son genios para hacer hits que salten a los mejores puestos del Billboard.

Sin embargo, aunque este claro que este fue un disco no pensado como una colección de hits, hasta  en "pegarla" fallo este material, que carece de estribillos memorables como por lo menos sí lo tiene su single de adelanto "Dákiti". La tan esperada colaboración con Rosalía "La Noche de Anoche" resultó ser una tremenda decepción casi inaceptable, pues ellos bien saben que son los artistas iberoamericanos del momento y que las expectativas hacia una canción con sus nombres serían altas. Si colaboraban debían buscar hacer un hit no un downtempo reggaetonero. 

Me gustó mucho más la que hizo con ABRA, "Sorry papi", pero es porque la que más destaca es ella, en el muy buen logrado estribillo. Esto me hace pensar en otra cuestión y es que no hay duda de que Bad Bunny no tiene los mejores dotes para cantar y un disco con una atmósfera más tranquila como este no le favoreció en ndad cuando lo intenta hacer en temas como "Te deseo lo mejor" o "Haciendo que me amas", a excepción de "Trellas" en donde realmente no lo hace tan mal imitando un poco el estilo melódico de Cerati o León Larregui.

Resulta ingenioso y cómico el dúo que conforman el pesado trap "Hoy Cobré" y el sorprendente new wave "Maldita pobreza", en donde sí se explotan mejor sus dotes, porque no canta pero sí utiliza su voz para darle personalidad a las canciones (También lo hace en "Booker T"). El otro reggaetón del disco "Te Mudaste" por otro lado es flojísimo, muy olvidable, repitiendo la misma formula de siempre en donde "chingar" es la palabra favorita. Ah, y ¿"La Droga"?, pues también es un tema del montón en donde vuelve a hablarle por enésima vez a una ex (Pero ahora menciona a Maná).

La última parte del trabajo es sin dudas la mejor, con temas destacables como "120" o "Antes que se acabe" de una estimulante incursión electrónica. Luego está el sorpresivo final con la versión original de "Cantares de Navidad" del conjunto puertoriqueño Trío Vegabajeño, la cual es tan genial que hasta se puede decir que en materia compositiva es la canción más solida que escuchamos en los casi 50 minutos. Creo que si otro hubiera sido el concepto del álbum (uno más nostálgico) esta incursión creo quedaría mejor, otra vez es una muy buena idea pero que quedó desaprovechada.

Para terminar, en la reseña de X100PRE había dicho que no le ponía una nota más alta a ese disco porque veía en Bad Bunny el talento para hacer discos que fueran mejores.  Ya con 2 años que pasaron y 3 discos más (4 si contamos "Oasis"), puedo decir que me equivoqué, tomé el riesgo y fallé. Al escuchar todos estos nuevos trabajos y luego nuevamente su debut, me di cuenta que aquel álbum fue realmente su cima y que ahora progresivamente como que nuestro Benito se nos va desganando. Él mismo dijo para la Rolling Stone que ya estaba cansado de la vida llena de giras y que quería darse un tiempo. Ahora parece forjará una carrera actoral y puede este breve receso le haga bien para en un futuro traer nuevas ideas.

"El último tour del Mundo" es Bad Bunny, o lo tomas o lo dejas, ya no le puedes pedir más que esto (de momento). Él es sin dudas una máquina de hits que desde Daddy Yankee no teníamos, pero así como lo fue él  Benito no es un artista de álbumes, o por lo menos que piense en superarse en cada uno que sigue, él solo piensa hacer lo que le da la gana, y está bien, se ganó ese derecho.

 ★ ÁLBUMES 2020 ★

PAÍS: PUERTO RICO

"El rap es un deporte para mucha gente, y nosotros lo estamos practicando" (Füete Billëte para Rapetón).

Tuvieron que pasar 7 años para volver a escuchar nuevamente a la que fuera la primera gran propuesta de trap hecho en español con un nuevo álbum, el trío de traperos Pepper Kilo, Beiibi Johnson y FreeBass que juntos son conocidos como Füete Billëte, aquellos que rompieron los esquemas con Música de Capsulón allá por el 2013.

