4L4Music: abril 2018

RECOPILACIONES 4L4Music: THE LIFE OF BUNNY - BAD BUNNY (Puerto Rico)

By 4L4M - 4/29/2018

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ÁLBUMES 2018: FREEDOM - AMEN DUNES (USA)

By 4L4M - 4/27/2018

"Este es tu tiempo, el tiempo de ellos está hecho, se acabó. Estoy enfermo y cansado de escuchar sobre eso, ¡que se jodan! Este es tu tiempo, ahora ve y tómalo. Yo no tengo ninguna idea, tengo una mente vacante" (Niño y mujer en el Intro del álbum Freedom, 2018).

Admiro a ese grupo selecto de personas que ya conocía a Damon McMahon y a su proyecto, porque a la mayoría se nos escapó todo este tiempo. Así que los admiro y respeto por confiar en su talento desde el principio que ahora llega a un punto altísimo y que es por eso que llamó la atención de tantos medios como a personas que gustan de la música.

Hoy la banda llamada Amen Dunes que escuchamos en este disco titulado "Freedom" suena a un accesible clásico del rock, pero tras ello hubo un proceso de metamorfosis del cual sólo algunos fueron testigos. La voz de McMahon que antes era poco entendible al entonar ahora suena clara pero a su vez afectada y temblorosa. Como ya se había mencionado aquí en la reseña de una de las canciones del disco, su madre había muerto hace no mucho por un cáncer terminal y ese hecho fue una de las inspiraciones para hacer este trabajo.

Son 11 canciones cuyo mejor calificativo para describirlas sería "agradables", endulzan al oído con sus compases repetitivos y no muy pretenciosos, y todas, absolutamente todas tienen algún que otro gancho llamativo con olor a "esto ya lo escuché en alguna radio en los 90's". Las letras pasan a segundo plano en discos así sinceramente, pues te dejas llevar por lo que la música te va diciendo que pasa según tu interpretación, aunque destacaré algunos temas puntuales que requieran de significación.

El disco inicia con una "Intro" motivacional, no por parte de un viejo sabio o alguna que otra celebridad de voz envidiable, sino por parte de un niño (¿se esta volviendo una moda esto de empezar discos con voces de infantes?) que con sus palabras trata de subirle el ánimo a un decaído Damon para que viva su tiempo que empieza ahora.

Luego arremete ante nuestros timpanos todo un clásico noventero que tranquilamente junto a su "video retro" hubiera circulado por horas en la antigua MTV, claro, cuando todavía pasaban música esos malditos. Hablamos de "Blue Rose", una pieza atmosférica de sintetizadores celestiales y percusiones tropicales para un buen momento de relax. La canción responde en cierto modo al pedido inicial del niño cuando dice: "Dijeron que debería seguir desde aquí; me peiné, comencé a salir y mis sueños tomaron medio arrastre. No puedo decir a mi pobre mente que me deje. Sí, no puedo tomar un descanso". Un temazo que tiene pinta que perdurará en el tiempo, especialmente para los nostálgicos de la generación X.

"Time" retrocede un poco más la fecha de nuestra máquina del tiempo llevándonos hacia el rock alternativo y folk de los 80's a lo R.E.M. Unos acordes de guitarras hipnotizantes que más tarde son acompañadas por sutiles efectos electrónicos y que nos llevan de la mano para dar un paseo, en un trayecto donde nos vamos esquivando cada vez que encontramos a las guitarras de los Stone Roses. Personalmente me recuerda a una canción de Pink Floyd, pero no es la que piensan, se trata de la anterior a esa, "On the run" porque que parece ser el soundtrack de un viaje en avión o de una visita al aeropuerto.

Por otro lado, "Skipping School" me recuerda a otra banda, a los Smashing Pumpkins pero cuando éstos se ponían más oscuros. Es una canción que al principio tiene unas lineas pesadas de bajos y una guitarra psicodelica que al parecer nos hacen querer creer que estaremos ante un tema experimental sin más, pero una vez llegando a la parte intermedia surge una sorpresiva transformación resultando esta "escapada de la escuela" en todo un rock de estadio. Ah! casi lo olvidaba, por más que lo piensen no, ese no es Mick Jagger.

"Calling Paul The Suffering" desde su título nos indica que estamos ante una canción amistosa. De esos medios tiempos que acostumbraban hacer bandas como aquellos australianos encantaban a tus padres llamados INXS y que posee la particularidad de fusionar sin sonrojarse el rock con el reggae, algo que en su tiempo fascino tanto a los británicos que no pararon de hacerlo. "Miki Dora" es otra de las joyas el trabajo, un homenaje al surfista de mismo nombre que dibuja paisajes de playa, olas y sol con un ritmo que de seguro ha de haber encantado a Joseph Mount si es que lo escuchó. Un rock bastante calmo en su sección final estalla nuevamente así como sucedió con la pista anterior.

"Satudarah" se abre camino como si estuviéramos por presenciar un blues rock monumental y los dedos se dirigen inmediatamente al botón del volumen, pero.... naaa... eso no encajaría para nada entre lo que veníamos escuchando, es por eso que se agradece que esa tremenda introducción se quede en una especie de interludio con suspenso, un momento de reflección para McMahon. La pieza transcurre lentamente como si a las los pasos de un gigante cansado representasen (¿Crees que eres un gran hombre? ¿Por qué hablaste?).

Y que decir de "Believe" que ya no hayamos dicho, es demasiado temazo y aquí se convierte en la clara pieza central del material. Un homenaje para su madre que describe los últimos momentos que pasó con ella en el hospital, hablando de la fe y la religión. Es la mas guitarrera del conjunto y por ende la más animosa (Hasta bailable (hey hey... hey hey)). Un clásico instantáneo donde podemos presenciar la mente atormentada por las dudas del Sr. McMahon.

Pero ojo, que le sigue otro temazo de estilo "rollingo" como lo es "Dracula" donde todo funciona bien; esos sintetizadores marcianos son la gloria misma y nos hacen sentir estar como en un viaje espacial. Imposible no abusar de los movimientos de Jagger escuchando algo así de bueno.

"Na na ne eeee... Na na ne eeee... Freedom" así como lo sugiere este estribillo "Freedom" es una cancion con 100% espíritu de liberación que te remite a los años 60´s, y eso queda más que comprobado con el falso final y la coda psicodelica que tiene. Y hablando de esa época, como repetidamente venía insinuando Damon no solo es Jagger aquí, también puede ser Van Morrison, pero uno moderno al más fiel estilo del siglo XXI, que usa el sintetizador para hacer de cuerdas como se da en "L.A." cierre fantástico del álbum que entre reapariciones del niño motivador se va acelerando.

