Niño de Elche sigue imparable e inquieto artisticamente. Tras la aventura post-rock/metal junto a Exquirla en el 2017 y el gigantesco documento de la historia del flamenco "Antología del Cante Flamenco Heterodoxo" del año pasado, el español viajó a nuestro continente para encontrarse en la capital colombiana junto a  Eblis Álvarez (de Meridian Brothers) otro genio del folclore fusionado con la música experimental para así idear su nueva obra.

Antes de continuar con este relato me gustaría aclarar precisamente mi percepción hacia el disco "Antología del Cante Flamenco Heterodoxo" para luego hacer un paralelismo con este trabajo porque las comparaciones son inevitables. Aquel trabajo que contenía ni más ni menos que 27 pistas fue uno de los grandes ausentes de mis listas del año pasado ¿Porque? Sencillamente porque no lo consideré un álbum. Las historias detrás de las canciones eran fascinantes y el concepto fabuloso pero parecía, así como su título lo alude, más una colecciones de piezas de la historia, un documento musicalizado muy difícil de escuchar al completo pero que quizás escuchando una pista a cada tanto sí te pueda gustar. O para hacerlo más fácil, era complicado ponerlo en la misma vara que discos que son netamente musicales incluso junto a los más conceptuales.

Pues bueno, Colombiana sí es un disco, un disco de música, que tiene además de su corta duración (solo 10 pistas) y ganchos más reconocibles un factor importante del que casi carecía en su totalidad el anterior trabajo: La diversión. Claro, después de haber hecho una obra tan bien cuidada como la anterior quien no quiere relajarse un poco. Pero Niño de Elche es tan perfeccionista que igual decidió darle un concepto y una critica a la sociedad en cada una de las canciones.

Por el otro lado está Eblis Álvarez quien también venía del disco más experimental o menos accesible de su carrera junto a su banda en ¿Donde estas María? que fue igualmente una obra que dividió a cierto sector de a crítica. Los Meridian Brothers se habían alejado se su estilo característico de "cumbia digital marciana" para seguir otros horizontes y nuevos sonidos que así como pasó con Niño de Elche tampoco fue comprendido por todos en su año. Ahora gracias a "Colombiana" esa cumbia que tanto nos cautivó vuelve pero acompañada por el flamenco, una combinación que no resulta ni suena para nada inusual pese a que no se recuerde un intento anterior por hacer tan bien esta fusión.

Si nos vamos directo a la parte musical del disco ya nos encontramos por ejemplo con una rareza, "El Muermo" una canción algo selvática que al principio puede resultar fatigante por las repetidas veces que un niño (el de Elche por supuesto) repite "mamá" buscándole a su madre por temor a que le agarre el muermo. Pero tras varias escuchas hasta me animo a decir que es uno de los puntos altos (el final es lo que se puede definir como una cumbia colombiana clásica, cuasi indígena, realmente hipnotizante) y que no podía haber mejor intro que esta en el tracklist para el disco.

Luego viene el homenaje a los vendedores de caramelos y demás cosas (ejem... drogas) por las calles "El pregón de los Caramelos" un tema que transmite buenas vibras de la calle además de ser ya animosa de por sí por tratarse de un son cubano. "Oración Militar" por otro lado es de lo más experimental aquí, con un marchante compás electrónico (Me suena un poco a Cafe Tacvba eso, más incluso cuando aparece el violín) que dirige el canto flamenco y luego las ordenes del señor Contreras.

"Los Esclavos" es bellísimo, los punteos de la guitarra y luego el compás que se asemeja al de una zamba argentina que va creciendo con la percusiones y los teclados mientra se van enumerando a las personas esclavizadas creando un clima dramático, es fascinante.

"Cabales Americanas" pese al nombre es lo más cercano al flamenco tradicional del disco, una pista tranquila y nos hace pensar en la naturaleza, en la tierra, mientras que la siguiente "Tangos de la Ayahuasca" es curiosamente lo más Meridian Brothers, con punteos de cumbia amazónica que al final adquieren una velocidad tribal difícil de no animarse a bailar.

Cuando hablaba de que el disco era divertido creo que estaba pensando en esta canción: "Peteneras Mexicanas" un loco número de rumba y luego de ska en la que se acusa a una mujer caracterizada como "la petenera" (un tipo de baile flamenco) de no decir la verdad. En él colabora además del grupo que formara Álvarez junto a Mario Galeano llamado Los Pirañas; Daniela Sanmiguel, una chica del que no teníamos registros alguno pero cuya voz algo chirriante por momentos hace que el tema sea aún más loco y entretenido. Ay Soledad, Soledaaaad...!

