El día de ayer se lanzó el remix de la canción "Mi Gente" de J Balvin y Willy William y tiene como protagonista a la excelentisima señora Beyoncé Knowles-Carter.

Básicamente es la misma canción con la inclusión de ésta, que de paso se anima a cantar en un perfecto español (la estadounidende ya ha tenido experiencias previas como el recordado y poco agraciado "Si yo fuera un chicó" o la versión de "Inremplazable", así que en eso tampoco hay una sorpresa).

Este hecho parece ser una clara respuesta a "Despacito", a día de hoy la segunda canción (y primera latina) en llegar a las catorce semanas de permanencia en el ranking  Billboard, y por qué no decirlo, el hit mas grande del 2017, todo gracias al remix que tuvo junto a Justin Bieber, otro artista de popularidad mundial.

"Si ellos pudieron ¿nosotros por qué no?" se dijeron Balvin y compañia, se pusieron manos a la obra y el resultado fue, hay que decirlo, mejor que la de Fonsi y Daddy Yankee, menos "a la apurada" como decimos acá. Eso sí, sinceramente no le veo mucho potencial como para que su éxito sea comparable al ya mítico Despacito, pero debemos recordar que esta versión no esta destinada precisamente a eso, sino a una buena causa, pues las ganancias que se obtengan serán destinadas a ayudar a Puerto Rico y Mexico, dos paises que vive nuna difícil situación. Así que lo que entre en forma de efectivo, bienvenido sea.

Entonces... podemos llegar a la conclusión que "Mi gente" es otro intento de demostrar que lo latino está de moda en EUA (irónicamente en el primer año de presidencia de Trump) y que así como en su momento ocurría con por ejemplo los himnos de Shakira, el poder de la música latina puede movilizar al mundo y mejor aún, para realizar una causa noble y no sola mera estrategia de marketing como pasó con Des-pa-cito.

Y aquí ni se nota el esfuerzo de la artista gringa para hablar nuestro idioma, es por eso que podemos decir con mucha autoridad que "Beyoncé le está dando clases de cómo se habla (se canta y se memoriza) de verdad en español a Justin Bieber (y sin dejar solos a sus mellizos en casa)"

"Ser creativo implica ser consciente de que nada es de tu propiedad. La música no pertenece a nadie. Cuando escuchas algo, creas imágenes en tu cabeza, y eso es lo único que es tuyo: tu propia percepción" (Faris Badwan, 2017).

The Horrors es una de las bandas británicas mas infravaloradas de estos tiempos. Siempre en la boca de la gente que recomienda música, grupos o discos en internet pero que en el mundo de las listas del año o de los críticos de la música la grupación de Faris Badwan no ha tenido por lo menos suficiente éxito.

Extraño para una banda que a lo largo de su discográfia ha evolucionado y variado su sonido, pasando del punk hacia el uso de sintetizadores cada vez mas ochentosos convirtiéndose hoy en una banda casi bailable, por ende accesible.

Su quinto trabajo titulado simplemente “V” empezó a ser promocionado a mediados del año con singles tan dispares que presagiaban que el disco sería uno de sus mas variados y que también presentaba unas brillantes portadas (el de los singles y del álbum, los cuales muestran figuras deformes en algo que parece ser una revista japonesa). Más tarde éstas serian acusadas de plagio por el artista Jesse Kanda, famoso por esa clase de arte para covers de discos (Arca y FKA Twigs como ejemplos).

Y como se esperaba, este material resultó ser un álbum grandilocuente, con 10 extensas canciones de pesadas producciones y otra vez con sintetizadores como protagonistas. El buen rock de estadio que tanto esperábamos en este 2017.

“Hologram” se encarga de abrir el trabajo y con ella no sabemos si lo que escuchamos es otro de los singles de Beck y su nueva era o la Primera pista del comeback de The Horrors. Un potente Electrorock coreable perfecto para los viajes en los días de vacaiones.

En este disco encontraremos también varios temazos mayúsculos que resalten por encima de los demás, ahí esta por ejemplo “Press Enter to Exit” acompañado de sus guitarras bailables y su estructura tan pop que no sorprendería si se convierte en el tercer single de la obra. Llegando al minuto 4 nos encontramos ante un delicioso pasaje psicodélico comandado por golpes de batería destinado a engañarnos (a mi me desorientó totalmente) con un “falso final”. Asi que están advertidos.

La base electronica de “Machine” el primer adelanto nos trae otra bestia de distorsiones con tintes “britpop". Ahora es cuando en el viaje empiezas verdaderamente a aumentar la velocidad. Puede parecer repetitiva pero es una verdadera maravilla a volúmenes altos.

“Ghosh” por otro lado con un ambiente mas Krautrock nos lleva lentamente hacia pasajes mas sinuosos hasta que llegamos a la mitad en donde una lluvia de diamantes azota hacia nuestro camino mientras la guitarra cómplice observa todo lo que ocurre emulando a una motosierra.

El siguiente TM (Temazo Mayúsculo) que encotramos en la mitad se llama “Point Of No Reply” un corte que mezcla a los LCD Sounsystem oscuros y a un Beck lisérgico en una misma canción. Su intro desde ya es sublime (parece como si ya la hubiéramos escuchado antes), su coro es celestial y su cierre  psicodélico magnífico. Para colmo, con cada escucha vas reconociendo nuevos detalles imperceptibles que la hacen más disfrutable.

Unas cuerdas refinadas abren el siguiente tema que apunta a ser todo un himno estilo noventoso pero que sorprendentemente en un segundo cambia de década transformándose una balada rock ochentosa al estilo INXS, cuyo coro sólo necesita repetir el nombre de la canción, “Wighed Down” para que nos sintamos de nuevo en un estadio repleto agitando las manos. El climax final es de ensueño.

“¿Estan listos?” Así  se puede escuchar de fondo en la intro del tercer “TM” que es “Gathering” en donde un piano y el rasguido de una guitarra se conjugan para llevarnos de la mano a volar por los cielos. ¿Un homenaje a Bowie a Bowie y a Space Oddity por su sonido? Entre británicos todo puede ser.