Ya son las 10 en punto y es hora de vivir tu tiempo "better better better". "Freedom" es un disco redondo y con pocas fisuras, para disfrutar en esos momentos que necesitas algo de paz y que tiene una alta dosis de temazos (Blue Rose, Miki Dora, Believe y Drácula por solo nombrar a algunos resaltantes).Es el trabajo de Amen Dunes que está ganando mayor notoriedad y por justas razones, se puede seguir haciendo rock inspirado en el pasado pero que suene actual, no se porque ya se olvidaron de ello.

Si tan solo un buen samaritano y viajero del tiempo llevara este trabajo hasta mediados de los noventas.... bueno, nada en la música de hoy cambiaría, pero de seguro ese ese futuro alterno estoy seguro existiría otro clásico junto a los grandes trabajos del rock alternativo (cosa que dudo que pase con el tiempo ahora con este discazo) porque este trabajo es eso, además de atemporal un clásico.

De los discos que mas estoy escuchando en el año y de mis preferidos... ¿Coincides?

Puntaje del disco

1. Intro (-)

2. Blue Rose (9,5)

3. Time (9)

4. Skipping School (8.5)

5. Calling Paul the Suffering (8,59

6. Miki Dora (9)

7. Satudarah (8)

8. Believe (10)

9. Dracula (9,5)

10. Freedom (8,5)

11. L.A. (8,5)

Especial para: Un momento de relax.

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2018

CANCIONES 2018: GENTE DE MIERDA - PUTOCHINOMARICÓN (España)

By 4L4M - 4/20/2018

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reseña

ÁLBUMES 2018: CARE FOR ME - SABA (USA)

By 4L4M - 4/15/2018

“Subimos al auto, pero no sabíamos a donde conducir. A donde sea que vayas hermano, vamos a ir a buscarte” (Saba, PROM / KING).

Este disco “CARE FOR ME” es simplemente belleza pura y les explicaré por qué. Saba es uno de estos nuevos raperos que apenas pasan la barrera de los 20 años a quien conocí por sus colaboraciones con Chance The Rapper y a quien nunca imaginaba que haría un disco tan bueno como el mencionado. Claro que tenía potencial, pero ya saben, 2 de cada 10 raperos que surgen son los que se dedican incesantemente a lo musical y a que sus discos sean sus pequeñas obras maestras; los demás a vender.

Para que ello pasara tuvo que haber un cambio en la vida de Tahj Malik Chandler (Su nombre real) que sirviera de nueva inspiración, y desgraciadamente eso fue lo que ocurrió. El año pasado su primo, mejor amigo, compañero de discográfica y mentor de la mayor parte la vida Walter Long Jr. falleció de manera trágica al ser acribillado a sangre fría, situación que lo dejó totalmente devastado al rapero, que apenas debutó en el año 2016 con Bucket List Project y todavía tenía una carrera por delante.

La repentina muerte de Long Jr. provocó a que Tahj se quedase aislado de todo el mundo por un buen tiempo en su casa (Hasta cerró todas sus redes sociales), donde luchó consigo mismo, con la depresión, puso en duda su fé, revivió constantemente su pasado y hasta empezó a conversar consigo mismo. Todo lo que vivió de esa desoladora y desconcertante experiencia fue que lo plasmó en este “CARE FOR ME” y el resultado como pueden ver es maravilloso.

Ya en la primera pista, una doble titulada “BUSY / SIRENS”, éste empieza diciendo “estoy tan solo”. Ella nos introduce en ese ambiente claustrofóbico que caracterizará a la obra, que nos hablará sobre la partida de su gran amigo, como así también en esta pista sobre su novia, mujer que lo terminó por abandonar apenas quedó en esta situación de “orfandad”. En “BUSY”, con la ayuda de TheMIND el rapero nos dice tener un día que para su mente resulta bastante atareado y pide al Dios de los cielos que le tenga a su amigo en su santa gloria. En “SIRENS” en cambio le invaden los recuerdos sobre una base que transmite melancolía y aislamiento.

Le sigue “BROKEN GIRLS”, en la compañía de una guitarra psicodélica que muchos recordarán por ser la preferida para los temas de Tyler The Creator o Frank Ocean. Una pista que continúa hablando sobre su constante depresión, algo que trata subsanar volviendo a entablar conversaciones con las chicas que fueron sus novias en algún momento de su vida por medio del celular, algo que no llega a resultar. Destaca por su estribillo repetitivo y pegajoso y su final lisérgico que hace como si se asomaran unas bases de batería mientras él nos va pidiendo encarecidamente que “se lo cuide”.

“LIFE” con la apertura de un bajo jazzero simplemente alucinante y una base de trap nos sumerge en la oscuridad de la muerte (que contrasta con el título), todos llegan a ella en algún momento como 2Pac a los 25 o Jesús a los 33. Aquí se empiezan a relucir las influencias musicales para el disco, especialmente siendo protagonista la escena musical de Chicago que de fondo escucharemos por medio de un piano, trompetas o el mismo bajo, siendo también testigos de esta lucha interna por la que pasa el artista.

Precisamente es el piano el que lidera la siguiente canción. “CALLIGRAPHY”, una introspectiva melodía que nos lleva hacia la vida de adolescente de Saba, quien gracias a la escritura se la paso lejos del mundo de violencia y pandillas de su barrio, siempre “running away, running away”. Es una de las piezas más emotivas, más cuando se oímos que seasoman las secciones de violín.

“FIGHTER” tiene una atmosfera menos inquietante que las demás, en ella Saba habla de sus distintos problemas, los que ha tenido a lo largo de su vida, y promete que ya no se volverá meter en ellos, “ya no volverá a luchar”. El outro trapero de la canción por parte de una voz grave lo trae de vuelta a su realidad, le vuelve a recordar a su primo y por ende, el por qué se sentía muy solo.

“SMILE” trae devuelta una sonrisa al rostro del rapero al recordar a su familia, especialmente a sus padres y a su abuela que ahora vive en Texas. Una de canciones que más destaca en el trabajo, que bebe de la influencia góspel que su otro amigo Chance the Rapper hubiera popularizado en el rap hace un buen tiempo. Precisamente es “Chano” quien lo ayuda en la siguiente canción, el temazo monumental del trabajo que llama “LOGOUT”, desde ya entre mi top de canciones preferidas del año.