Ocurrieron muchas cosas durante ese tiempo y una de ellas fue que el fenómeno que ellos mismos crearon en el under centroamericano se volvió en la nueva tendencia de la industria de la música con artistas como Bad Bunny, Anuel AA o Myke Towers. Pero ¿se llevaron el crédito por iniciar esta nueva ola en latinoamérica? Pues no, porque ellos en ningún momento se sintieron interesados de formar parte del nuevo movimiento.

Füete Billëte son otro ente distinto, unos sujetos con alma de rockeros haciendo trap rap  por gusto y no por el dinero o la fama. Por ello se explica que su álbum debut (el anterior puede considerarse una mixtape), el cual llegó con 7 años de retraso no haya sido promocionado y hasta hoy en día pareciera ser que solo los fans acérrimos y algún que otro ser humano producto del boca en boca conocen de su existencia.

Este título se llama "MMXX", simbología para 2020 en números romanos , un nombre que según el grupo surgió por el año de mierda que hemos tenido y el cual todavía no acaba, por eso nada mejor que escuchar las canciones que venían componiendo en estos tiempos antes de que el mundo también se acabe.

La portada es una imagen del personaje Bat Boy de la revista norteamericana de noticias falsas Weekly  News, pero con unos pequeños añadidos como aretes y dientes de oro. Al parecer no tiene un simbolismo y solo forma parte del humor que caracteriza al grupo (Cuentan que ya habían intentado usar esta foto para el disco anterior), pero representó correctamente el regreso del trío, justo unos días antes del Halloween de este año.

El disco cuenta con 20 tracks pero no se hace tan largo como puede parecer. Vuelve a contar con algunos skits entrenidos que van desde un homenaje al cheesecake, un rechazo a asistir a un concierto virtual, un discurso de Hector el Father o  la intro que abre el disco "MMXX" en donde la voz de un narrador expresa el deseo de que la maldita pandemia del coronavirus se termine para que así la gente pueda volver a soltar toda la lujuria y vanidad que lo caracteriza. 

Creo por ese lado va el concepto del álbum, las canciones representan unas ganas de "liberación de la lujuria" humana contenida, por eso van acompañados por una producción que hacen que todas las canciones tengan ese sonido sombrío. "100" representa de buena manera esa sensación, un regreso brutal que animaría perfectamente una fiesta post pandemia.

"Isla Piedra" es breve y efectivo en donde las letras vuelven a rendirse ante el pecado mientras que la siguiente "Mas Na" es con seguridad la mejor canción del álbum, él único con alguna pizca de romanticismo que no llega  a impone a la temática sexual de la pieza que cuenta con un estribillo sensacional.

"Hector" es súper adictivo y supone una comparación interesante sobre lo que el Father le dió a reggaeton antes con lo que Fuëte le dio al trap a latinoamérica ahora. Es una tirarea para todos los traperos de hoy que por más que lo intenten no van a llegar a ser como sus "pai".

"Pinocchio" es todo un hit a primera escucha de un lúgubre sample de piano que cuenta con la colaboración de una de las muy nuevas apuestas del trap en español como lo es Gaby Chuleta. "Perros" es otra joya que te engancha al primer contacto con su coro pegadizo y "Bájale" nos se queda atrás, nuevamente tirando dardos a otros personajes de la industria.

 Sí, no todo es genial, en la segunda parte del álbum se puede notar un bajón considerable con respecto a la primera que fue realmente de un nivel altísimo  pero también cuenta con algunas canciones interesantes como "Nml" o la instrumental "Sex Beat Baile". Ya recién hacia el final vuelve a recuperar algo con la gansteril "A Perico y Pala" o la estelar colaboración de la chilena Tomasa del Real en el cierre "Tribales".

En líneas generales "MMXX" es un disco muy bueno pero pudo haber sido mucho mejor si se prescindía de algunos temas que caían en la repetitividad y que solo se salvan por la gran producción general de todo el trabajo, muy distinto de lo tan comercial que se ha vuelto el trap en español hoy en día. Es un gran álbum de regreso, de esos rompedores que los fans se merecen por haber esperado tanto tiempo.