Volvemos a la distorsión electronica con World Below otra típica cancion pop al estilo de la última Grimes (por cierto la portada de este disco tiene esa misma referencia al arte japonés que ella tanto homenajea). El mas reducido de los cortes pero uno de los que contiene de más fuerza, nomás escucha sus segundos finales.

“It’s A Good Life” es otra gran canción dividida en dos partes. La primera más oscura y cinematográfica  nos trae los versos y la segunda más amigable gracias a los golpes de una bateria y un sintetizador bailable nos trae el emocionante estribillo que nos recuerda que la vida siempre es buena y que sólo hay que esperar que lo bueno de ella llegue para disfrutarla. Es aquí con este concepto donde termina el álbum en sí,  porque a continuación tenemos la pista rompedora de cierre que se destaca frente a las demás por su diferencia.

Hablamos del sencillo estrella, lo más bailable que ha hecho la banda hasta ahora y me animo a decir que su mejor canción hasta la fecha, o por lo menos de mejor resultado, “Something To Remember Me By”. Uno de los estribillos pop más pegajosos del año encima de una base casi EDM, versos cantados al estilo Pet Shop Boys  y con un bajo (tan de moda últimamente) e instrumentación que recuerdan a los mejores New Order en 6 minutos de pura magia. De esta manera se cierra el regreso de The Horrors luego de 3 que vuelve a sorprendernos como siempre.

Con “V” estamos hablando de una de las obras mas sólidas que nos han dejado los británicos. No se puede hablar de madurez con este disco ya que la banda se va renovando constantemente pero sí de un cierto perfeccionismo en los detalles, sean psicodélicos o bailables que hacen que el disco suene redondo pese a tener unas canciones más flojas que las otras.

Sólo el tiempo nos dirá si estamos ante el disco mas representativo de la banda, pero de que se trata de uno de los discos del año que vale la pena recordar no hay duda, tiene todos los condimentos y en especial por primera vez un temazo que merece ser hit radial.

Y ya que en el mundo del cine se ponen de moda las películas de terror nuevamente gracias a películas como “It”, es bueno saber que banda en la música una banda como “The Horrors” apunten también a querer ser popular, a ver si ahora sí reciben el reconocimiento que merecen. (Ya se que la comparación no tiene nada que ver, pero la intención es lo que cuenta... yo solo quería estar también a la moda).


1. Hologram (8)
2. Press Enter to Exit (9)
3. Machine (8,5)
4. Ghost (8)
5. Point of No Reply (9)
6. Weighed Down (8)
7. Gathering (9)
8. World Below (8,5)
9. It's a Good Life (8)
10. Something to Remember Me By (9,5)

Puntaje del disco: 8,5
Especial para: Un día de vacaciones o una noche solitaria y melancólica.

 

1. Canción de E (9)
2. Destruidnos Juntos (8,5)
3. Hijos de la Rabia (9)
4. Interrogatorio (8,5)
5. El Grito del Padre (9)
6. Contigo (9,5)
7. Un Hombre (9,5)
8. Europa Muda (8,5)

Especial para: Esos viajes largos en autobús, pero tienes que estar con los ojos cerrados para adentrarte al mundo / Escucharlo bien fuerte cuando el fin del mundo llegue.

 

"Yo soy un colombiano, yo soy americano, yo soy un ciudadano del mundo
Yo soy un mexicano. yo soy dominicano, de la misma raza, el mismo color. ¡Baila, baila Qué para bailar no necesitas lengua ¡Baila, baila! Vamos a bailar en la misma fiesta". (Internacionales, Li Saumet)

Mañana  21 de septiembre, coincidentemente en el Día de la Juventud en nuestro país e inicio de la primavera en el hemisferio sur, se celebrará en histórico Puerto de Asunción a orillas del río Paraguay el festival “River Sounds” que tiene como cabeza de cartel a la reconocida banda de rock alternativo Incubus. Estarán igualmente presentes bandas nacionales como Villagran Bolaños, Mothership y The Crayolas y también otros artistas invitados de latinoamérica, como lo son la banda de reggae brasilera “Natiruts” y los colombianos de Bomba Estéreo.

Y me detengo en estos últimos, porque no sólo estamos hablando de unos de los nombres más fuertes de la escena musical de nuestro tiempo a nivel latinoamericano sino ya podemos decir que a nivel mundial. Sí, porque Bomba Estéreo gracias su singular estilo de mezclar, como nos dice su clásico “fuego” “champeta, reggae music, cumbia y folclor, con música electrónica” ha seducido a distintos países del globo terráqueo incluyendo el siempre difícil mercado anglosajón.

También estamos hablando de una de las bandas más potentes en vivo, pues sus shows siempre se convierten en una gran fiesta para los asistentes. Me animo a decir que son la versión latina de Arcade Fire que tenemos hoy en sudamérica, comparando en estos momentos actuales a las dos bandas. Es por eso que  no es de extrañar que los canadienses les hayan elegido precisamente a ellos para abrir los shows de su gira “Infinite Content tour”.

Esta relación no solo puede verse en sus presentaciones, sino también en sus discográfías, ya que para los fans de toda la vida, estas agrupaciones han tenido en sus trabajos una pendiente negativa hacia lo comercial y en este 2017 se han animado a hacer su disco más pop hasta la fecha. Lo de colombianos sin embargo no es sorpresa, ya que siempre han estado en contacto con el mainstream. ¿Quién en latinoamérica no conoce “Fuego” por ejemplo?

El nuevo disco de Bomba Estereo se titula “Ayo” y esta compuesto de de 10 canciones de las mas accesibles hayan compuesto el dúo creativo formado por el fundador y bajista Simón Mejía y la verdadera “bomba” del grupo, la vocalista Li Saumet.

La estructura del disco esta compuesto como si se tratara de una fiesta global en donde no importa tu raza, sexo y color, estás invitado a participar de ella. Posee una intro y un outro que básicamente son las mismas canciones y que funcionan perfectamente como el inicio tranquilo del traslado hacia la fiesta y su ambiente, como también a la finalización de ésta con un poco de paz.

Obviamente las 8 pistas restantes del centro son una colección de singles bailables en donde podemos ver a la Saumet despojándose de su papel de “versión femenina de Residente calle 13” para asumir de su nuevo papel de superestrella que tiene casi la obligación de hacer gozar a su público. “La comandante o generala de la fiesta” por lo que se puede evidenciar por su nuevo look.