No la puedes parar de escuchar, ya que su coro se te pega en el cerebro como cualquier chicle en el zapato. Es otro trap con un piano de fondo, uno que para nada suena sample sino que es más bien una parte más de la canción. Una oda contra las redes sociales, la dopamina y la dependencia a un mundo virtual donde la parte de Chance es brillante hablando sobre ello (Everybody on camera, everybody on camera…). Es la perfección del Jazz rap desde ya saben quién de Compton, que lo hizo en 2015.

“GREY”, o sea el gris, es uno de los colores que se nos viene a mente al escuchar el disco, de hecho, es el que predomina en la portada donde vemos a Saba sentado en su cocina meditando sobre su profunda soledad. El artista utiliza este color en esta canción para describir el aburrimiento que invade al mundo de la música, donde todos los estándares son bien rígidos. El (esta vez sí) sample de piano brilla con luz propia por su rareza hasta los segundos finales, cuando una banda de Jazz aparece convirtiendo al de Chicago nuevamente en, sí, Kendrick Lamar.

La penúltima pista “PROM / KING”, pieza central del disco emerge como el soundtrack cinematográfico de un relato dividido en dos partes sobre la primera y la última vez que Saba vio a su difunto amigo. PROM (Paseo) está llena de recuerdos de sus 16 años, el baile de graduación y su primer encuentro con Walter y como fueron entablando amistad, mientras una línea de piano parece dibujarnos esas mismas imágenes y como van transcurriendo.

“KING” (Rey) es el fuerte relato de los últimos meses de vida de su primo, de cómo lo ayudó en su disco anterior y luego terminó siendo apuñalado durante una escaramuza en un tren, intencionalmente por un asesino que lo siguió en su agonía por la ciudad, sólo para asegurarse de que estuviera muerto . Esta segunda parte es un cambio hacia el spiritual jazz con las baterías volviéndose incontrolables (llegando hasta distorsionar el rap del Saba). Al final es la voz de John Walt que colabora con un “deseo que ya sea mañana” para estatrágica historia de 8 minutos con, por cierto, un parecido narrativo/musical a “Sing About Me…” de Lamar.

“HEAVEN ALL AROUND ME” cierra el trabajo sirviendo de epílogo de la pista anterior. En ella se menciona que Walter, luego de su intento por sobrevivir en el quirófano muere y va al cielo con el sonido de las arpas y las sirenas (las del inicio) recibiéndolo; ahora puede ver que el cielo y está a todo su alrededor. La canción es la más religiosa del disco, con un aire de esperanza (pues claro, hay una vida más allá que nos espera) y aceptación que le da un bonito final a esta oscura narración.

De esta forma “CARE FOR ME” es más que solo un disco, es la historia perfectamente narrada por Saba sobre cómo se fue reponiendo a la muerte de su mejor amigo. Desde la desolación inicial a la aceptación de la muerte, de los recuerdos de una juventud llena de malas influencias y delincuencia que terminaron por quitarle la vida a un ser querido, a quien recuerda y reconoce que se encuentra ahora en un mejor lugar.

Se apoya en un estilo de música intimista para relatarlo, que crea una imagen de una persona que está solo en su casa y cuyos recuerdos son los que vamos presenciando como testigos omnipresentes dentro de su cabeza. Por momentos recoge lo mejor de Drake, lo mejor Chance the Rapper y lo mejor de K.dot, y eso no puede significar otra cosa que buena calidad. Las bases de jazz de Chicago son sus pilares instrumentales, ellas funcionan como el “sonido ambiente” que cada una de las 10 historias pretenden trasmitir, ya sea soledad, nostalgia u optimismo.

Saba ha hecho uno de los discos más hermosos de lo que va del año, con el cual es fácil sentir empatía. Las canciones tienen ganchos accesibles y poderosos, que hacen de un disco que hable sobre temas emocionales muy disfrutable y moderno en sus 40 minutos de duración. De momento es el mejor disco de hip hop del año (¿Qué? ¿Cardi quién?) y posible candidato a quedarse con el mejor puesto posible en los tops del 2018.

Puntaje del disco

1. BUSY / SIRENS [feat. TheMind] (8,5)

2. BROKEN GIRLS (9)

3. LIFE (9)

4. CALLIGRAPHY (8,5)

5. FIGHTER (8,5)

6. SMILE (9)

7. LOGOUT ([feat. Chance The Rapper] (10)

8. GREY (8,5)

9. PROM / KING (feat. John Walt) (9,5)

10. HEAVEN ALL ARROUND ME (8)

Especial para: Cuando te encuentres solo, en un día gris

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reseña

ÁLBUMES 2018: ISOLATION - KALI UCHIS (Colombia)

By 4L4M - 4/12/2018

“Las horas se me hacen siglos aquí, dame un beso que me dure hasta la eternidad. Porque nunca voy a regresar, nunca. Te invito si quieres, como un cometa en el cielo. Nos quemaremos juntos, nos quemaremos juntos” (Karly Loaiza, Tomorrow).

Kali Uchis ya no necesita presentación, se ganó la fama que merece colaborando con los grandes y ahora parece como si aquellos les devolvieran el favor convirtiéndola en estrella. A la colombiana asentada en Estados Unidos se le cumplió el sueño americano con un arduo trabajo de años en la música.

Su último registro fue hace 3 años con “Por Vida”, un EP de soul, R&B y pop electrónico que contaba con colaboraciones estelares en la producción y canciones compuestas todas por ella misma. El material llamó poderosamente la atención no solo a la prensa norteamericana sino también a la blogosfera latina que veían en Kali una representante que conquistaría el mercado anglo en cuestión de años. Y así fue, pero paso a paso.

Ya en 2017 se inició la promoción de este disco con dos singles que por lo que ofrecían parecía que la “colocha” se montaba también al carro de la fiebre latina por el mundo (como todos los oportunistas), pero se trató más bien de un truco para despistarnos; sus influencias siempre fueron fuertemente retro-americanas y escuchando “Isolation” nos lleva pensar hasta incluso que Kali fue más allá y apuntó a convertirse en una estrella global para cualquier paladar.

Tan variado es el menú, y no sólo de estilos que van de la música brasilera al funk, del reggaetón al indiepop, sino también de colaboradores que son nada más y nada menos de lo mejor que ha surgido en la música de nuestra generación. Son éstos que especialmente a partir de la segunda parte marcan el ritmo del disco con canciones que parecen sacadas de sus propias producciones, pero cantadas por la colombiana.