★ CANCIONES 2020 ★

PAÍS: PARAGUAY

"La noche se hace cómplice de este ritual, la luna llena ilumina con intensidad. Los demonios danzan a tu alrededor, no dejes de liberar los pasos prohibidos" (Gatonegro, Pasos Prohibidos).

Gatonegro es un trío de post punk asunceno que sorprendió el mes pasado con un grandioso álbum debut publicado silenciosamente en la red. Este se titula "Demo" y como bien lo indica este nombre, se tratan de maquetas sin mucho trabajo de producción con el fin de dar a conocer a la banda.

Pero la calidad de las canciones están y ese carácter amateur colabora haciendo que el sonido se sienta casi sucio y más oscuro aún (tal y como les gusta hoy a una nueva generación de post-punk lovers), congeniando para que termines enganchándote con el trabajo.

El tema para destacar es el de apertura, "Pasos Prohibidos" con una batería potente y un bajo asesino que van preparando la llegada de un riff de guitarra inicial demoledor y contundente. La letra que es casi imperceptible (para mi el mejor detalle del álbum es ese, como que la voz se escucha más alejada y cubierta por paredes de sonido como ocurre el shoegaze) nos habla de una especie de ritual endemoniado en donde debes cumplir con ciertos pasos, mientras en el coro alguien te grita "No, no te detengas no" para que no recules.

La verdad que estamos ante fantástica pieza de post punk dentro un fantástico debút cuando el año ya parecía que no nos traía algo nuevo a nivel nacional y que definitivamente podemos presenciar muy pronto una ola nueva de bandas post-punk en Paraguay pero apuntando más a un sonido más oscuro como la moda lo impone.

 ★ ÁLBUMES 2020 ★

PAÍS: INGLATERRA

"Song Machine se alimenta de lo desconocido, funciona con puro caos. Así que, pase lo que pase, estamos preparados y listos para producir como si no hubiera un mañana. Ya sabes, por si acaso" (Russell Hobbs de Gorillaz, nota de prensa).

Lo de Damon Albarn ya roza lo extraordinario. Más de 30 años en la música y todavía sigue siendo relevante para el mundo del pop y su ambición musical y ganas de experimentar siguen intactas. Existen muy pocos ejemplos como él que hayan tenido éxito en 4 décadas consecutivas (90s, 00s, 10s y 20s) y me atrevo a decir que hoy es el artista vivo que supera los 50 años más relevante.

Esto me recuerda a aquel breve beef virtual que tuvo con Kanye West que técnicamente Albarn ganó cuando le dijo al de Chicago "Yo no sampleo, creo música". Hoy por hoy se puede considerar la carrera musical de West culminada mientras que la de Damon parece tan fresca como la de su juventud, y sí, eso se debe a que posee el talento para crear música, es un genio en ello, aunque no siempre esta virtud le ha favorecido.

En la década anterior había iniciado con un estupendo álbum como "Plastic Beach" (2010) con Gorillaz, la banda de dibujos animados junto a Jamie Wellet, más tarde vendría su gran debut en solitario "Everyday Robots" (2014) y el regreso triunfal de su antigua banda Blur con "The Magic Whip" (2015). 

Luego de ello, las cosas no fueron del todo bien para el británico cuando dos años más tarde salió el pretencioso en inconsistente "Humanz" (2017) y su continuación "The Now Now" (2018) que si sumamos al otro proyecto de Gorillaz que hace poco confesaba Damon que no estaba terminado, "The Fall" (2011), simplemente los tres no han dado la talla y quizás eso se debía a que Albarn no supo controlar su inquieta creatividad y el gran abanico sonoro que le proporcionaba crear música para la banda virtual.