A muchos “Ayo” les puede parecer solo un simple disco de reggaetón (o para hacer mayor justicia, un moombahton como lo hacen por ejemplo los de Mayor Lazer) de los colombianos pero escuchando atentamente uno puede darse cuenta que la producción es brutal. Hay que tener en cuenta que el nuevo mercado de los de Bomba Estéreo ya no está en Latinoamérica sino en Norteamérica y eso puede evidenciarse por la fecha de su publicación (11 de agosto). “Ayo” es un perfecto disco de verano y en el hemisferio norte del planeta en estas fechas es verano y por el sur invierno (Aunque aquí no notamos la diferencia pues todos en los días cambia el clima repentinamente, pero eso sí, abunda el calor veraniego). De todos modos ante tanta confusion de climas y estaciones del año la primavera será recibida bien en nuestro país con este disco sonando de fondo. Basta de hablar tanto y pasemos rápidamente a lo importante: la música.

El álbum empieza con la selvática, con aires de libertad y electrónica intro llamada “Siembra”. La única pieza que recuerda a sus inicios (como también muchísimo a Subterranean Homesick Alien de Radiohead). Un tema calmado que nos prepara para la parranda, entre distorsiones psicodélicas e intervenciones de niños.

El Bomba de “Amanecer” aparece recién en la segunda pista, “Ayo”, una típica canción de pop tropical a guitarra que acostumbramos a escuchar en las radios. Ya se puede notar la energía de cómo si estuviéramos en un concierto de la banda. Con la intro oriental de “Química” la cosa mejora en un reggaetonazo shakiresco (obviamente mucho mejor) muy muy pegadizo. El “Ahora, aquí, baby dance with me” se hace irresistible.

El single estrella “Duele” se hace presente en una mezcla psicodélica entre cumbia, trap, y por qué no música indígena (el gancho que suena es una flauta de millo acostumbrado también por grupos de cumbia colombiana). El segundo estribillo es a mi parecer lo mejor que podemos escuchar del álbum y la canción es sí, es el punto más alto.

En “Amar Así” volvemos al ambiente de mar y sol. Una canción de amor que no llega a ser cursi por la habilidad de fraseo de Li Saumet y a su voz hipnótica en el coro que se asemeja un poco a cuando Sting hacia sus agudos en canciones más reggae.

M.I.A. y sus cajas registradoras (uno de los sonidos enlatados de canciones más usados. Hay que decirlo ya) se hacen presentes en la divertida “Money Money Money” que al principio puede ser muy aturdidor pero con las escuchas seguidas se hace inofensiva en el tracklist.

El verdadero trallazo del disco al estilo “Fuego”, “El Alma y el Cuerpo” y “Fiesta” es Internacionales” que engloba el concepto del disco, ya que “ayo” según el grupo significa “todo y nada”, significa amor o una palabra que todos pueden decir y nos une. La letra puede parecer muy simple, una típica canción de igualdad, pero el ritmo tan bueno y contagiante hace que se vuelva un temazo en segundos (la intro de vientos ya conquista de buenas a primeras).

La composición más bonita del disco es “Flower Power”, y era de esperarse que la vocalista colombiana ante tantos problemas sobre violencia hacia la mujer haría una canción dedicadas a ellas, las poderosas flores. Es la única que te llega a emocionar y  que en vivo debe de ser todo un himno de respeto hacia las mujeres presentes y no presentes.

Ya en el trayecto final tenemos a “Tanganga”, una pista insalvable por lo desfavorable que es para el disco, muy simple, repetitiva e intrascendente. Te puede llegar a contagiar, por qué no, pero creo que una canción meramente reggae como esta podría haber sido mejor aprovechada. Una versión extendida de la pista inicial titulada esta vez como “Vuelve” (El final es con violines es para resaltar) se encarga de poner punto final a un disco por momentos muy disfrutable con los auriculares puestos, pero que falta saber como será defendido en vivo.

“Ayo” es la hermana menor de todos los discos de Bomba Estéreo, la más juvenil, rosa y fiestera en donde la banda del cerebro creativo y musical, Simón Mejía, demuestra que son uno de los mejores hacedores de canciones pop en español de nuestros días (con ganchos bien adictivos).

Puede que no sea tan buena como uno esperara por la trayectoria excelente del grupo, pero de ninguna manera es un disco malo, tiene su encanto y descubrirlo lleva su tiempo. Estoy seguro que las 8 canciones principales del disco sonando en vivo y en directo teniendo al Río Paraguay de cerca y con unas cuantas bebidas de por medio, sonaran bestiales en el RiverSounds, donde los colombianos marcaran la pauta de la “parranda” presentando este disco.

Para finalizar y como curiosidad, en nuestro país estamos acostumbrados a decir que cuando estamos felices en un sitio es que estamos “ayados” o mejor aún decimos “yo acá me ayo”. Pues siendo así, pienso que el día de mañana el Paraguay o específicamente la capital no va a dudar en decir esta frase en el momento del concierto: CON BOMBA ESTÉREO YO ME “AYO”.


1. Siembra (8)
2. Ayo (7,5)
3. Química [Dance With Me] (8,5)
4. Duele (9)
5. Amar Así (8)
6. Money Money Money... (7)
7. Internacionales (8,5)
8. Flower Power (8)
9. Taganga (6)
10. Vuelve (7,5)

Puntaje del disco: 7,5
Especial para: Irte a escucharlo mañana en el RiverSounds cerca de del Rio Paraguay acompañado de, obviamente, bebidas bien frías.

 

"Nube oscura, que vino como una sorpresa. Aquí y ahora, así que toma tu propio consejo. Comer solo y preocuparse, realmente eso debemos. Pero a mi, mi, mi, tu me hiciste tan poco amable.
Pienso en mí todos los días Estoy solo para siempre Pienso en mí todos los días Estoy solo para siempre..." (Mount Kimbie, T.A.M.E.D.)