Mas tarde te dejas enganchar por los "ucha na na ucha na na" de "Ni Chicha Ni Limoná" que va de la música folclórica sudamericana al synthpunk con maestría y "Colombiana Vasca" uno de los temazos que esconde el trabajo, hallando un aire fresco con la voz de Maialen Lujanbio y los coros de Beñat Achiary en clave cumbia psicodélica. Cierra con un aire místico y natural "Flor-Canto un poema de Ernesto Cardenal interpretado a capella y con eco como si estuviese en la punta de un cerro por Francisco Contreras "Niño de Elche" como solo él podría hacerlo.

Ok, como ya venía diciendo reiteradas veces "Colombiana" es un disco divertido al que le suma un buen concepto/crítica sobre la vida latinoamericana de siglos anteriores que todavía tiene repercusión en nuestros días (las drogas, la esclavitud, la figura indispensable de la mujer). Musicalmente destaca por la fusión de la cumbia con el flamenco con resultados que antes no se habían escuchado, aunque suenen familiares, y eso es gracias a la genialidad de las dos mentes creativas que trabajaron en ello.

Es más que un álbum para pasar el tiempo entre el Niño y Eblis, quién sabe, hasta puede llegar a ser el precedente de la creación de un nuevo estilo de fusión de músicas y culturas hipano-sudamericanas en el futuro. 

Y una ultima aclaración, no cometas el error de escuchar solo una vez el disco y juzgarlo... Por favor no, porque (por la experiencia que tuve) te aseguro que te estarás equivocado.

Puntaje del disco

1. El Muermo (7,5)

2. El Pregón de los Caramelos (8)

3. Oración Militar (8)

4.  Los Esclavos (8,5)

5. Cabales Americanas (6,5)

6. Tangos de Ayahuasca (8,5)

7. Peteneras Mexicanas [feat. Daniela SanMiguel & Los Pirañas] (8)

8. Ni Chicha Ni Limoná (7)

9. Colombiana Vasca [feat. Maialen Lujanbio & Beñat Achiary] (8.5)

10. Flor-Canto (7)

Especial para: Una rumba en la naturaleza.

Es difícil encasillar en un estilo a una banda como Crudo Pimento, dúo proveniente de Murcia, España conformado por Raúl Frutos e Inma Gómez, dos multi-instrumentistas que la vienen remando desde hace 7 años en la escena alternativa de su país. Aún así, llamarlos una agrupación de rock experimental no está mal por la diversidad que ofrecen acompañados de una guitarra.

Hace poco quede sorprendido tras escuchar su álbum titulado "Pantame" ya el cuarto de su discografía, primero porque no me esperaba un trabajo con tanta calidad cantado en nuestro idioma en esta parte del año, con tantas cosas locas que se escuchaban realmente bien. Y segundo, porque no parecía que estaba escuchando a una banda española sino más bien a una banda de este continente, fue una extraña sensación pues no los sentía tan lejos (ya lo dice su descripción en bandcamp, hacen "música del mundo"). Mira que hasta se animaron a un reggae (mucho más popular por acá) cuando el estilo ya no es muy tocado por todo el mundo.

"Pantame" como su anteriores trabajos y como muy bien la portada lo representa es una extraña criatura, una especie de Frankestein de samples, percusiones tribales, guitarras distorsionadas, cantos flamencos y más compactados en 13 pistas del cual la más larga apenas llega a los 4 minutos. Esto hace que sea más difícil aburrise con su escucha

Su "Intro" un sample sombrío de una muerte de piano de 13 segundos es el sello característico que lleva el disco, es un gran gancho y que se va repitiendo en otras pistas haciendo que el material se sienta todo como un trabajo conceptual. La pista siguiente "Con la sangre de quien te ofenda" es un rock contemporáneo con un loop de un tarareo agudo cual canción de Kanye West bastante contagiante y hasta bailable. Entre varias anti-canciones que contiene el disco de hecho comenzamos con las que no lo son porque luego está "D.E.L.A.S." cantado en ingles y español con cierta reminiscencias al rock alternativo de finales de los 90's cuyo estribillo resulta algo veraniego. Una apertura brillante con un trío que se pasa volando.