El disco suena a batiburrillo musical, pero no uno que no tenga sentido o mucho menos cohesión, aquí todas son buenas canciones y están bien dispuestas para que el mismo sea entretenido de principio a fin. Con su estilo híbrido entre Lauryn Hill, Amy Winehouse, Lana del Rey, Solange, entre otras y su voz hipnótica nos gana el corazón en cada una de estas 15 piezas que nos presenta como nunca a una artista de origen latino compartiendo su personalidad y creatividad con el mundo.

Se inicia con “Body Languaje”, un refrescante paseo por las selvas del Brasil con una sorpresiva bossa nova donde si prestamos atención (no mucha) encontramos que detrás de todo esto está Thundercat (su bajo debe ser el más reconocible del mundo actualmente) que acompaña perfectamente la sensualidad de la sudamericana. Flautitas por aquí y arpas por allá que terminan en unos “closer, closer, closer” que nos aseguran que: esto apenas era una intro.

“Miami” con frases iniciales en español presentándose a ella y a su colaboradora de turno como “las cabroncitas”, es un trap con influencias de los 50’s que tranquilamente hubiera firmado Lana del Rey en 2012. Con referencias a la droga, especialmente en ese intento de castellano de BIA el tema es sobre como las chicas la pasan bien en Miami, porque ellas también pueden tomar el control y ser las “patronas”.

“Just A Stranger” nos trae un psicodélico y lo-fi número que es característica y sello de su acompañante, el joven genio Steve Lacy, nuevo mandamás del R&B. Marcando presencia especialmente por unas potentes baterías, un estribillo levanta muertos y los “Dollar Bells” de la artista, es de esas canciones que a medida que más lo escuchas vas descubriendo algo nuevo en ella que te seduce, de hecho ahora mismo mientras escribo esta parte volví a descubrir un algo nuevo.

“Flight 22” es un soul sesentero a lo Dionne Warwick que hace referencia a la colisión de un avión de las aerolíneas Piedmont en el año 67, comparándolo con el amor que siente hacia un chico nuestra queridísima Kali (u obsesión, ya que prefiere morir junto a él, solo por estar junto a él). Es de las más difíciles que te entren a las primeras del tracklist pero la paciencia tiene su recompensa, las cuerdas hacia el final son una maravilla.

“Your Teet In My Neck” es la canción más hipnótica del trabajo, revive el R&B de principios de siglo con toques de psicodélicos e irresistibles. El título hace alusión a la mordida de los vampiros y en que luego de recibir solo una, la victima pueden convertirse en también en uno de ello. Algo que en la música ocurre, pero con protagonistas diferentes y situaciones diferentes (¿El beso de Madonna a Britney?... ¡Te doy el poder!).

“Tyrant” ya era conocido por todos, el primer adelanto del trabajo era una unión de fuerzas por parte de artistas emergentes gozando de su mejor momento. Un ritmo caribeño de percusiones nos pone calientes como todavía no se sentía en todo el disco, donde Kali desprende toda su sensualidad en un estribillo que grita “clásico”, y Jorja Smith hace una imitación de Rihanna que resulta en la colaboración que se presenta de la forma más estelar en el trabajo

“Dead To Me”, con unos agudos hermosos de regalo como preámbulo consiste en un synth pop, que en vez de recordar a los maestros europeos en la materia nos remite a nuestra Sudamérica y el revival que alcanzó su punto máximo a principios de esta década. Parece como si escucháramos a Javiera Mena o a Miranda. Un tema de mucha fuerza.

A continuación, “Nuestro Planeta”, un tema menospreciado por muchos y alabado por otros, yo personalmente esto en el segundo equipo (por algo fue una de las canciones iberoamericanas del 2017). Hablamos de un reggaetón espacial y con influencias orientales producido por los Rudeboyz, encargados de fabricar asquerosas fórmulas comerciales para el éxito de artistas como Maluma, pero aquí por lo menos se comportan y bien (al igual que Reykon que no pudo evitar su “a todas se lo hundo”). Es un temazo, que solo por el hecho de ser la única canción completamente en español te desconcierta un poquito, pero funciona como buen break, exclusivo para el relax a la mitad del disco.

“In My Dreams” es la esperada devolución que esperábamos que Damon Albarn le diera a Uchis, o más bien lo es de Gorillaz, ya que son estos quienes están presentes aquí con su sonido particular que recuerda a la lejana época ya de Plastic Beach. Es el mismo 2-D quien hace un cameo en esta pieza acompañado por unos “la la la”, mientras la nueva reina del crossover latino nos cuenta que todo es más hermoso en el mundo de sus sueños. “Gotta Get Up” el primer interludio con que nos topamos en el trayecto, que es más bien una señora canción de dreampop de casi 2 minutos. Posee un ritmo relajante que se inyecta como morfina a esta parte antefinal del disco, y bien que también te puede sonar a un tema para un comercial de productos eróticos (nieguenmelo).

“Tomorrow” cuenta con la colaboración de Kevin Parker, quien se resigna a volver al rock luego de que Lady Gaga lo llamara “un genio del pop”. Este Jesucristo Superstar del indie nos trae todo su cargamento de sintetizadores que había usado en su biblia llamada “Currents” para contribuir en una destacada canción, que de paso les cuento vuelve a tener líneas unas pocas líneas en español. Luego (entre comillas) otro interludio aparece, que lleva esta vez el nombre de “Coming Home” donde de manera clara podemos notar a Soundwave haciendo sus truquitos de siempre en la producción que nos recuerdan por momentos a esa masterpiece llamada To Pimp A Butterfly, en lo que parece además un reprise de “Tyrant” por lo que podemos oír.

Tras el confuso track anterior tenemos al tema estrella del disco “After The Storm”, un clásico funk con ciertos toques a lo Earth Wind & Fire, el cual se abre mediante un refrescante sorbo de limonada que nos invita a probar el bueno de Bootsy Collins, legendario bajista de The Parliament. El video de esta canción es de los más locos que han salido en el año, mostrando a Kali y Tyler, The Creator como una pareja en un mundo surrealista (de hecho, el “flower boy” es allí una especie una planta humanoide mutante). La producción bien encajaría en el último trabajo de Tyler, quien se está volviendo su colaborador preferido de momento y ésta pista es sencillamente mágica, te transporta en un mundo donde nada casi te importará.