Mount Kimbie es un dúo de música electronica de Inglaterra (nada de USA, Francia o Bélgica) que irrumpió en el panorama independiente a principio del 2010 con el disco “Crook & Lovers” por el cual la prensa los empezó a etiquetar como parte del movimiento post-dubstep de ese país.

Hasta la fecha este dúo no lograba una buena aceptación del público (o almenos de uno más amplio), pues su música se caracterizaba por juntar solo muy buenas ideas en sus dos discos anteriores que lastimosamente no despegaban como deberían de hacerlo. Pero en el 2017 a base de buenos adelantos la pareja formada por Dominic Maker and Kai Campos decide dar el primer gran salto hacia el reconocimiento con la ayuda de sus amigos, el niño maravilla de cabello rojo “King Krule” (Quien ya colaborara en 2 canciones de Could Sing Fault Less You del 2013) y el más grande abanderado del estilo que practicaron en el pasado (el post-dubstep), hablamos de James Blake que sin sonrojarse participa aquí en dos tracks, el cual uno fue single.

Todo eso hace “Love What Survives” (de por cierto y para añadir, una portada memorable) sea considerado por los melómanos como “un disco para escuchar” en este año. El resultado, el del pasado 8 de septiembre día de su publicación, que obtuvimos a cambio fue muy satisfactorio. Claro, faltaba un disco electrónico que sea bueno en este 2017, y “Love What Survives” lo es. Pero... seria un error también de catalogarlo simplemente como electrónico, ya que hay aquí mucho más que eso. Para mi es prácticamente rock (por la actitud que desprende), pero uno hecho gracias a las máquinas tecnológicas (Se los demostraré con las referencias en breve).

Veamos que nos dejo este tercer disco de Mount Kimbie del que todos seguro empezaron a hablar en estos días:

Unos efectos extraterrestres dan inicio a “Four Years and One Day” que luego se encontraran acompañados por una base de batería que la hace “arrancar y funcionar” como si de un automóvil se tratara. El tema tiene un in-crescendo progresivo que lo hace muy disfrutable y funciona bien como apertura mental para adentrarse al disco.

Golpes de platillos dan la bienvenida a la siguiente pista, “Blue Train Lines” de un aire bien punk, no sólo por la voz característica de King Krule que la interpreta con rabia y rebeldía, sino por esas distorsiones y golpes de bajo y batería que le siguen a partir del minuto 2. Si querían una definición de punk electrónico sin mencionar a LCD Soudsystem aquí tienen otra muestra más. Temazo.

“Audition” inaugura a los varios pasajes instrumentales que estaremos oyendo con el transcurso del disco, a veces muy favorables para él y otras veces no. Esta pista de 4 minutos que es muy contagiante podría ser tranquilamente una composición de Metronomy por esos sintes característicos y bajos que nos trasladan hacia estilos de música más orientales.

“Marilyn” nos trae otra colaboración, esta vez a Micachu, cuya voz le queda perfecta a esa pieza bailable medio tropical y todavía oriental. De esos temas de ascensor para relajarte que a mi parecer se hace un poco larga, pero no impide que sea buena.

“SP12 Beat” no corre con la misma suerte que la primera instrumental, pues a estas alturas con este tema tal parece que volveremos a escuchar un disco de grandes ideas que en vez de de mejorar al disco la vuelven monótonas. Por suerte aparecen estas percusiones marca Joy Division y salvan la situación por unos momentos.

Una intro 100% británica (¿Les suena a los Stone Roses?) posee la pista siguiente titulada “You Look Certain” en compañía de la única voz femenina colaborativa, Andrea Balency, que no destaca con su participación como si lo han hecho los demás. Una canción que te transporta al pasado y en donde las guitarras toman protagonismo. Al finalizar se puede escuchar el sonido de un piano misterioso y es ahí cuando dices “este seguro es la colaboración de James Blake” pero luego miras el tracklist y te das cuenta que se trata de “Poison” otra instrumental que se hace un poco extensa pero es la que definitivamente abre camino a la colaboración estelar de este disco.

Y es que Blake se trata de un genio, y la base de “We Go Home Together” es nuevamente sensacional, que por ejemplo, no desentonaría al estar en su ultimo disco de éste “The Colour in Anything”. Puede que el tema se disperse un poco a continuación con el organillo y las olas de mar de fondo, pero eso le da quizás más dramatismo a una fugaz aparición que en la ultima pista volverá.

“Delta” vuelve a ser otro gran tema sin voz de por medio. De esos para escuchar muy  fuerte y empezar a mover los pies y la cabeza. Un rock and roll instrumental  con fuerza  y velocidad asi como los grandes del hard rock acostumbraban a hacer cuando alargaban sus canciones en vivo. Esta presente la influencia de Flyng Lotus también en este track, por qué no.

Un coro casi gregoriano con distorsiones en sus voces abre mi tema favorito del disco. “T.A.M.E.D” (Think About Me Every Day) en donde una voz casi clonada de Damon Albarn empieza ha hablarnos sobre lo bien (o mal) que se siente estar siempre solo. Esta voz femenina si que aporta bastante para darle el climax que la canción necesita. Las bases y armonías me recuerdan por momentos a “Czech One” una de las nuevas canciones del Krule, y ya intuimos por qué ha de ser esto.

Luego de ese temón por la cual ya vale la pena escuchar el disco, llega el final de nuevo dramático a cargo de James Blake, el cual se encuentra acompañado de golpes y sonidos de piano. Otra interpretación potente de bateria aparece después para sacarle protagonismo a el cantante de “soul electrónico” (si así podríamos llamarle) que luego retoma su lugar en la parte final que con un pesado instrumental a base de golpes de tambor con el cual el disco se despide.

Para ir resumiendo, Mount Kimbie han hecho claramente hace unos días su mejor disco hasta la fecha, con cosas más interesante de lo que nos habían mostrado y con algunas canciones que por fin se demuestran sólidas. Pese a algunos altibajos provocados por esa secuencia que tiene el disco de “instrumental-canción con colaboración-instrumental” el álbum se hace muy disfrutable de principio a fin y se nota que no esconde sus influencias hacia el rock británico de los 80’s algo que resultó bastante bien.

