Puntaje de la canción

El año pasado, Perras On the Beach se solidificó como banda a la vez que se convirtió en uno de los pilares del indie rock argentino gracias a su segunda placa discográfica "Flow de Cuyo" en donde la"psicodelia millennial" no pudo faltar.

Es por eso sorprende que no se hayan dormido en los laureles y sigan grabando (Una banda que llega al éxito normalmente se toma su tiempo). El viernes pasado sorpresivamente la agrupación de Mendoza nos entregó a traves de la plataforma Youtube un EP de 2 canciones (o un single de 2 caras) que nada tiene que envidiar a las canciones del disco anterior, o más bien todo lo contrario.

El EP "Película" contiene a la canción titular como lado A y a "Viaje alucinante al centro de la mente" como lado B, siendo la primera las más destacada por su inmediatez de guitar pop a lo Mac DeMarco.

La canción va dirigida a una chica cuya presencia hace que Simon se sienta completo y como en una película (descrita en el viaje psicodelico que divide las dos canciones presumiblemente). El sonido de la canción suena muy limpio casi como nunca antes habíamos escuchado en la banda, lo que habla bien de la evolución que están teniendo y pese a su corta duración de 2 minutos clavados es una gozada por el mood alucinógeno que presenta.

¿Sera el anuncio de que se puede venir algo más grande?

Mañana los británicos Arctic Monkeys iniciaran su gran gira por sudamérica como nunca antes lo había hecho, una que los llevará a Perú, Chile, Argentina, Brasil, Colombia y por supuesto a nuestro país Paraguay por primera vez el día jueves 28 de marzo.

Será una linda oportunidad para ver a una de las bandas de rock más consistentes de los últimos 15 años, parte integrante de esa santísima Trinidad del indie rock que conforman ellos junto a Franz Ferdinand (quienes ya vinieron 2 veces) y The Strokes (una cuenta todavía pendiente).

También para ver a uno de los mejores liricistas de nuestro tiempo sobre el escenario, Alex Turner, y a uno de los mejores baterías en acción como lo es Matt Helders. Es el momento ideal para ver a toda la banda, una ya madura (pero lo suficientemente joven y vigorosa) con 6 álbumes de estudio en su haber y un repertorio lleno de canciones que marcaron época desde principios de los 2000 hasta hoy.

Por ello es que me tome la tarea de que la siguiente lista que publique sea una con las mejores canciones de los Arctic Monkeys, en honor a su visita como ya lo hiciera el año anterior con Gorillaz.

Es un top 35 idealizado para que también funcione como playlist que contiene las mejores composiciones de la banda a mi criterio, las que tranquilamente son clásicos de su catálogo. Confieso que fue uno de los rankings que más me costó hacer pues las canciones de los "monos" tiene un nivel bien parejo para arriba.

Sin nada más que decir, que disfruten de la buena música como previa a su show en los próximos días (Aclaración: las descripciones de las canciones comienzan en el top 10)

TOP 35 DE LAS MEJORES CANCIONES DE ARCTIC MONKEYS

09) The View From The Afternoon
Álbum: Whatever People Say I Am, That's What I'm Not 
Año: 2006
Duración: 3:38
08) Star Treatment
Álbum: Tranquility Base, Hotel + Casino
Año: 2018
Duración: 5:46
07) I Wanna Be Yours
Álbum: AM
Año: 2013
Duración: 3:04

Robert Plant de Led Zeppelin odia "Starway To Heaven", Thom Yorke de Radiohead odia "Creep, Kurt Cobain sentía vergüenza de "Smell Like Teen Spirit" y sí, Alex Turner de Arctic Monkeys odia a "I Bet You Look Good On The Dancefloor" ¿Por qué? Porque al igual que en los casos anteriores se trata de su mejor canción.

Una canción que pudo ser compuesta en los 60's, 70's, 80's, 90's u hoy, no importa es totalmente atemporal porque un clásico instantáneo,  desde la entrada de la guitarra que va como arrancando y que es apoyado por la batería hasta poder despegar en un post punk revival fascinante en sus casi 3 minutos.

Fue el hit que los volvió famosos en todo el mundo, un tema sobre conquistar a una chica que seguramente se debe ver muy bien  en la pista de baile, fue así de sencillo hacer su mejor canción.

Y para vos ¿cuál debería de serlo?