“Feel Like A Fool” es un evidente homenaje para una de sus ídolos, Amy Winehouse. La canción habla sobre un hombre que la engañó y que la dejó con un inmenso dolor, y así como Amy acostumbraba hacer, ella también lo expresa en un sentido pero bailable soul/R&B retro. Para terminar, tenemos a “Killer” una de las primeras canciones compuesta por Kali, que trata sobre su difícil adolescencia llena de problemas familiares, decepciones amorosas y traslados de una ciudad a otra, que a su vez según sus propias declaraciones colaboraron para que se volviera más fuerte aún en la vida, algo así como una asesina. El tema no devuelve al ambiente cincuentero, lleno de nostalgia y ensoñador con el que empezó el disco transmitiendo un poco de paz y “aislamiento”, que es precisamente el nombre del disco dice su título.

“Isolation” es el “miren, ésto es todo lo que sé hacer” de Kali Uchis, un álbum ecléctico que suena más a un Greatest Hits que a un disco de estudio. ALgo me dice que de un conjunto de aproximadamente 50 canciones que habrá grabado en estos 3 años, las 15 que escuchamos son las que seleccionó como las mejores, por eso se nota la consistencia de los buenos temas.

Ella es colombiana, por más tiempo que haya vivido en el país ahora liderado por Donald Trump, su sangre es latina y lo demuestra, así que “Isolation” es un disco iberoamericano y está entre los mejores del año en esta sección para la página sin dudas. Pero si tuviera que medir de “tú a tú” con los otros discos anglosajones que se fueron lanzando en este primer cuarto de 2018, el debut de Kali Uchis también podría ser tranquilamente mejor que ellos, porque nadie ha derrochado personalidad en un trabajo como esta mujer lo ha hecho hasta ahora con su disco de sábanas azules.

Puntaje del disco

1. Body Language [feat. Thundercat] (8,5)
2. Miami [feat. BIA] (8)
3. Just a Stranger [Feat. Steve Lacy] (9)
4. Flight 22 (8)
5. Your Teeth In My Neck (9)
6. Tyrant [feat. Jorja Smith] (9,5)
7. Dead To Me (9)
8. Nuestro Planeta [feat Reykon] (9)
9. In My Dreams [feat. Gorillaz] (8,5)
10. Gotta Get Up (8)
11. Tomorrow [feat. Kevin Parker] (8,5)
12. Coming Home (8)
13. After the Storm [feat. Tyler, The Creator & Bootsy Collins] (9,5)
14. Feel Like a Fool (8,5)
15. Killer (8)

Especial para: Esas noches de aislamiento para alguien enamorado.

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Canciones 2018

CANCIONES 2018: MUSIC, THE ONLY WAY - SANTI (Paraguay)

By 4L4M - 4/09/2018

"En un retro-futuro no muy lejano, un grupo de robots compasivos y conscientes de sí mismos se han encargado de resolver la paradoja más antigua de la humanidad: su tendencia a la destrucción y el caos sin fin a pesar de su anhelo de creatividad y alegría ilimitadas. Después de un examen exhaustivo de los mayores intentos y derrotas de la humanidad, llegaron a un consenso. Todos los demás paradigmas y ejecuciones anteriores han fallado. La música es la única forma de salvar a los humanos." (Santiago Ferreira, Prologo de Music, The Only Way en Bandcamp)

Santiago "Santi" Ferreira fue un joven estudioso del arte musical en nuestro país, que desde chico ya componía sus propias canciones y que por otro lado también se gradúo de ingeniero informático.

Esas dos pasiones la capitalizaron en lo que sería su propia música, que luego de breves pasos por el jazz o el estilo clásica se decantó por el género que más le interesó, la electrónica.

Viajó a finales de la década del 2000 a Estados Unidos para estudiar música en la Universidad de Kansas, y fue allí donde conoció a Tugçe Kurtis, una joven turca quien con el paso del tiempo se convirtió en su segunda mitad artística faltante, para que sus ideas musicales fueran por fin toda una realidad.

Debutó discográficamente recién en año 2014 con el álbum “Cíclico” donde ya se avispaba sus intenciones de fusionar estilos tradicionales o folclóricos del mundo con ritmos mecanizados. Luego junto a Kurtis forma el dúo Santi & Tugçe que alcanzaría cierta repercusión en nuestro país con la publicación del trabajo "El Regreso del Gallito (2016)", una espectacular muestra de cómo se podía modernizar la música paraguaya a través de la electrónica.

Más adelante solo se han dedicado a publicar EP's cada uno por separado, el de Tugçe se llamó "Songs for My Grandmother” lanzado el año pasado y el de Santi, es lo más reciente de sus obras conjuntas "Music, The Only Way". Se trata de un EP de tres canciones sumamente oscuras y extensas que tratan sobre un apocalipsis robótico que intenta acabar con el mundo en un futuro distópico.

De las tres piezas la que más resalta es la última, que de paso su sencillo de adelanto y tema titular: Music, The Only Way. Como es de suponerse, se trata de una pieza experimental de más de 8 minutos que suena apocalíptica y sombría. Es un rejunte tanto del Krautrock de Kraftwerk, el IDM de Aphex Twin o las bases pegadizas y repetitivas de los primeros Daft Punk.

Constantemente, una voz robótica nos recuerda en el trayecto de esta pista que la única forma de salvarnos es a través de la música, mientras (si lo escuchas atentamente) las progresiones que escuchamos se van como intercalando; cuando desaparece una aparece otra llamativa.

Fue eso lo que más me maravillo de la canción, en unos segundos que pasan nos sorprende con un pequeño efecto nuevo al anterior que va sonando, es como si pudiéramos presenciar mentalmente al genio detrás de las maquinitas apretando constantemente los botones para hacerlos funcionar.

El synth en modo "Voice Choir" que aparece en la parte final es lo más, que cierra como broche de oro esta gran pieza que no sabemos todavía si es lo último del dúo paraguayo/turco que oiremos en el año, pues en su cuenta oficial de Facebook no dice que nos tienen todavía un álbum preparado por lanzar. De igual manera uno de sus integrantes ya ha hecho una de las mejores canciones nacionales del 2018.

Puntaje de la Canción

Especial para: Imaginarte a los robots en el futuro luchando contra la humanidad

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Balún

CANCIONES 2018: EL ESPANTO - BALÚN (Puerto Rico)

By 4L4M - 4/09/2018

"Te va a acabar consumiendo, te va a acabar consumiendo, te va a acabar consumiendo" (Angélica Negrón, estribillo de El Espanto).