 No va a ser uno de los discos mejor valorados del año (aunque si lo es tiene mucho mérito) pero si uno digno de destacar cuando este termine y que quizás sirva para que en el futuro luego de esta experiencia hacia un público mayor, llegue la por qué no, obra maestra de estos británicos, de los más destacable en materia de electrónica de su país (sí, junto a Jaime XX, tienen razón).


1. Four Years and One Day (8,5)
2. Blue Train Lines (9)
3. Audition (9)
4. Marilyn (8)
5. SP12 Beat (7)
6. You Look Certain (I'm Not So Sure) (8)
7. Poison (-)
8. We Go Home Together (8,5)
9. Delta (9)
10. T.A.M.E.D (9,5)
11. How We Got By (8)

Puntaje del disco: 8
Especial para: Es uno de esos soundtracks que mas te puede acompañar a los viajes nublados, con mucha niebla de por medio en la mañana bien temprano, cuando no haya mucha gente en el camino, mientras tú te quedas tarareando “T.A.M.ED.”.

1. Plastic 100°C (8,5)
2. Blood on Me (9)
3. Kora Sings (9)
4. [No One Knows Me] Like the Piano (9,5)
5. Take Me Inside (8)
6. Reverse Faults (9)
7. Under (9)
8. Timmy's Prayer (9)
9. Incomplete Kisses (9)
10. What Shouldn't I Be? (8,5)

Especial para: Días lluviosos en los que te toca dormir solo.

1.  Lit Me Up (9,5)
2.  Can't Get It Out (9)
3.  Waste (8,5)
4.  Could Never Be Heaven (8,5)
5.  Same Logic/Teeth (10)
6.  137 (9)
7.  Out of Mana (8,5)
8.  In the Water (8,5)
9.  Desert (9)
10.  No Control (9)
11.  451 (8,5)
12.  Batter Up (8,5)

Especial para: un viaje, pero al pasado para los nostálgicos.

 

"Ya va un día más que no como y qué
Estoy perdiendo el tiempo con todo lo que hago
Algunas cosas mudan, cambian de lugar
Me estoy volviendo loco y no te puedo encontrar" (Baíha, Luca Bocci)

Este es el tercer disco argentino de este año del cual hablaré, pero no se preocupen, a los otros países iberoamericanos les tocará mas tarde...:

“Reconocer un error es de sabios” dice la frase, y me gustaría ser sabio por un momento y decir que estaba equivocado. Cuando el año pasado salió “Blonde” de Frank Ocean no me gustó para nada, el  hype era enorme para recibir a cambio un disco lleno de interludios de parte de uno de los artistas que prometía ser el genio máximo del R&B de nuestro tiempo.

Obviamente a todo el mundo (bueno a casi todo el mundo) les encantó el disco, entonces yo me hice a llamar silencio, pues como aquel cuento del “vestido del rey” era uno de los que no veía la obra maestra y no quería ser un estúpido, porque “sólo aquellos no podían verlo”.

Pasó un año y fue mediante ese transcurso que fui reconociendo que ese disco era revolucionario y que cada track tenia algo especial, muy íntimo, que te hacían entrar al mundo que proponían. Para que esto ocurra contribuyó la enorme influencia en la música que vino después de ese álbum, (posiblemente es el disco más influyente de este ultimo año) su impacto fue enorme en los artistas y quien sabe hasta cuando. Perdón Blonde eres un discazo.

Bien, ahora sí a lo que vinimos, tanto fue ese impacto que ha llegado incluso hasta al país ubicado más debajo en el mundo, Argentina, específicamente en la ciudad de Mendoza en donde tal parece que un joven genio de esa ciudad escuchó Blonde y luego de ello se dijo: “Es ahora cuando debo lanzar mi álbum...”.

Y así fue, como en unos pocos meses uno pudo descubrir por medio de Youtube un disco de un poco más de media hora que lo firmaba un tal Luca Bocci. El trabajo se llamaba “Ahora” y su portada era algo parecida al del álbum que perdone en las líneas anteriores, nada más que Luca aquí no cubría su rostro, no era moreno, no era rubio, no tenía músculos, pero lo que si tenía era... un cigarrillo. Por otro lado si se hubiera puesto una peluca y un poco de bótox aquella sería también la portada de un disco de Lana del Rey tranquilamente.

En este material de solo 10 canciones lo que uno puede oír es un poquito de música eléctronica, al igual que R&B en guitarras (ya no hace falta decir más gracias a quien), pero lo más asombrosamente destacable que también se puede escuchar en él, es definitivamente la fuerte influencia del buen “rock argentino clásico”, algo muy olvidado por la nuevas generaciones de músicos de ese país.

Empezando por la voz de Bocci, un híbrido entre la calidez del Flaco Spinetta y la interpretación carismática de Fito Páez que atrae de buenas a primeras y que por momentos parece que estamos escuchando en ese escuálido joven no muy agraciado la voz de un ángel. Le sigue el estilo, como su manejo de bases pegadizas y un poco de sintetizador como lo hacía Charly García en sus años mozos o como cuando le toca hacer temas más acústicos en donde se vuelve a notar que "el flaco" vuelve a ser su máximo ídolo (como a todo argentino que le gusta la música). La suma de todo esto hace que nos encontremos con un raro especimen para lo que se acostumbra actualmente y es digno de destaque.

Que tal si hacemos un repaso breve por este gran descubrimiento.... (acompáñame a ver esta feliz historia):

“Ahora” se inicia con una “Intro” de minuto y medio que nos ambienta hacia un aeropuerto con sonidos muy nipones y gente aplaudiendo. Esto luego se desvanece en un torbellino hasta que sorpresivamente arremete la primera canción del disco “Danzan” un psicodélico tema bailable con uso de máquinas electrónicas. Te lo resumo: la canción tiene un ritmo “The XX feat. Bomba Estéreo” cantado por Fito Páez y que incluye un solo de piano final a lo Mozart.

“La Era de Picis” es la que marca el verdadero inicio del sonido característico del disco, canciones pop con guitarras y percusiones como principales instrumentos a lo “Yendo de la cama al living”. En este preciso instante es cuando empiezas a bailar y dices “Uf como pega esto”. Y ah! A poco cuando Bocci dice el famoso “nena” no parece que estamos escuchando al mismísimo Spinetta.