"Allohawaii Bodoque" con percusiones africanistas es un interludio que hace crecer la intensidad del disco para que llegue una de mis favoritas "Hollow Body" una pieza macabra con vena punk y con un sample de cuerdas que no sale sale fácilmente de tu cabeza una vez que éste termina. "Un Barco (Cargado De Gente Que Ya Se Hundió)" edulcora las guitarras con algo de glam hacia la mitad del disco que ya nos define que su característica principal es la efectiva repetitividad.

"Ventana" es una de las piezas experimentales de lo que va del año un caos de samples en el que se cuela un acordeon, unos "run run" y una voz vampiresca que nos repite que "Pantame está en la ventana". Junto al cantaor Paco Frutos "Intro - Y La Tierra Te Trague" es otro interesante interludio que nos demuestra que el flamenco es hoy una buena compañera para el indie en España.

"Pantame" es el reggae del que les hablaba, quizás la pista más amigable del disco que viene precedida que un turbulento free jazz y que tiene la compañía de la americana Xenia Rubinos en los coros. A este le sigue "Casa y Carbón" que transita los terrenos del post rock más oscuro de la mano de una atrapante riff de guitarra. "Interlude" nos sacude luego de esa pesadez anterior.

Al final como ya era de esperarse el disco se desinfla un poco con "No Time For God" una apuesta de rock industrial que no resulta muy claro posiblemente por su afán de sonar demasiado a una pieza rara. Cierra entre distorsiones de guitarra como anunciando una guerra "Una Sombra En Todo El Cuerpo" no sin antes darle unos segundos a la intro que representa a la criatura "Pantame".

Veredicto: Crudo Pimento resultó ser uno de los grandes descubrimientos del año con una propuesta diferente a la que nos acostumbrábamos a escuchar en español últimamente y pese a los sube y baja que presenta en su trayecto sin dudas que estamos ante uno de los discos resaltantes de música experimental del 2019.

Puntaje de la canción

Rammstein la mítica banda germana de metal industrial regresó tras 10 largos años de ausencia y ni los más optimistas pensaron que su regreso sería necesario viendo que el panorama musical es muy diferente que al de hace varios años (El reggaetón es el estilo número uno del mundo a en las radios hoy si solo ponemos un ejemplo).

Además su vocalista Till Lindemann que durante esa breve separación se dedicó a crear una no muy exitosa carrera solista que hasta lo llevo a colaborar con artistas de trap ya no parecía el tipo provocador que acostumbraba o por lo menos ya nadie tomaba en serio a cada atrocidad que se le ocurría hacer. Quizás por que ya estaba "algo viejo" o porque ya perdió el encanto.

Sin embargo todo lo que envolvió al lanzamiento de su nuevo disco titulado por alguna razón especial como la banda misma "Rammstein" fue realmente magnífico, todo lo hicieron bien.  Desde el anuncio de sus dos singles con videos que sí tuvieron ese impacto provocador que los acostumbraba llegando hasta lograr la desaprobación y repudio de su propio país, hasta la portada con una sencillez exagerada pero que en contrapartida entrega una fuerte comunicación al que lo observa (es un fósforo sobre un fondo blanco, un simple fósforo que al prenderlo puede crear una llama y un caos gigantesco).

El disco destaca por su gran mezcla de sonido algo que siempre se les cuestiona y se les pide a las bandas de metal de hoy. Si por lo menos no quieren innovar, hagan que su disco suene poderoso.

Como les venía diciendo las canciones suenas enormes aunque también hay momentos melódicos que para mi gusto son los puntos más flojos del disco que pese a su grandeza no llega a ser comparable con los clásicos "Mutter" o "Sehnsucht". Pero repito, es grande.

Hay canciones destacadas especialmente hacia el inicio como "Radio" o "Zeig Dich" pero nada supera a la imponente apertura "Deutschland" que como single no había convencido mucho a los fans porque se trataba del primero y los alemanes acostumbraban que su primer adelanto sea un hit instantáneo. No, Deutschland es un grower, uno que crece a medida que lo escuchas y ya dentro del álbum suena a todo un clásico.

La apertura con los sintetizadores que recuerdan a sus inicios y al que luego le siguen unas pesadas guitarras para después juntas armar un pogo endemoniado (en donde ya podemos ver algunos lanzallamas en vivo) es sencillamente legendario. También hay un homenaje a su más grande clásico "Du Hast" al inicio de cada verso y un sombrío piano que se queda solo al final y nos hace pensar en... ¡Esto es Rammstein!