"Esto es solo mi FUTURO, esta canción es sobre nosotros para siempre ¿Estás listo? ¡Nunca antes visto! Es justo lo que imaginé" (Future, Chai)

Seré directo, "Punk", el segundo disco de la banda japonesa CHAI conformada por Yuki, Yuna, Mana y Kana es un sorprendente "sí" pero creo que es más parte de una moda del momento, en donde todo lo exótico y nuevo llama la atención al mundo (Recuerden que hasta a J Balvin le pusieron ese calificativo).

En sus 10 canciones el disco nos presenta un pop algo caótico, llegando a momentos excitantes en algunos casos o en donde las mismas se vuelven poderosas potenciadas por los mensajes algo feministas. Las letras son simples y directas (de lo poco que puede asociarse al punk como lo sugiere el disco) en un vaivén entre el inglés y el japonés que resulta entretenido por lo diferente que se se puede escuchar (La música cantada en idioma oriental no es de mi preferencia, poco y nada sé de ella).

El estilo general del álbum es sencillamente un "pop rock" en donde no faltan los sintetizadores si hablamos de artistas nipones. Por momentos suena sofisticado y muy melódico recordando a propuestas recientes como la de Alvvays, Chvrches o el "After Laughter" de Paramore. Pero el nombre que más resuena hace presencia es indudablemente el de Grimes una gran fan de la cultura japonesa que trasladó ese amor a sus canciones en toda su carrera (¿Será que le gustó el disco?)

"Choose Go!" abre enérgicamente con una propuesta rockera interesante (algo futurista) que se desvanece en "Great Job" en donde no podemos evitar recordar algún que otro animé (de acción, de robots) de los 80's mientras lo escuchamos.

"I'm me" es pop pasteloso del bueno al igual que "Wintime" para mí lo mejor de aquí y el portador del estribillo más resultón del disco, sumamente nostálgico que hasta te pone la piel de gallina. Le sigue "This Is Chai" una pista dance a lo The Chemical Brothers con un sample que te atrapa desde el segundo 0.

"Fashionista" el single principal del disco es potente y a la vez pesado por la forma en que son tocados el bajo y la batería lo que la vuelve destacable en sus 3 minutos. "Family Member" es positivismo puro, un pop funky bailable con megáfonos y un montón de gente detrás aplaudiendo y coreando.

"Curly Adventure" tiene un comienzo prometedor que luego medio queda en la nada para más tarde retomar en el estribillo no defraudando así las expectativas previas y "Feel the Beat" es un bonito tema con reminiscencias ochentas nuevamente, que tras un un arranque de las vocalistas llega a un clímax único encontrado en el disco. Cierra "Future" una gran despedida porque silabeando mantiene ese aire de felicidad y esperanza que recorría a todo el disco.

Vuelvo a repetir que "Punk" es una agradable sorpresa porque resultó que el nuevo producto indie que nos estaban vendiendo era bastante bueno, no era una simple promoción exagerada. Aún así no se como esto pueda sobrevivir con el tiempo dudo mucho que este material entre todavía en la categoría de clásico, pues aquí en el occidente ya teníamos cosas muy parecidas y me temo que en el futuro terminaremos de optar por ellas frente estas otras.

Pero tranquilos, es recién su segundo disco, quizás en la nueva entrega ya tengamos ese álbum que revolucione e universalice aún más la música.

Puntaje del disco

"Cuando cambio el tema, el fluido se vuelve tan tóxico, mis bolsillos vacíos como góticos. Mi mente sigue siendo filosófica" (Leandro Silva, Astral).

La fiebre por el trap va desapareciendo y eso se puede sentir en el aire. Tanto así que llegando al tercer mes del año uno debe rebuscarse a través del globo para encontrar una propuesta nueva y atrayente que vuelva a entusiasmarnos.

En Dublin, la capital de Irlanda por ejemplo podemos descubrir a los NUXSENSE, un colectivo de raperos under de distintos puntos con bastante proyección. Hasta ahora han publicado solo un EP y ya están siendo noticia en el mencionado país y han llamado la atención de algunos medios internacionales.

En ese grupo se encuentra Leandro Silva un joven brasilero que reside en Irlanda y que se hace conocer bajo el alias de Luthorist, nombre proviene más de un conocido villano de historietas que a una posible crítica a la iglesia.

"Luthor" cuyo flow reconocible lo convierte en indudablemente una de las estrellas del grupo quizo demostrar que merecía esa posición que ocupa arriesgándose tempranamente a sacar un material solista, y obtuvo gracias a ello lo que buscaba, una interesante repercusión al otro lado del charco.