Puerto Rico no sólo es cuna del Reggaetón, sino también de buenas producciones urbanas alternativas. El año pasado nomás tuvimos una muestra con MULA y su disco Aguas, que bien podría ser un avance muy importante hacia la sofisticación de la música bailable de centroamérica.

Sin embargo, mucho antes un grupo ya había practicado esas fusiones y se llamaba Balún, los de San José que debutaran allá por el 2006 con un sonido más experimental, tranquilo y refinado. Luego fueron cayendo poco a poco a los brazos de influencias más tropicales y propias de su país de origen creando un estilo que ellos mismos bautizarían como "Dreambow" (Fusión entre el dream pop y el dembow del reggaeton).

Su nuevo estilo llamó rápidamente la atención de la prensa local como internacional, creando un hype sobre su propuesta que se fue alargando hasta nuestros días, cuando se anunciara que el disco definitivo de la banda "Prisma Tropical" tenía como fecha de lanzamiento el 25 de mayo de 2018.

El ultimo sencillo que lanzaron el mes pasado se titula "El Espanto" un tema que se inicia con una base electrónica al que se le suman unas trompetas pegajosas y a continuación las percusiones clásicas del reggaeton. Pero no todo es eso, cuenta con muchos cambios repentinos y efectos de electrónica minimalista, principalmente hacia el final cuando todo se empieza a acelerar, que no la dejan de ser interesante durante sus 5 minutos.

Una canción que aunque parezca increíble suena a clásico instantáneo, que te levanta el ánimo con la frescura que transmite (La voz de Negrón, en tono más dream pop como es de esperarse, es atrapante apenas aparece) y como dice el estribillo te acaba consumiendo con su ritmo.

Puntaje de la canción

Especial para: Escuchar un algo como reggaeton que te haga soñar y sin prejuicios a altas horas de la noche.

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A$AP Forever

VERSUS DE CANCIONES: Drake contra A$AP Rocky

By 4L4M - 4/09/2018

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2018

ÁLBUMES 2018: SALTEN, CANTEN, GRITEN, BAILEN - NESTOR LÓ Y LOS CAMINANTES (Paraguay)

By 4L4M - 4/06/2018

“Hoy vender frutas queda en el recuerdo, mita’i olvidado por su sociedad, hoy mi anhelo de niño cautivo se va transformando, en ingeniosas formas para delinquir... Por las calles yo me fui marcando, como el heredero de Jarface, no me queda otra que ir matando, yo solo quería ser Pelé…” (Nestor López, Niño Cautivo)

Nestor Ló y Los Caminantes nace como un proyecto paralelo a la banda “The Walkers” creada en 2015 por su líder y vocalista Nestor López, que frecuentemente tocaba (y bueno, sigue tocando) ritmos como soul, funk y blues. Tal parece que un día en esas rondas de peña o tereré entre amigos músicos, para pasar el tiempo éstos empezaron a interpretar algunas de nuestras polkas nacionales poniendo así un poco de clima alegre al lugar. La experiencia fue tan buena que más tarde fueron componiendo sus propias piezas de folk y así inició todo.

De esa forma López encontraría la inspiración para “Mamama”, una composición personal que recordaba a su fallecida abuela (la mamá guazú como diríamos aquí) que vivía en el departamento de Paraguarí y a quien sus nietos llamaban de esta particular forma. Rápidamente esta canción se volvería muy popular en los lugares donde acostumbraban a interpretarla; la gente se identificaba muy bien con su letra llena de nostalgia, pero todavía faltaba un paso más: la televisión.

Una vez allí el año pasado, solo tres minutos les bastaron para ser conocidos por todo el Paraguay quienes conectaron definitivamente con la canción y ya no se despegaron más; Nestor Ló y Los Caminantes ya era más que solo un proyecto paralelo y encima, se trataba de una de las mayores promesas musicales del país.

Vendidos como “los reformadores del folk paraguayo” empezaron la promoción de sus canciones, algunas nuevas y otras que ya venían desde la época de The Walkers pero que no tuvieron la gran oportunidad de ser reconocidas. De hecho, hicieron una extensa gira nacional donde presentaban las mismas para que el público las conociera antes de lanzar material alguno, que mientras más crecía el hype, más se retrasaba.

No fue hasta principios de año cundo se anunció que el LP debut de "Nestor Ló", titulado como una de sus pistas “Salten, Canten, Griten, Bailen”, tenía como fecha de lanzamiento el 11 de marzo junto a un concierto especial que, por esas cosas de la vida (o para ser exactos: el clima) éste tuvo que ser cancelado. Pero grande fue la sorpresa de todos al ver que a modo de compensación la banda subía a las plataformas su material en esa misma fecha para que de una vez por todas supiéramos que nos ofrecían estos agradables sujetos.

El disco cuenta con 11 pistas y es un trabajo relativamente corto que pasa muy rápido en su reproducción. Se divide en 2 partes bien diferenciadas, la primera dedicada al popularmente conocido como 6x8 nacional y la segunda que nos ofrece una muestra de la versatilidad del grupo, con mucho soul, funk, introducciones jazz, cumbia o salsa.

El 80% del repertorio vaya que ya era conocido por cierto público gracias a sus presentaciones en el Guarani Soul Sessions, donde prácticamente adelantaban como sonaría su proyecto. Es exactamente así como lo apreciamos en aquel programa que suena este nuevo disco, no hay tema acústico sino más bien canciones con muchos arreglos e instrumentos donde destacan principalmente la trompetas, los comandantes en jefe de este trabajo.

Todo se inicia con “Polka Hermética” un combinado de danzas tradicionales ejecutadas de la forma más moderna posible, donde resalta la pieza “Paraguarí”, que funciona como si intentara transportarnos mentalmente a ese preciso lugar mientras la escuchamos. El (llamémosle) riff intermedio de esta composición es la que sirvió de inspiración para la siguiente pista.

Una vez en Paraguarí el viaje no se detiene, pues suena la archireconocida “Mamama” elegida como la mejor canción nacional del 2017 por esta página. Diferente a su versión más divulgada (la acústica, de Tereré Jeré con unos requintos) esta suena más cargada, pero sin llegar al exceso (bien por eso). Ya sea el piano, la guitarra acústica o las cuerdas casi imperceptibles de fondo, todo como le da un toque que resulta mucho más mágico que de hecho concuerda con el tono dulce de su letra.