La letra es un cuestionamiento hacia la historia Alemana, expresa el afecto y orgullo hacia su patria (quizás de manera irónica) pero también aversión hacia ciertos hechos históricos dando un fuerte hincapié al Holocausto protagonizado por Adolf Hitler durante la Segunda Guerra Mundial. En el video de la discordia la crítica va al extremo pues hasta podemos ver como gente es asesinada en los campos de concentración. Obviamente este despropósito hizo que el mundo odiara nuevamente a Rammstein pero a ellos como siempre ni les importó, pues se trato de una estrategia para volver al ruedo y vaya que les funcionó.

En fin, la vuelta de los de Berlín es una de las grandes sorpresas del año y vaya que sí fue necesario porque estamos pasando una etapa confusa el la música. Su nuevo disco no solo mira hacia el pasado y nos da una muestra de que ellos en su tiempo fueron algo así como unos adelantados sino también nos hace pensar con optimismo sobre futuro del rock y su fusión con elementos electrónicos para su supervivencia. "Deutschland", una de las canciones del año, es la prueba de que ello se puede todavía lograr muy bien.

A algunos les llega más temprano y a otros parece que en las últimas instancias de su carrera. A Mac DeMarco le llegó justo en su cuarto disco de estudio y a los 29 años de edad. Hablamos de la tan inaceptable autocomplaciencia que a su vez lleva al artista a la total intrascendencia.

"Here Comes The Cowboy" es una broma de Mac, que ya empezó con el sencillo promocional del disco, "Nobody", unas de las pocas canciones rescatables del trabajo. Este tema se titulaba igual que la canción principal del disco de Mitski "Be The Cowboy" (el mejor del año pasado) y creo que ya notaron la broma ¿no?

Luego están los videos, extraños y sin sentido en donde el premio mayor se lo llevó "On The Square". En él aparecen perturbadoras criaturas a medida que avanza en minutaje (aunque más miedo da el espectador que está en el teatro) y no ofrece nada más. La canción en cambio es una dirección interesante, más sombría que el artista podía haber potenciado, pero no, no lo hizo.

Hasta la portada es una broma, consiste en solo la fotografía de un pin de una carita feliz color verde. No Mac, este disco no nos hace feliz. nos hace querer dormir.

La canción titular es una pasada, solo repite "Here comes the cowboy" hasta que termine dando una sensación de que él está cansado. Curiosamente es el tema que resume el disco, pues así suenan todas (bueno, casi todas) las canciones. Nos podemos imaginar a Mac sentado flojamente en un sillón con instrumentos desparramados y una notebook (y quizás unos cheetos) componiendo lo que le salga.

Aún así, el canadiense es un gran compositor "simplista" y hasta en sus momentos más bajos logra encontrar inspiración. Es por eso que tenemos canciones como "Finally Alone" otro tema que se unirá seguro a su repertorio clásico, pues tiene el sonido característico que lo definió. "Heat To Heat" por otro lado es lo que uno esperaba que nos entregue luego de su notable "This Old Dog", las baladas siempre se le dan por lo visto. Es por ellos que al disco no le pongo una nota más baja.

La pieza más rara es sin dudas "Choo Choo" un tema que seguramente habrá compuesto luego de escuchar repetidamente "Fame" de David Bowie y tras una maratón de la serie "Tomas y sus amigos". Creo que es bueno experimentar y más con el funk, pero esto es otro chiste más de los tantos que envuelven a este trabajo.

"Here Comes The Cowboy" no supone una decepción pues nadie esperaba mucho de este trabajo pese a que Mac DeMarco viniera de una seguidilla de discos buenos, ya desde el principio todo estaba embarrado. Y creo que este final del camino exitoso que forjó se debe en parte a que estamos en 2019, las generaciones se renuevan y ya nadie le toma en serio al que fuera una de las grandes sensaciones del indie que tuvo esta década. Ahora todo es Billie Eilish o nada, pero... igual Mac, por lo menos debías levantarte del sillón!

Puntaje del disco

El disco que nadie esperaba con gran expectación a inicios de año termina por ser uno de los candidatos más fuertes a disco del año. La joven banda de Brooklyn, Big Thief, llega a su tercer álbum en su mejor momento y eso se puede notar haciendo nomás una pasada rápida por su nuevo trabajo.

Tras el triunfo en el panorama indie que significó "Capacity" de 2017  ahora el cuarteto nos trajo a su nueva criatura titulada "U.F.O.F." que de buenas a primeras supone un cambio notorio del estilo que los caracterizaban. Más que un disco de rock, U.F.O.F., es un trabajo de folk y dream pop con ciertos matices del indie rock.