"Hueco Mundo" se llama este material de nueve pistas producido en su totalidad por su compañero Sivv, el encargado de fabricar unas bases nocturnas que resultan bastante embriagantes. De hecho el disco escucha como uno de "transito por la ciudad en medianoche" si se puede decir así. El título hace referencia a una dimensión paralela entre el mundo real y el de los espíritus en el animé japonés Bleach, y quizas eso explica porque las canciones también suenes hasta fantasmagóricas.

El disco no destaca por los grandes versos (con varios clichés del mundo del trap) sino por las bases hechizantes como el de la apertura "Prism" que nos hace sentir como si manejáramos por una ciudad nocturna iluminada solo por los edificaciones silenciosas. Su continuación "Astral" ya es el viaje a la otra dimensión, al mundo de las almas.

"Wafer" en colaboración con algunos de sus compadres es más animada, sin dejar de ser otro viaje psicodélico y "Saucer" el single principal está perfectamente graficado en su video, se siente como unas bocanadas en la oscuridad.

Tras el "Hueco Interlude" (Con Madvilliany un vibes notorio) llega una de mis preferidas "Nice"  de un beat impecable al que luego se le incorporan unas campanillas hipnotizantes para cualquiera. "Race" sigue con la buena racha de mantener la atmósfera sombría y "Tokio" junto a otra de las estrellas de NUXSENSE, Jehnova ya nos transporta en la más profunda oscuridad.

Cierra "Summer-time" en compañía del productor del disco, un tema menor a las anteriores pero que no deja de sonar por lo menos atractivo.

Como conclusión, "Hueco Mundo" no es una maravilla pero sí un disco de trap que merece la pena destacar en esta temporada baja para el estilo, y eso porque esta (digamosle) nueva propuesta más oscura y alternativa puede significar el inicio de una nueva ola que pueda imponerse para que el trap rap se propague en unos años más.

Además, nos hace poner el foco por encima a NUXSENSE una banda de rap europeo a seguir y no perderle la pista desde ya.

"Obsesionado con mi boca, hablas sin respirar. Despacio te digo, porque nos falta un tiempo más" (Roberto Lange. País Nublado).

De familia ecuatoriana pero nacido en Florida, Roberto Carlos Lange más conocido como Helado Negro ya tenía una carrera medianamente exitosa en el underground norteamericano, como también ya había llamado la atención de medios de iberoamerica gracias a su brillante propuesta bilingüe de folk electrónico.

"Private Energy" del 2016 había sido su disco abanderado hasta el momento, pues fue el resultado de un cambio de estilo que antes iba más apegado al hip hop pero que a partir de ese momento se rindió más a los pasajes tranquilos pintados con cierto minimalismo.

Siguiendo con esta premisa tenemos ahora a su nueva obra titulada "This Is How You Smile" un álbum que causó mucha expectación durante este primer cuarto de año debido a la gran calidad y accesibilidad de sus singles, algo que precisamente no era la característica principal de este artista.

También sorprendía por su portada, que nos mostraba una nostálgica fotografía suya de niño junto a su hermano mayor durante su cumpleaños, muy diferente a todas las anteriores que eran más... extrañas (¡una criatura peluda y glaseada!). Evidentemente se iba a tratar de un disco que tocaría temas mucho más personales y de hecho que así lo fue.

"This Is How You Smile" es un tobogán de emociones con mirada hacia el pasado pero pensando en el futuro, como así también es un manual de instrucciones para ser feliz dividido en 12 capítulos que unos padres le escriben para que lo lean sus hijos. Lange de hecho confesó que se puso en la posición de sus padres (ecuatorianos que migraron a Estados Unidos) para escribir las canciones, como si fueran ellos mismos quienes estuvieran hablando a través de ellas, y es inevitable no encontrar por eso todo ese calor que tienen las familias latinoamericanas en la música que aquíescuchamos.

Es como "Roma" de Alfonso Cuarón, nada más que en vez del recurso del "blanco y negro" aquí se  usan suaves guitarras, pianos y sintetizadores para transportarnos en la situación.

"Please Won't Please" ya de entrada nos abre el disco de manera muy emocional, con una caja de ritmos que va dibujando un intimo paisaje familiar en donde por supuesto no falta el amor. En el estribillo es cuando uno no puede evitar derramar una lágrima, cuando escucha frases como "nos prendemos a nosotros mismos el fuego para ver si alguien cree" que van subiendo la intensidad de la cacnión.