Una cinta adhesiva se encarga de pegarnos ante otro temazo blondiano y fuertemente descendiente del nuevo pop chileno llamado “Archipiélago” que esta dirigido por otro riff de guitarra R&B. En él, el cantante nos pinta un cuadro caribeño con poesías surrealistas. Más que genial.

El tema titular, “Ahora”, si fuera interpretado hace unas décadas por algún grande, en estos momentos ya estaríamos hablando de todo un clásico de del rock argento. Hermosa balada (de esas que tanto les gusta a los rockeros para mover la cabeza de un lado a otro y corear los “uuuh”). Ya se hace presente en él el parecido a la música de Páez, pero es en la siguente, “Bahía”, cuando este prócer del rock se hace más fuerte.  Un excelente estribillo que nos dice “Ya va un día más que no como y que...” tiene prohíbo ser olvidado con facilidad. El sólo de guitarra al final es sensacional, vale agregarlo.

En “Detener” la cosa cambia un poco en un tema más brasilero que otra cosa. Parece una improvisación para un grupito de gente que se lo anduvo pidiendo. Curiosamente también se asemeja un tema de Café Tacvba, por la forma particular de cantar del artista.

“Perla” como su título lo indica es otro tema muy valioso, que desprende en esta ocasión mucho pesar y melancolía. Este en cambio se asemeja una balada que los Enanitos Verdes hubieran compuesto e interpretado en sus mejores tiempos (aunque si quieres seguir con Fito, sigue con Fito). Demás esta decir que lo que hemos escuchado hasta ahora es un homenaje al buen rock de la tierra del Diego Maradona.

“No Tiene Otro Nombre” al empezar es como una balada Beatle de sus últimos años pero luego va tomando matices más experimentales (al estilo “Invisible”) como  progresivos, acabando con efectos tecnológicos. De hecho es la pista más larga del disco exceptuando a la última.

Para el track de cierre “Fujin Ama a Raijin” el ambiente nipón regresa en una pieza 100% "electronica lo-fi" que funciona de gran manera. El disco se abrió así y también se nos cierra así, y eso que no estamos hablando de un larga duración que tirara hacia este estilo. En el minuto final es imposible no pensar en el tío Charly cuando finalizaba sus discos dorados con largos pasajes instrumentales. Esta es una pista que nos deja con la incertidumbre sobre el porvenir de este futuro gran genio o sólo un joven que hizo un disco correcto en el tiempo correcto.

Entonces..., “Ahora”, el disco debút del mendocino Luca Bocci nos trae armonías, ideas, ritmos del glorioso pasado argentino que quedaron olvidados, dándoles una pizca de actualidad gracias a la influencia de la última gran obra de Frank Ocean que dio el golpe de timón. El resultado es un disco intimista  que parece que se hubiera grabado desde su habitación, en donde el artista expone sus pensamientos y dudas por medio de la poesía surrealista spinettaniana.

No es una obra maestra, pero al escucharlo uno no puede evitar volverlo a reproducir. No sé si es la voz angelical de Bocci o las composiciones tan sinceras (algo que no encontrábamos en la música latina desde Javiera Mena) que hacen que inmediatamente te identifiques con su creador. En fin, este LP es otro de los que está destinado pese a sus limitaciones a encontrarse entre los mejores del año, y con un voto de confianza de mi parte.


1. Intro -
2. Danza (8,5)
3. Era de Piscis (9)
4. Archipiélago (9,5)
5. Ahora (8,5)
6. Bahía (9)
7. Detener (8)
8. Perla (8,5)
9. No tiene nombre (8)
10. Füjin ama a Raijin (8,5)

Puntaje del disco: 8,5
Especial para: Un trío entre tú, tu habitación y la soledad.

"La primera vez que te vi, estabas caminando. Quería preguntar si podías quedarte. Pero estabas en algo con tus amigos alrededor. No había nada que yo pudiera decir.
La próxima vez que te vi te estropeaste. Un millón de años se habían ido. Me miraste bien y me di la vuelta. Todavía no había nada que pudiera decir. Pero voy a mantenerte enamorada de mí por un tiempo". (Matt Berninger, The Dark Side Of The Gym)

Están las agrupaciones que hacen bandas sonoras para películas, las famosas OST que son discos con canciones que van apareciendo en el filme. Luego estan las bandas que hacen música para las personas, los que crean discos para luego trasladarlos en directo y que las personas tengan experiencias con ellas. Y luego estan The National una agrupación que hace las dos cosas, la banda sonoras de nuestra vida con cada uno de sus materiales.

Sus canciones perfeccionistas y casi siempre sensibles suelen ser perfectas acompañantes en distintos momentos de la vida y más si es un invierno melancólico, por que hay que decir que esas canciones son bien invernales, o resultan mas en esa época del año.

Con una discográfia que cualquier grupo envidiaría The National alcanzó la fama en el 2010 con "High Violet" y luego la confirmó con "Trouble Will Find Me" un disco mucho más accesible. Uno no sabía lo que podría venir después, como tomaría el rumbo del sonido de la banda ahora siendo superestrellas del indie.

Rompiendo el ciclo de 3 años por álbum, los de Ohio a principios del 2017 anunciaron que su nuevo disco estaba en camino, publicando un nuevo single “engañoso” pues daba a entender que el nuevo material sería mas alegre. A esto le acompañó una muy buena promoción y marketing (y deberían, pues el disco  iba salir 5 meses después de su anuncio) en donde la casa o cabaña de la portada se volvió un símbolo y que ahora es concretamente un logo perfecto para la banda.

“Sleep Well Beast” es el nombre de esta nueva creación de los norteamericanos que para el alivio de los fans es una obra 100% The Nacional, pero... (¿Dijiste pero?), con algunos experimentos en donde las secciones electrónicas toman más protagonismo y los pasajes instrumentales se hacen un poco mas largos para destacar la hermosura que puede lograr una banda con tanto genio junto. De hecho al escucharlo parece un disco instrumental que luego se le han ido añadido las letras, y de hecho así fue pues es asi como componen Matt Berninger y los hermanos (¿mellizos o gemelos?) Dessner.