Por estos antecedentes es que muy pocos han mostrado un gran entusiasmo ante el nuevo y novedoso proyecto de Gorillaz llamado "Song Machine" que como si se tratase de una serie documental oportuna en esta época del auge de Netflix, fue lanzando una canción en cada mes junto a un video que mostraba su proceso creativo junto al artista con quien se ha colaborado. Los sencillos eran buenos, pero era muy probable que estos fueran los tracks más destacados del álbum y que ya hayamos probado todo lo mejor de él. Así, como ya es costumbre a día de hoy, puede nos encontráramos con un trackslist extenso y con canciones que no sean tan geniales como otras (Hay incluso quienes nos han asustado con una supuesta colaboración de Bad Bunny en el álbum).

Tal cosa no pasó pues la primera temporada de esta serie (que continuará el año que viene) solo consta de 11 episodios (y 6 rellenos en la versión de lujo). Una decisión acertadísima que creo fue así para administrar precisamente la inmensa creatividad de Damon Albarn que no para de componer y está muy bien, pero que en cierto momento ya necesita también hacer el uso de la tijera en la selección de las canciones que conformen un álbum. Así la decisión de dividir el proyecto en temporadas, luego capitulos que no superen los 14 hará que sus trabajos mantengan una consistencia, sin tener que juntarlos todos y crear algo no muy agradable.

"Song Machine, Season One" que lleva el subtítulo de "Strange Timez" no es un disco muy diferente de lo que se puede esperar de Gorillaz, con canciones que te levantan el ánimo o te ponen en "mood tristón" y colaboraciones tan destacadas en cada canción como las leyendas Elton John, Robert Smith, Beck que se integran con los de la nueva generación como 6LACK, Slowthai o Skepta. Tambien la amalgama e estilos e influencias es muy de lo que se puede esperar de Damon Albarn, aunque hay sorpresas como los homenajes a New Order o incluso de The Clash.

El disco no inicia con todo, creo que a partir de la 3 o 4 pista es en donde terminamos por engancharnos con el hasta que llegan los temazos hacia el final. Se abre con la colaboración del vocalista de The Cure "Strange Timez" un oscuro techno rock y synth pop a la vez con algo de caos que no nos dice mucho todavía del conjunto pero ya nos estimula. 

Una línea de bajo funky nos levanta el ánimo y pone a bailar en "The Valley of the Pagans" un muy resultón dueto junto a Beck al que le sigue una sorprendente  "The Lost Chord" mucho más atmosférica y nostálgica en donde Albarn le sienta mejor y en donde se destaca la colaboración de Leee John, ex líder de Imagination.

"Pac-Man"  junto a Schoolboy Q, trae a los Gorillaz clásicos de principios de los 2000, más hipoperos  y freakys mientras que "Chalk Tablet Towers" con St. Vincent en los coros nos devuelve a los más actuales de himnos pop, como este y sus irresistibles "oh oh oh oh-oh" para poder acompañarlo en un concierto, tristemente en un año en que estos se han ido.

"The Pink Phantom" es uno de los temas centrales (de hecho está en el medio), el punto más melancólico del álbum con una canción amor a lo Supertramp como las que ya no se escuchan a día de hoy en la radio y en donde Elton John vuelve a estar impecable. He leído muchas críticas por la participación de 6LACK pero creo que lo hace decentemente creando un puente hasta la llegada del climax con Elton.

"Aries" es y fue en su momento la gran sorpresa, un claro homenaje a la música de New Order, pues claro, colabora nada más y nada menos que Peter Hook su gran bajista (aunque hay quien el inicio les pueda recordar igualmente a Radio Ga-Ga) y también a una de las nuevas apuestas del synthpop como lo es Georgia. Tiene algo juvenil y está tan lleno de energía que recuerda a sus mejores momentos en Blur. Luego "Friday 13th" nos trae devuelta al presente junto al rapero Octavian en una canción trap con influencias jamaiquinas.

La cosa se pone sentimental hacia el final con "Dead Butterflies" en donde 2-D , el personaje de Damon Albarn nos canta sobre una relación fallida mostrándonos como "flota" sobre un beat trapero como casi nunca lo hemos escuchado. Lo hace acompañado de Roxani Arias que tira unas líneas en español y el rapero Kano.