El concepto del álbum va por lo místico, espiritual y hasta lo desconocido como lo sugiere su título (siglas de Objeto Volador Amigo No Identificado), canciones que hablan sobre lo lindo de vivir pero también sobre experiencias con la muerte.

Lo más sorprendente  de este trabajo es su inmediatez pese a ser un disco de folk en donde las canciones son lentas y serenas. Las melodías dan en el clavo y hacen que te enganches canción a canción sin dejar oportunidad a que aprestes un botón antes de que terminen. Da la sensación de estar escuchando un disco que ya formaba parte de nuestra vida.

"Contact" es la canción de apertura, con un repique de batería interesante y un clima onírico que se va dibujando y diluyendo a medida que avanza a través una guitarra que suena limpia. Luego de un silencio aparece su hermana la eléctrica y saca toda su furia. Un gran inicio.

Luego tenemos a "UFOF" el primer adelanto que conocimos en donde otra vez el dúo guitarra-batería se coordinan a la perfección para seguir el rastro a las melodías cambiantes que va cantando la vocalista Adrianne Lenker que por cierto llega a escucharse fascinante como nunca antes en este disco.

"Cattails" potencia el espíritu folkie del disco con la llegada de los banjos en una pieza más animosa que recuerda al Neil Young de los 70's y que termina con una celestial piano. "From", como si fuera una película nos devuelve a la escena  de la pista 2 nuevamente, una canción ensoñadora que nos gana con cada "be my man" que va repitiendo.

"Open Desert" rememorándonos al Beck melancólico es belleza por donde se lo escuche y "Orange" mi canción favorita del disco es sencillamente fantástica y solo bastó par serlo una guitarra y una voz. Si bien recuerda a las cantantes folk del pasado debo darle la razón a los internautas que agregan que esta canción  pudo ser compuesta por Sufjan Stevens en su etapa Carrie & Lowell.

"Century" nos sorprende con una linea de bajo, instrumento que casi había pasado desapercibido en el trayecto y  que para compensarlo aquí tiene el papel fundamental de darle a esta canción esa sensación de formar parte de un viaje.

"Strange" rompe con el molde bien formado que tenía el disco acercándose más al sonido de los Fleetwood Mac. Eso parece algo que no podía o debía pasar y te lamentas porque el disco estaba bueno hasta ahí. Pero es genial como la canción resultó un poco traicionera puesto que a medida que avanza se va volviendo más oscura volviendo a ganarse nuestro corazón.

En "Betsy" Lenker nos entrega su voz más grave para que  de verdad sintamos que estamos en un mundo de ensueño que luego se vuelve un mundo de lamentos en una de las piezas clave del disco "Terminal Paradise"  tema que ya formara parte del disco en solitario de la vocalista que aquí la hace sonar más desgarradora. Un tema que que despierta nuestras emociones a flor de piel, más si tenemos algún familiar cercano que ya pasó a mejor vida.

"Jenni" es casi como la pista de cierre, un indie rock lento también llamado slowcore que nos va abrazando con sus guitarras, pero la que de verdad termina con esta mágica experiencia es "Magic Dealer" un tema cuasi-acapella con el sonido del agua de un parque de fondo (te lo imaginas así como está en la portada) que luego es interrumpido por la llegada de unos seres extraterrestres que efectivamente hacen  algo allí pero no sabemos qué.

No se si precipitarme y llamar a "U.F.O.F" una obra maestra del folk rock moderno pero estoy seguro es que tiene rama para ser un clásico de nuestro tiempo (¿El único pero? La portada quizás hubiera sido más portada y menos una foto). Escucharlo supone una experiencia maravillosa para quien sepa encontrarle el momento, algo que difícilmente se puede conseguir en nuestros días.

Puntaje del disco

El cuarto álbum tras 6 años de Vampire Weekend y el primero tras la salida del fundador y multi-intrumentista Rostam Batmangli es posiblemente el que más marketing tuvo desde su anuncio. Claro, no había otro detrás de esto que la multinacional especializada en crear fenómenos: Sony, su nuevo sello.

Y cuando hay Marketing, hay hype y este disco de momento es el que más lo causó de lo que va de año. Algunas veces este fenómeno le llega a jugar una mala pasada a los discos inflándolos en sobremanera antes de su lanzamiento y luego desinflándolos a primera escucha.