Todo inicia en “Nobody Else Will Be There” y sus percucuiones que parecen una caja de escarbadientes agitándose. Lo demás, un número muy ellos, con piano, arreglo de cuerdas y en donde en el estribillo sólo necesitamos una frase repitiéndose para causarnos una emoción. Por la letra ya intuimos que el disco tendrá muchas canciones de amor, pero ese amor que solo esta en tus pensamientos.

Le sigue “Day I Die” con mas ánimo, como levantando al disco. Con sus repeticiones esta canción te conquista y contagia aunque no sea muy diferente a lo que el grupo ya ofrecía, y sí, va dedicada a una mujer nuevamente. La batería, instrumento esencial en la música de The Nacional ya aparece con todo su esplendor.

Con “Wall It Back” ya se vislumbran las experimentaciones. Su intro de sintetizador propio de piezas de EDM (Bueno tampoco escandalosamente así, sino mas relajado) nos lleva luego hacia un tema gris de buen arreglo de cuerdas. Contiene un pequeño sample de un discurso que habla sobre que “la realidad no surge del estudio juicioso, sino actuando”. Luego de esto parece que sonara el “Can’t falling in love” de Elvis, pero creo que solo es una ilusión mía.

Un coro de damicelas abre el siguiente track, el temazo del disco con un una influencia tremenda de U2 (de cuando eran buenos) en cada sección, desde el piano evidente hasta el solo de guitarra. Con “The System Only Dreams In Total Darkness” estamos hablando de uno de los temas más accesibles del quinteto y el single principal del disco. Aquí queda demostrado por que Bryan Devendorf es uno de los mejores baterías de nuestro tiempo.

“Born To Beg” es otro tema que bebe de la electronica (pequeños chorritos) en el cual destaca su línea de piano que me recuerda un poco al disco reciente del Father John Misty por ejemplo. Hacia el final se puede ver leves aproximaciones al el “ambient”.

Con furia llega el gemelo malvado de “The System...” (de hecho el grupo confesó que estas canciones eran una sola, pero tuvo que separarlas) llamado “Turtleneck”, una verdadera sorpresa en donde la voz de Matt por momentos se deshace de su personaje de hombre grueso solitario y sentimental. Los solos de guitarra vuelven a tomar protagonismo en este cierre de la muy satisfactoria primera parte.

El la segunda es en donde empieza a haber un poco de “más de lo mismo” que hace que el disco decaiga un poco, capaz por la euforia que supuso el track anterior.

“Empire Line” vuelve a la base electrónica y al piano que con el paso de los segundos va creciendo con cada adición de instrumentos hasta el regreso de las percusiones que crea un final mucho mas atrayente de lo esperado. “I’ll Still Destroy You” parece un tema extraído del Pure Heroine de Lorde hasta que llega el estribillo Nationalesco que nos devuelve a la realidad. El descenlace orquestal deja a uno con los pelos de punta.

Otro de los puntos altos del material es el single “Guilty Party”. El fantasma (si es que esta muerto) de Elvis y su Can’t Falling In Love vuelve a recorrer mi cabeza en la intro de piano (se los dije no estaba loco) en una canción que cambia de armonías, cuando parece que será una pieza esperanzadora que ira creciendo, subiendo en intensidad, al llegar al coro va cambiando volviéndose melancólica, descendiendo hasta romperse en una intervención, la más sublime del piano en todo el álbum. Describe perfectamente esa disolución del matrimonio que nos habla en la canción. Hermoso

“Carin At The Liquor Store” se presenta como una pieza acústica y por el título esta dedicada a la madre de Aaron Dessner, fallecida recientemente y a quien según la banda le encanto esta canción cuando la escuchó. Aaron toca el piano con todo el sentimiento del mundo, eso se puede sentir perfectamente.

“Dark side of the Gym” (un titulazo ¿verdad?) es una canción que no tiene nada que ver con el ejercicio, mas bien, habla de un hombre que no se anima a hablar a una mujer. En lo instrumental funciona perfectamente como el soundtrack de esta situación, una especie de balada country que nos hace adentrarnos al pensamiento del personaje. La voz femenina aporta mucho y el final con un hibrido orquestal/electrónico queda como otra apuesta resultante.

El cierre del disco se da con el tema titular “Sleep Well Beast” que por cierto pese a sus 6 minutos y medio de duración es la canción mas larga del grupo en un álbum (About Today fue una banda sonora por ejemplo). Matt toma prestada la voz de Leonard Cohen por un momento sobre una base ya hecha por la tecnología en su plenitud convirtiéndolo así en uno de los temas mas arriesgados del grupo. Este se extriende con pasajes ambientales que cierran otro buen disco de The National.


Perfecto, entonces hay que decir que el nuevo disco de los estadounidenses luego de 4 años cumple con su cometido de presentar cosas nuevas al oyente gracias al aporte de las maquinitas pero carece, eso sí, de algo que los hacia únicos hace diez años cuando salió “The Boxer”. Quizás sea por haber intentado ir más hacia la experimentación pero este es el primer disco que la banda que no me llega a emocionar. Todo esta excelente, pero las canciones ya no te llegan como las anteriores y no es culpa de los sintetizadores.

Sleep Well Beast sin embargo es de esos discos para escuchar con calma, en ambiente relajado como en la cabaña que nos muestra la portada, pues esta lleno de belleza que se logra conecetar con ella solo con tranquilidad y paciencia. Las letras son para prestar atención, como siempre bellas a cargo de Berninger y su señora esposa..

No es mejor que su trío de discos anteriores pero eso no significa que no sea otra de las enormes bandas sonoras de tu vida, que la puedes reproducir cuando encuentres el momento adecuado para ella, y que además se trate de uno de los discos que merecen ser destacados este año.


1. Nobody Else Will Be There (8,5)
2. Day I Die (8,5)
3. Walk It Back (8)
4. The System Only Dreams in Total Darkness (9,5)
5. Born to Beg (8)
6. Turtleneck (9)
7. Empire Line (7,5)
8. I'll Still Destroy You (8)
9. Guilty Party (9,)
10.  Carin at the Liquor Store (8)
11.  Dark Side of the Gym (8)
12.  Sleep Well Beast (8,5)

Puntaje del disco: 8
Especial para: Climas invernales y grises o lugares tranquilos como la oficina.