En "Imagining What to Do" se toma una guitarra al que luego acompañaran unos preciosos arreglos de cuerda para entregarnos algo así como un arrullo esperanzador en medio del frío invierno. Por su  sonido recuerda un poco a aquel disco solista que había hecho Damon Albarn, quizás una de las influencias en todo el disco.

Luego del interludio nebuloso "Echo for Camperdown Curio" con participación vocal de Xenia Rubinos llega "Fantasma Vaga" el primero de los temas en español que cuenta con la colaboración de su amiga la colombiana Ela Minus. Es una canción que se va abriendo en luminosidad tocada en clave electrónica y principalmente guiado por la voz tan pacífica de el señor Helado Negro.

"País Nublado", uno de los primeros temas que conocimos antes y es una absoluta maravilla cantada en ambos idiomas. Trata sobre escapar e ir más allá, el hacer frente a lo incierto que aquí esta representado por el cielo nublado. Con unos rasguidos de guitarras que rozan a la bossa nova y se van difuminando entre sintetizadores angelicales y el coro femenino hacen de la canción toda una delicia.

Le sigue otro de los temazos, el decicado a su hermano "Running",  que esta vez hace uso del piano y por primera vez de una batería par crear un clima de nostalgia pura, perfecto para mirar al cielo y pensar en todo lo que has recorrido en tus años de vida. Y no se queda atrás "Seen My Aura" que nos pone a bailar con ese groove que lo caracterizó en su primera etapa, un pop que perfectamente  suena a 2019.

En "Sabanas de Luz" es evidente la influencia de otro de sus amigos Sufjan Stevens aunque ya he visto algunas comparaciones con otro artista, Spinetta, especialmente por la parte vocal. Destaca por el uso de los tambores metálicos que no pueden sonar mejor para ambientar ese ambiente como de encontrarse dentro de un sueño y que continúa con "November 7" (que se llama así porque se escribió en esa fecha) ya con los pianos del propio Sufjan acompañando.

"Todo lo que me falta" es un enorme himno, o debería de serlo por lo menos el de este año . Así como el "All you need is love" de The Beatles es una canción de amor puro y sincero que se aplica no solo al afecto entre parejas; todos necesitamos del otro en un momento de la vida y ese es el espíritu que transmite esta pieza que musicalmente recuerda por momentos a últimos trabajos de Bon Iver. Los coros del fondo le pertenecen al dúo puertoriqueño Buscabulla, quienes coincidieron con el ecuatoriano en años anteriores

"Two Lucky" es otro de los momentos bellísimos que van acompañado nuevamente de una guitarra. Prácticamente es el cierre y es por eso que ahora se siente que es más bien es Lange quien nos habla, uno que ya creció con todas aquellas experiencias y consejos de sus familiares mayores. El álbum termina de manera definitiva con "My Name Is For My Friends" que contiene algunos extractos de  sus "memorias" en forma de collage los cuales se van disolviendo hasta marcharse en el firmamento.

"This Is How You Smile" es claramente el mejor disco que ha hecho Helado Negro, con el cual puedes conectar más gracias a la humanidad que tiene. Además, es otro triunfo del latinx para con el mundo y sobre todo el disco más emocionante de lo que va de año.

"No puedo ser una expresión singular de mí misma, hay demasiadas partes, demasiados espacios, demasiadas manifestaciones, demasiadas líneas, demasiadas curvas, demasiados problemas, demasiados viajes, demasiadas montañas, demasiados ríos, tantos" (Solange, Can I Hold The Mic)

La primera gran sorpresa del año la dio Solange anunciando la salida de su tan ansiado cuarto disco a solo horas antes de su lanzamiento, una estrategia que obviamente ya nos tienen acostumbrados las hermanas Knowles. El nombre del trabajo es "When I Get Home" y contiene 19 pistas siendo 6 de ellas interludios, algo que también se esta volviendo un sello característico de esta cantante de cabello  abultado.

Las expectativas eran verdaderamente muy altas porque su anterior "A Seat At The Table" supo convertirse en un clásico de nuestro tiempo en tan pocos años y sobre todo porque supuso la consagración de Solange como una de las artistas que valdrá la pena recordar por siempre.

Y la verdad que esta continuación, y lo llamo así porque de esa manera se lo presenta (portadas paracedidas, forma casi idéntica de ubicación de las canciones más resaltantes y el toque los interludios), no defrauda para nada, pues inteligentemente no quiere ser un ASATT 2.0. Mientras que aquel del 2016 sonaba más natural y vivo, este es más electrónico y hasta más íntimo.