La canción principal del disco es sin dudas la pieza en frenchglish "Desolé" junto a la maliense Fatoumata Diawara que aquí gana protagonismo en una versión extendida que supera los 5 minutos. Una que entra directamente como una entre las canciones más destacadas del grupo.

El disco se cierra con "Momentary Bliss" y ahí el extrovertido Slowthai vuelve a hacer de la suyas junto a sus viejos conocidos de Slaves. Las guitarras punk con influencias de Ska y el coro fiestero nos hacen pensar obligadamente en The Clash y casi cualquier grupo del género en el Reino Unido. Es de esos cierres que nos dejan con ganas de más y de hecho lo habrá el año que viene. Pero si lo quieres ahora mismo,la edición deluxe tiene hasta 6 nuevos temas, incluido aquel single junto al recientemente fallecido Tony Allen.

"Song Machine, Season One" es un disco que a estas alturas no viene a demostrar nada que no sea que Damon Albarn es un grande del pop y que no sabemos hasta cuando llegará toda su genialidad.

Especial para: Imaginar que estas en un concierto de Gorillaz mientras extrañas estar en uno.

★ CANCIONES 2020 ★

 PAÍS: PARAGUAY

"Yo solo lo intenté pero pareces inquebrantable, yo solo lo intenté pero no puedo dejarte ir" (Juan Pablo Semidei & Giulio Bello, Everlasting).

Veceere es un proyecto de dream pop de guitarras surgido apenas a finales del año 2019 por el dúo creativo conformado por por Juan Pablo Semidei y Giulio Bello al que luego se le sumaron Stephanie Campuzano en el bajo y Gustavo Torres en la batería.

A principio de año sorprendieron con el muy prometedor EP "Autumm", un variado trabajo mayormente calificado como indie rock que como lo indicaba su título resultaba especial para escucharlo durante la estación otoñal, con ritmos relajantes al mejor estilo de Real Estate o Kurt Vile.

Rápidamente el grupo intenta instalarse en el panorama alternativo de nuestro país, pues en un tiempo récord (quizás aprovechando los días de confinamiento) ya vienen preparando el que será su álbum debut que llevará el nombre de "Some Evening Coffee" y del cual nos han anticipado su primer sencillo hace unos días.

Esta canción lleva el nombre de "Everlasting" y así como se puede escuchar se siente de momento que es la composición definitiva del grupo. Guitarras ejecutadas delicadamente y una batería bien marcada conforman el ritmo de la canción que justo cuando más lo necesitas vienen acompañadas por sintetizador entrando junto al estribillo lleno de sensibilidad y nostalgia, en donde ambos vocalistas se comparten protagonismo cual dúo.

La letra nos habla de un tiempo pasado que dejó una cicatriz y una persona a la cual ha resultado difícil de olvidar. La música de "Everlasting" (eterno) representa fielmente ese sentir y eso es lo que hace aún más especial a la canción y que sea la que más conecte del repertorio del grupo de momento.

Sin dudas una de las bandas de mayor proyección actualmente de nuestro país que con cada lanzamiento van sorprendiendo.

 ★ CANCIONES 2020 ★

PAÍS: ESPAÑA

"Un WhatsApp sin abrir, hablando de cosas que no dicen nada pa' ver si aún estás" (Anton Álvarez).

 ★ ÁLBUMES 2020 ★

PAÍS: IRLANDA

"Siento que mi historia aún no se ha contado pero haré mi propio final feliz" (Róisín Murphy, Murphy’s Law).

"Róisín Machine" es el título del nuevo álbum de la cantante y compositora irlandesa ex integrante del grupo Moloko, Róisín Murphy, y en él puede interpretarse como un enalze a la artista y su capacidad de crear tanta buena música cual una maquina, pero la verdad no es así. El título solo tiene la intención de que el mundo pronuncie bien su nombre; es un ejercicio de fonética pues Róisín no se pronuncia así tal y como se lee sino "Roshín" sonando muy parecido a como suena Machine en inglés (El título se pronunciaría "Roshín Mashín") y la verdad que es un ejercicio muy efectivo.