El dia de ayer la artista estadounidense St. Vincent publicaba su segundo single, portada y tracklist de su nuevo album de estudio que llevará el título de "MASSEDUCTION".

La portada muestra una mujer agachada restregando al publico su parte trasera, algo que no es gran novedad en covers de discos.

Mientras Taylor Swift cambia su imagen volviendose más "malvada" (bueno, ya lo era pero esta vez lo demuestra), Annie Clark en cambio pasa de una imagen mas alternativa e incluso oscura de su trabajo anterior a una colorida y sexy nueva era.

¿Si Tay nos trae toda su REPUTAtion, por qué no tambien St. Vincent no nos puede traer toda su mASSeduction?

Después de toda esa vulgaridad del video de Boys de Charly XCX parece por fin alguien se puso a pensar en nosotros los "niños" mientras esperamos el Anaconda 2.0 de Nicki Minaj (jeje).

Bienvenido sea esta nueva etapa más pop para la artista que pinta muy bien igualmente en la parte musical:

"Ven cientos de ellos y millones de muerte a las hermanas y hermanos más inocentes muertos a vuestras manos basura indecente.
Dios sabrá vengarlo Dios es grande siempre. Los atentados son una falsa bandera cuando atacan a los tuyos por dinero que te llevas a paraísos fiscales dinero con sangre de tus hermanos a los que traicionaste tú no tienes miedo a lo que estoy diciendo
no quieres que nadie sepa que pienso niegas lo que nuestros ojos están viendo
eres enemigo de cualquier conocimiento". (Jota, Islamabad)


Los Planetas son la banda de indie rock por excelencia de España. Su carrera con mas de 20 años en actividad no sólo le ha traído elogios de la prensa local sino también cierto ruido a nivel internacional, convirtiéndole en la agrupación de rock española mas conocida en Latinoamérica desde Héroes del Silencio.

Cuando uno llega a cierto punto de la fama, siempre (o casi siempre) se toma la libertad de hacer sus siguientes trabajos más experimentales o mejor dicho más accesibles para un público mayor gracias a la fusión de estilos. Los granadinos no fueron la excepción y a mediados de los 2000’s se pusieron a juguetear con el flamenco dando resultados satisfactorios en su disco La Leyenda del Espacio del 2007. Si no se le entendía antes a Jota cantando flamenco mucho menos.

Lo que uno no esperaba era que diez años después la agrupación iría aun mas allá aliándose nada más y nada menos que con la gran estrella y precursor del Trap en Español, Yung Beef (integrante de PXXR GXNG, hoy Los Santos) para lo que seria el segundo single y tema de apertura del nuevo disco de la banda luego de 7 años de ausencia.

Como si estuviéramos en el mundo del Hip Hop, Jota y compañía se pusieron manos a la obra para reversionar (is this the remix!) la canción Ready Pa Morir del trapero, añadiendole mas letra, guitarras y un in crescendo sublime que solo los creadores de La Copa de Europa podrian hacer.

El tema se llama Islamabad y tiene una letra muy política que invita al análisis como también a buscarle cierto tipo de significado. Ella se toma con Dios, con el gobierno y con la gente misma pero yo almenos después de volver a escuchar la canción luego de lo ocurrido el mes pasado en Barcelona no puedo quedar mas frío viendo algunas líneas que hoy se convierten en referencias.

El título Islamabad significa “Ciudad del Islam” que es la capital de Pakistan uno de los lugares “mas peligrosos del mundo” y la letra que por momentos es pesimista por lo que pasa a la humanidad recita cosas como que “Tus atentados son de falsa bandera”. De alguna u otra forma pienso que esta canción pasa de ser un enorme temazo que abre el nuevo disco de los granadinos a un posible himno humanitario llamando a la reconciliación o mejoramiento del mundo.

En lo musical es imposible no notar que pese que sea un tema muy “planetario” tiene una cadencia y ambiente de trap desde su inicio y los versos (ahora entendibles) de Jota que parecen casi un rap lento (le faltaría el autotune y voilá). Atención a los golpecitos de batería que también guardan similitud. No se descarta también el aire angelical muy post-rock que posee, con esos subidones que te llevan al éxtasis total en sus 7 minutazos de duración.

Los Planetas regresaron con un muy buen disco este año (que tiene un poco de Radiohead, The Cure, The Smiths, Sigur Ros y Flamenco repartido en sus canciones) y por sobre todo con otro gran temazo que nos demuestra que la música es una sola (no hay que discriminar estilos) y si se hace bien ya sean fusiones o no, nadie puede discutirla.

Puntaje: 9,5
Especial para: incluirla en una playlist de trap y que no desentone o para cuando necesitas el soundtrack perfecto para desconectarte de tus preocupaciones (Escúchalo fuerte).

1. No Escuro [feat. Jucara Marcal, Na Ozzetti & Tulipa Ruiz] (9,5)
2. Desmonto Sua Cabeça [feat. Rafa Barreto] (9)
3. Fear of Pop [feat. Rafa Barreto] (8,5)
4. Chorei [feat. Jucara Marcal](10)
5. Terra de Um Beijo Só [feat. Guilherme Valério & Rafa Barreto] (9)
6. Uma Hora da Manhã (8,5)
7. Seus Olhos (8,5)
8. O Inferno Tem Sede [feat Tulipa Ruiz] (10)
9. A Morena do Facebook (9)
10.  Quem Te Come [feat. Suzana Salles] (8,5)
11.  Inferno Particular [feat. Na Ozzetti] (8)
12.  Chorinho [feat. Guilherme Valério] (8)
13.  No Vazio da Morte (9)
14.  Crack Para Ninar [feat. Guilherme Valério, Jucara Marcal, Rafa Barreto & Suzana Salles] (9,5)
15.  A Gente Se Fode Bem Pra Caramba [feat. Jucara Marcal, Na Ozzetti & Tulipa Ruiz] (9,5)

Especial para: La gente que dice que ya no se hace buen rock, con espíritu rock/ Para quienes les gusta escuchar música muy fuerte/ Para disfrutar como una película.