A continuación, una guarania con aires de bolero, “A La Distancia” tema que incorpora acordeones y punteos de guitarras, y cuya letra nos habla de un lejano amor perdido que se recuerda con mucho pesar. Me animo a decir que es la pieza más tradicional del trabajo, hasta posee el verso más largo en nuestro idioma guaraní (también aparece el “hoita che papa’i” que popularizarían estos artistas)

“Chamamé del Este” nos muestra que esta primera parte, aunque cuente con puros “seis por ochos” puede ser igual de diversa que la segunda. Ahora tenemos un chamamé bastante patriota que dibuja la amargura de un hombre que quiere volver a encontrar a su amada (quizás la misma que dejó a la distancia). Estupendos son los solos de esta canción, especialmente el que inicia en el minuto 2:40.

La canción destacada del disco es indiscutiblemente “Niño Cautivo”, un tema que viene de la época de The Walkers, que fue adaptada para el este proyecto y relata la situación de niños de la calle, algo que no sólo afecta a nuestro país sino a toda Sudamérica. Pese a sus sueños y anhelos el pequeño intenta sobresalir en la vida vendiendo chipas o frutas, pero la fuerte división social y la necesidad, aunque este no quiera, lo obliga a tomar decisiones cada vez más extremistas en el mundo de la delincuencia llegando hasta matar. Musicalmente recuerda a los primeros Bohemia Urbana, con las trompetas marcándose un riff atrapante y una melodía difícil de olvidar que nos guía con dramatismo hacia la historia.

“Mi Viejo Campeón” marca el inicio de la segunda parte del disco, aunque se siga manteniendo todavía un poco las raíces folclóricas. Se abre con una intro instrumental de varios movimientos digno de una big band de jazz, y como su título lo indica es una dedicatoria para el padre de Néstor, que se sacrificó para criarlo y que le instruyó durante toda su toda su niñez para ser lo que hoy es.

“Como Quiero Verte” es el que pega el cambio radical; un beat box y una base bien sensual abren paso a enérgico Soul funk de vientos, posiblemente influenciado por la música de Bill Whiters (a poco no), siguiéndole está la instrumental “Firestorm” que efectivamente representa sonoramente a un torbellino acercándose. Guitarras eléctricas, saxos y órganos se conjugan en un poderoso número hipnótico de jazz rockero que suena como a una lujosa improvisación introductoria para la pista siguiente, que nos trae la calma luego de la tormenta.

“Viento” es otro de los puntos altos, un disco funk veraniego que nos anima a seguir adelante y a descubrir cuan inmenso somos si estamos todos unidos. Instrumentalmente es impecable, destacando especialmente la participación de un coro femenino que llena de swing los estribillos. Eso sí, la cereza del pastel hubiera sido un rap, allí hubiera sido la canción pop perfecta (aunque el vocalista lo intente al minuto 2, necesitaba de un rapero).

“Quiero” es lo que poco a poco vamos conociendo o identificando como "cumbia paraguaya", intro de vientos, melodías ensoñadoras, coro pegajoso con voces de fondo repitiendo, y bajos pesados que nos hagan mover las caderas como nosotros solo podemos hacerlo bien. Con un cierto toque a “Los Basilos” la canción le pide a una persona querida ya fallecida que vuelva por lo menos un instante a visitar al protagonista, para así volver abrazarle como antes. Una canción de amor verdadero.

Para cerrar el tumbao del tema titular “Salten, Canten, Griten, Bailen” un himno latino como los que Rubén Blades todavía los sigue haciendo bien potenciado con un solo de guitarra más bien Santaniano. Es la declaración de intenciones del grupo puesta intencionalmente al final del tracklist, como una conclusión, de que a pesar de las penas (perder un amor, perder una abuela, extrañar al padre, desesperanza de un niño de la calle) hay que superarlo todo siempre con alegría.

Así, el disco de mismo nombre, debut de estos asuncenos que se animaron a renovar el repertorio folk (a medias) de nuestro país y de paso demostrar aún mas su potencial, tiene todo los condimentos para quedarse en la memoria colectiva de no sólo los amantes del pop de nuestro país sino de tambien los melómanos coleccionistas del futuro. Desde bandas de rock como en su momento Flou y Salamandra que no hubo tanto entusiasmo por el lanzamiento de el trabajo de una banda nacional, y estos cumplieron entregando también un material de calidad con canciones bastante entretenidas.

Normalmente uno escucha decir que en nuestro país tenemos muchos músicos técnicamente dotados cuya música no "le llega" a mayor público, ya sea por hacer más de lo mismo o porque sólo no logran transmitir nada de lo que la gente quiere, pero aquí y con este trabajo podemos demostrar que también se puede (La instrumental Firestorm por ejemplo es muy cambiante y exquisita, con varios músicos de talento ejecutándola, pero igual sigue sonando a una canción pop que puede gustar a la gente y llama la atención del oído) y eso es posiblemente el mayor logro de este material junto a, claro, la buena disposición ordenada de los tracks.

Entre los pocos aspectos negativos, normales para un debut, el más resaltante es la portada poco creativa y feista. Resulta tonta para la vista y difiere con la música que escuchamos dentro que lejos está de sonar tonta. Hubiera preferido más una foto de un atardecer rutero del interior del país, con una camioneta donde detrás los músicos se ponen a tocar, algo como eso describiría mejor lo que escuchamos. De igual manera, lo que importa es lo de adentro (según dicen)

“Salten, Canten, Griten, Bailen” es quizás el mejor disco del primer cuarto de año a nivel nacional, mostrándonos a una banda pop con identidad propia y música contagiante con ambición internacional como antes no se había visto por estos lares. ¿Cuál es la misión que les queda ahora? Normalmente los mejores discos de una banda paraguaya son siempre su debut, así que ya queda claro, a partir de ahora hay que buscar más y más, como dicen “hay que fluir con viento...”.

Puntaje del disco

1. Polka Hermética (8,5)

2. Mamama [Album Version] (9)

3. A La Distancia (8)

4. Chamamé del Este (8,5)

5. Niño Cautivo (10)

6. Mi Viejo Campeón (9)

7. Como Quiero Verte (9)

8. Firestorm (8,5)

9. Viento (9,5)

10. Quiero (8,5)

11. Salten, Canten, Griten, Bailen (8)

Especial para: ¿Hace falta decirlo? Sólo lean el título.