Esto se debe a dos cosas, primero el discurso, que se aleja de lo político salvo honradas excepciones, y segundo, el tema central del mismo que intenta ser un homenaje a su ciudad natal Houston y su gente. No hace  falta decir que por allí se escucha mucho jazz y estilos derivados del Hip Hop, sonidos que inevitablemente rondan en todo el álbum.

Aún así como les venía diciendo este es un disco mayormente electrónico, en vivo difícilmente se interprete con varios instrumentos como lo fue el otro, pero su mérito radica en que puede hacernos sentir en un ambiente igualmente natural (el disco fluye sin parar como si estuviéramos nadando por aguas tranquilas) con una producción moderna y futurista.

Otra de las características del álbum es la recurrencia a la repetitividad para lograr conectar más con ellas como ocurre con "Things I Imagined" la pista inicial que se pone a armonizar con sola esa frases una y otra vez sobre unos sintetizadores que bien podrían venir de Tyler The Creator, quien produce la siguiente pista tras el primer interludio del disco, "Down with the Clique" el cual tiene tiene una atmósfera bien jazzera.

"Way to The Show" pinta para hit, y más por recordar al siempre adorable Stevie Wonder de los 70's pero luego como que se va volviendo más oscuro y no permite que explote su potencial del todo. Stay Flo es el que sí lo hace, te atrapa desde la primera escucha con su flow, muy parecido aquí al que tiene su hermana por cierto.

"Dreams" es un clásico R&B para flotar un poco que cuenta con la singular producción del rapero Earl Sweatshirt al que luego le sigue el verdadero banger del disco "Almeda" otro tema que recurre mucho a la repetitividad esta vez para mostrar el orgullo negro de Houston, y que para funcione recurre al maestro en el tema de en la actualidad, Playboi Carti (the man who invented music) que se alza como la primera gran colaboración del disco (sin olvidar a The Dream, encargado del adictivo estribillo junto al piano). Como curiosidad la voz grave que dice "Hold Up" es de Metro Boomin uno de los productores del disco.

Casi inmediatamente continuamos con "Time (is)" y no, esa voz no es de Frank Ocean, es de Tyler. El tema viene a ser el rencuentro con Sampha que vuelve a colaborar con su piano y su voz, logrando un tema muy bello. "My Skin My Logo" con una base más bien pesada se ayuda del rap de Gucci Mane para hablar sobre lo que les gusta.

"Jerrod" es una canción con melodías parsimoniosas y psicodelicas que marca un momento de reposo del disco y "Binz" es otro de los más destacados por su base trap pero versos con reminiscencias a la música jamaicana. Por cierto el que esta detrás de esto es Panda Bear de Animal Collective.

"Beltway" no está indicado como interludio pero bien que puede ser uno que viene seguido por otro (El genial Exit Scott)  como ya ocurriera en Blonde. El título es un homenaje a una de las calles de su ciudad natal, ella repite "you love me" y bien que se puede sentir como un drone va pasando por varias casas del pasado mientras lo escuchamos.

"Sound Of Rain" es otro triunfo entre las producciones recientes de Pharrell Williams que demuestra que no se estanca para nada en el tiempo (aunque también este Stevie Lacy por ahí), es de los temas más místicos del disco. Tras el último interludio finaliza la función "I'm Whitness"un tema que se siente espiritual y como una reflexión por parte de la artista hacia su vida.

Como se habrán dado cuenta no hablé de los interludios y es porque en este caso sirven casi de manera exclusiva para unir conceptualmente las canciones (algunos solo duran unos pocos segundos) a diferencia del A Seat At The Table en el que cada uno era pieza importante. De igual forma cuando escuche aquel disco había creado una playlist sin ellos para que las canciones me entraran mejor y me funcionó. Ahora hice lo mismo y vaya que el resultado se repitió.

Si bien es menos accesible y no hay temazos tipo "Cranes In The Sky" y "Don't Touch My Hair" el cuarto trabajo de Solange Knowles es el más escuchable de principio a fin de su carrera y no sólo por su duración (15 minutos menos que el anterior) sino por la unidad y fluidez que hay en su recorrido. Además la posiciona como una artista inquieta que siempre busca superarse musicalmente.

Puntaje del disco

Las Reinas de Iberoamérica 2010-2019

Próximamente. HOMBRES DE LA DÉCADA