Pero este disco no solo ejercita tu verba sino también tu cuerpo bailando con algunas piezas grandilocuentes de música disco futurista como solo "La roshi" podría entregárnoslo mejor en un año en donde este género y las artistas femeninas se han llevado muy bien (Dua Lipa, Lady Gaga, Jessie Ware). Si bien varias de las composiciones aquí deambulan por el pop o tienen esa intensión, no terminan de serlo por la ambición de esta artista que cuando tiene posibilidad aprovecha para alargarlas con pasajes de sintetizador o algunos arreglos de cuerda. Solo "Incapable" no supera aquí los 4 minutos pero debemos recordar que se trata de una versión más corta de la original.

Debo decir que de todos los trabajos de genero disco que han salido este año este es el más interesante de todos pues música disco pura, no coquetea con otros géneros como sí la han hecho las demás, es un homenaje más sincero de esa época setentera cuando Giorgio Moroder introdujo los sintetizadores en la música de baile y todos se sintieron como en una fiesta en el espacio exterior. Y no solo homenajea a la música sino tambien se homenajea a ella misma y a su carrera que pese que ya lleva años construyéndola siempre se reinventa y este al parecer es un nuevo comienzo.

No me detendré en cada canción pero sí he de decirles que escucharlo fue un disfrute de principio a fin, conteniendo algunos temazos como "Something More" que te engancha desde su coro inicial o la placidez de "Shellfish Mademoiselle". El gran himno del material es "Incapable" que ya fuera una de las canciones del año pasado y que deja a una sucesora para este 2020 con "Murphy's Law". Y si "We Got Together" podría durar todo un día y no aburriría.

"Róisín Machine" es como esas fiesta móviles (o caravanas) que aparecen de repente (curiosamente inicia con un fade in y termina con un fade out) y que alegran a toda una ciudad, invitándoles a subirse al carro y también unirse a un baile interminable. Nada más que esta vez a quienes alegra es... ¡a todo el  mundo! pues todos los habitantes de la tierra en este 2020  ya quedaron golpeados por tantas desgracias. Este disco te levanta el animo y hace que te olvides de esos problemas.

★ ÁLBUMES 2020 ★

 PAÍS: ESTADOS UNIDOS

Sí, el tiempo no cambiará esto, esta promesa que hicimos. El tiempo no cambiará esto, nos quedaremos" (Chino Moreno, Ohms).

"Ohms" no pudo ser un título más perfecto para un disco de Deftones por la dualidad se su significado. Puede interpretarse como una referencia a la Ley de Ohm la cual trata sobre la intensidad de la corriente en los circuitos eléctricos, como también puede decirse que es una referencia a la frase tan utilizada en la meditación para llevarnos a la liberación espiritual.

Y así es la música de Deftones, la unión de dos mundos tan bien congeniados en donde la agresividad de las guitarras y los quejidos de Chino Moreno se entrelazan con armonías sublimes del post-rock, el shoegaze o el ambient y en donde se nos hace difícil resistirnos a las celestiales melodías de su vocalista.

Para su noveno álbum de una discografía impecable vuelven a su zona de confort volviendo al estudio junto a Terry Date, luego de haber abrazado el pop en su último trabajo "Gore" el más accesible que hayan grabado y por cuya continuación temíamos lo peor, pues muchas bandas ya pasaron por lo mismo. Pero los de Sacramento no son como las otras bandas, son únicas en su especie y de las pocas a las que podemos comparar con una botella de vino, porque a medida que pasa el tiempo hasta pareciera que se ven con más ganas de hacer música.

Para "Ohms" vuelven a ser más protagonistas las guitarras pues como ha confesado la banda, el dueño de ellas Stephen Carpenter no había estado tan conectado en el trabajo anterior y para este decidieron entonces darle más preponderancia. Gracias a ello tenemos riff magníficos como una agresividad tan contagiante en el álbum.

También se caracteriza por sus varios pasajes ambient muy al estilo Brian Eno en donde los sintetizadores tienen un impecable trabajo para que nos conectemos y casi nos sintamos presentes en esas canciones que van una tras de otras como si fuera una sinfonía.