Curiosamente eso no ocurrió con "Father Of The Bride" cuya primera pasada resultó ser muy entretenida. Creo que eso se debió principalmente a que los singles de adelanto no fueron muy convincentes y muchos (como yo) ya se imaginaban que vendría el primer disco flojo de su carrera uno que alimentaría la teoría de que Rostam era el alma de los Vampire.

Pero no, el álbum doble de los creadores de "A- Punk" es lo suficientemente descente para no ser considerado un mal disco y todavía más. Gracias a la reconocible voz de Ezra Koenig primeramente ya los fans pueden quedar satisfechos, la banda no cambió del todo.

Lo que sí hicieron fue que a falta de un integrante que tocaba varios instrumentos, decidieron tomar caminos más tradicionales sonando mucho más folkies que de costumbre; la influencia afrobeat y "guitarrera bailarina" solo están presentes en forma de pinceladas y quienes todavía predominan son ese coro celestial femenino que volvió tan especial al ganador del grammy Modern Vampires of The City. La electrónica solo actúa como adorno ya sea por medio del autotune o algún destello.

El trabajo sorprende también a primera escucha porque uno se imaginaba que tendríamos un disco conceptual con una fuerte influencia de los 90´s y su vida universitaria. La canciones que veníamos escuchando junto a sus videos y sobre todo su simple y tildada de hasta fea portada parecían anunciar eso, pero por suerte no fue así, el disco tiene influencia de varias otras décadas y artistas creando un abanico disfrutable. Ya es una frase gastada en comparaciones pero... Este es el "White Album" de los Vampire Weekend.

Que empieza desafortunadamente con una de las canciones más más flojas, "Hold You Now" un country folk apacible junto a la vocalista de las Haim (que por cierto cuya voz no es de mis favoritas) que se hace algo largo porque uno esperaba un inicio demoledor como sí lo nos da "Harmony Hall" un tema que me recuerda mucho al "You Can't Always Get What You Want" de The Rolling Stones.

"Bambina" son los Vampires rockeros del disco del disco anterior y la joya "This Life" es la canción más levanta ánimos del año, casi como si fuera un numero musical de una película de Disney o comercial sobre una fundación sobre cuidar el planeta (Si escuchas esta canción mientras miras la portada, esta gira al compas de la canción... Bueno, eso no pasa pero debería).

"Big Blue" sigue con la aventura folkie + coro celestial mientras que "How Long?" le pone algo de rudeza al disco con guitarras souleras y una bateria imponente. "Unbearably White" parece un tema de Mac DeMarco al principio y en "Rich Man" lo que destacan son sus cuerdas que le dan vida a un compás campirano lo-fi.

"Married In A Gold Rush" otra vez con Danielle haciendo dúo vocal es un tema de lo más normal y que nos deja indiferente, todo lo contrario a la bella y dramática "My Mistake" porque nunca habíamos oído a los VW en la faceta cincuentera, a piano y con saxofón. Luego empieza mi sección favorita porque soy amante de lo raro y lo pop. "Sympathy" con increíbles influencias flamencas es fantástica y "Sunflower" como "Flower Moon" las canciones hermanas junto a Steve Lacy de lo más movido del disco y hasta más "vivo" que tiene. La primera es juguetona como alegre y la segunda melancólica recordando a los 60's (aires de Brian Wilson everywhere).

"2021" es un interludio casi inofensivo que ya conocíamos antes y por eso temíamos lo peor, "We Belong Together" producido de forma encubierta por Rostam es de lo más destacado entre los dúo con la Haim aunque si la escuchas mucho tiempo te puede parecer algo insoportable. "Stranger" desde su inicio nos transporta a los 70 de Fleetwood Mac y compañía pero la gracia se pierde cuando dura más de cuatro minutos en lo mismo. "Spring Snow" nos confirma que el disco cayó en un pozo, otra canción que hubiera quedado mejor como bonus de versión japonesa. Cierra "Jerusalem, New York, Berlin" por suerte otra gran canción casi a capella que hace que el disco vuelva a reflotar en su cierre.

"Father Of The Bride" resultó ser un disco muy bonito, un gran álbum de música pop pero... es que ellos son los Vampire Weekend! Si este disco lo sacaba algun otro grupo con otro vocalista claro que sería calificado como un discazo pero a los de neoyorquinos les pedimos que siempre sobresalgan. Esta vez por lo menos no lo hicieron

Puntaje del disco