Con juntando esas premisas tenemos a la apertura "Genesis" que inicia como si un tema de rock progresivo fuere para luego irrumpir con imponente número rockero marca de la casa. Inmediatamente al terminar ese tema tenemos a  "Ceremony" saludando con un riff de punte de guitarra para luego pasa a unos excitantes "It's an illuuusion"...

"Urantia" inicia con un guiño al thrash metal para luego pasar a una lisérgica melodía shoegazing , de las mejores que encontraremos en este álbum. "Error" más que eso es todo un acierto, imponente track que nos eleva a los cielos y que solo tiene respiro al final con su pasaje experimental.

"The Spell Of Mathematics" me encanta y no solo por su tan reconfortante estribillo, sino por las palmadas y chasquidos de dedos como percusiones hacia la mitad que demuestran la creatividad intacta de este grupo de señores que ya rondan cerca de los 50 años y siguen haciendo música mejor que muchos veinteañeros.

"Pompeji" es otra enorme demostración del intacto talento que tienen, dividido en 2 partes una rockera y otra ambient. En "This Link Is Dead"  crean una pared de sonido difícil de derribar, incluso por la voz con megáfono de Moreno, es otra canción en donde las guitarras se lucen y en donde sumamos a "Radiant City" que es como esa canción de Deftones que que ya hemos escuchado siempre pero que queremos volver a escuchar, temazo.

Y no señores, el disco no flojea en  ningún minuto, pues su parte final es incluso más sublime. Ahí tenemos a la experimental y cambiante "Headless" o la composición perfecta del álbum que por algo se titula igual a trabajo, "Ohms" con un riff de guitarra sensacional y una cadencia única que lo pone como un candidato serio a canción del año, cerrando como se debe otro álbum redondo de los más grandes el nu metal.

Cuando vas a escuchar un disco de Deftones ya sabes con que te vas a encontrar y este trabajo nos da específicamente eso, nada más y nada menos. Su formula sigue funcionando tras 25 años y es porque todavía mantienen esa pasión por la música que se nota en cada álbum. Por más discos así y por más bandas así.

Puntaje del disco

★ CANCIONES 2020 ★

PAÍS: ARGENTINA

"Nadie ve lo que te hace sufrir, si no existe mímica al sentir. Tan solo observa la selva abierta de tu expresión cuando se expande al exterior". (Vera Spinetta, Incesante).

Vera Spinetta es la hija menor del extraordinario músico argentino Luis Alberto Spinetta, joven actriz de 28 años que al igual que sus hermanos varones decide por fin expresar toda esa musicalidad que lleva en los genes con su disco debut "Terso".

Los extranjeros como yo y amantes de la música la habíamos conocido primeramente por la serie "En el Carrousel" en donde se encontraba con grandes músicos de su país y les hablaban de sus canciones especiales. Mas recientemente pudimos notar la gran conexión que tuvo con su padre gracias al documental de National Geographic sobre la vida Spinetta.

Resalto esta parte pues al reproducir "Terso" es difícil no escuchar también a "el flaco", es como si esa conexión continuara y Vera a diferencia de sus hermanos, haya heredado una parte mucho mayor que la de sus hermanos de ese conjunto de sensaciones que solo Luis Alberto provocaba.

Claro, hay que salvar las diferencias, pues este es un disco netamente electrónico aunque bastante bien producido, eso sí, con el paso de las canciones como que la intensidad va decayendo, pero nada anormal para no ser considerado un buen debut. En cuanto a las letras son poesía pura al mejor estilo de su padre, inspirados en gran parte por la llegada de su segundo hijo de nombre Azul.

La canción más resaltante del álbum es su apertura "Incesante", con el cual ya se puede saber a hacia qué dirección va el trabajo. Un número electrónico con gran influencia de la música de Björk, pero también tiene algo de la atmósfera del Kid A de Radiohead. La letra habla sobre expresar generalmente los sentimientos.

Hay que decirlo, la faceta musical de Vera Spinetta resulta muy interesante, tanto que hasta puede que haya hecho una de las canciones del año.