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2018

ÁLBUMES 2018: GOLDEN HOUR - KACEY MUSGRAVES (USA)

By 4L4M - 4/04/2018

"Este álbum es tradicional con influencias pop, en cierto modo. Me gusta ese tipo de cosas. Pero una cosa en la que he estado pensando es que el movimiento Americana es tan fuerte que siento que puede ser un poco ... no sedentario, sino unidimensional. Aunque me encanta la música americana y de raíz, parece que a veces hay un concurso con cuán country o cuán tradicionalista puedes demostrar que eres". (Kacey Musgraves para Billboard, 2018)

A Kacey Musgraves la conocemos o la oímos alguna vez por ser una estrella del country estadounidense, una de las tantas sureñas que como Taylor Swift cumplió su sueño de ser escuchada por todo el país norteamericano.

Y así como Swift tenia potencial de ser una gran superestrella a nivel mundial, Musgraves también la tenía desde hace mucho tiempo (sus discos eran bien aceptados tanto por la crítica como por la gente, y los Grammys), pero tal parece que la ex rubia no estaba muy interesada en eso; bueno, hasta ahora.

“Golden Hour” se llama el séptimo álbum de estudio de esta artista de Nashville que la semana pasada sorprendió a estos oídos por tratarse de uno de los mejores álbumes con la etiqueta country que he oído por lo menos en esta década. Evidentemente tiene su truco, que se trata de su notorio acercamiento a no sólo al pop, sino también a unas cuantas probaditas de psicodelia, que vuelven a este trabajo tan irresistible.

Con un ejército de compositores, músicos e instrumentos detrás de él, este trabajo de 13 pistas está destinado a ofrecer una vez más la otra alternativa al pop femenino que nuestro tiempo intenta que aceptemos, que es mezclar la “americana” con el pop. Luego de los intentos de Lady Gaga, Kesha y bueno… el lamentable último de Myley Cyrus, se puede decir que el de mayor resultado y futuro clásico del experimento es incuestionablemente este “Golden Hour”.

Siendo su música una mezcla entre por ejemplo Joni Mitchel con Fleetwood Mac, estamos ante uno de los trabajos más sólidos del mainstream de lo que va del año ya sea por su producción bien cuidada o las canciones con estribillos encantadores que merecen ser escuchados por un espectro de gente mucho más amplio de lo que ya tenía esta mujer. Ya los singles de adelanto venían anunciando que se venía algo grande y no estábamos equivocados.

“Slow Burn” abre precisamente el disco a lo Joni Mitchel, con unos rasguidos de guitarra que van creciendo a medida que aparecen las percusiones, el particular banjo o unas cuerdas que le empapan de un aire noventoso. La canción, como se siente, es bastante reflexiva para la cantante que dice que “todavía le falta mucho por aprender”, al igual que suena bonita.

“Lonely Weekend” debe de ser el soundtrack de muchos de nosotros, la rutina nos envuelve de lunes a viernes y el fin de semana como que nos sentimos bien solos, aunque Kacey advierte que se da únicamente por un momento dado. Hablamos de un numero pop perfecto con un solo de teclados luego del puente que resulta simplemente alucinante. Sí, Cindy Lauper se nos viene a más de uno a la mente.

“Butterfly” como sencillo no funcionó muy bien que digamos, pero dentro del álbum es toda una delicia, los sintetizadores como trompetas vuelven a tomar protagonismo en un tema que por lo menos a los latinoamericanos puede recordar un poco a Natalia Lafourcade. “Oh What A World” posee una intro de vocooder (a que no se esperaban eso en un disco así) que le provee de toda esa magia que intenta transmitir este tema que habla sobre lo hermoso que es el mundo, sin olvidar que el banjo sigue presente ante nuestros oídos.

“Mother” es un minuto de reposo para el álbum y también para la artista que está detrás dandonos su show, en ella nos comenta cuanto extraña a su madre a quien tuvo que dejar en su lejano pueblo para alcanzar su sueño, un momento emotivo sin dudas. “Love Is A Wild Thing” en cambio es la canción que más o menos estamos acostumbrados a escuchar en la música sureña, amor, guitarras y esperanza.

“Space Cowboy” nos trae un piano, uno ya espera un nuevo “Millon Reason” o un “Rainbow” con anticipación, pero no tiene nada de eso, ésta es más bien una pieza más convencional pero igualmente personal sobre dejar que el amor se vaya cuando quiera irse y no aferrarse. Primer punto alto desde la apertura.

“Happy & Sad” de unas baterías programadas es otro de los temas ensoñadores que encontramos en el álbum que concentra toda su fuerza en el estribillo y “Velvet Elvis” es como si Lana del Rey se pusiera un sombrero vaquero y dos trenzas, un psychedelic folk con cuerdecillas celestiales para bailar por primera vez en el material. “Wonder Woman” la que le sigue, en tan pero tan cursi como pegajoza y eso la convierte increíblemente uno de los puntos altos, difícil de olvidar es su estribillo que hace juego de palabras con los superheroes.

Y como todo gran disco tiene su temazo aquí tienen a “High Horse”, dedicado a la gente "alzada" o con aires de grandeza. La intro discotequera acercándose del inicio ya es motivo fuerte para enamorarse de ella, pero toda la composición en sí es toda una maravilla dance. El coro huele a clásico instantáneo, con la innovación de que los banjos se fusionen sobre una base disco (y muchos más instrumentos que podemos notar si escuchamos con atención).

“Golden Hour”, la canción, les confieso entró desde ya entre mi lista de placeres culposos del 2018 (canciones que pese a no ser de las mejores las voy a reproducir infinitas veces porque me encantan). Qué estribillo más mágico tiene, tanto que hasta pido permiso para volverla a cantar: “That you're my golden houuur, the color of my skyyy, You've set my world on fireee. And I know, I know everything's gonna be alright…” El compás de guitarra es perfecto para acompañarte en los viajes más placenteros o en tus horas de oro, lo que tú elijas.

“Rainbow” (Ah, así que había uno) es la balada que cierra el telón cuando termina la función y ya todos se van (no aguardando por el final sorpresa). Es una gran balada a piano, no hay duda, pero a estas alturas con las tantas que ya se han escrito para que una destaque debe de ser perfecta y esta recae en la simpleza De igual forma funciona como perfecto final para este disco de muchas sensaciones.

“Golden Hour” es una joya, sí señor, de esas que puede ser imperfecta y que posiblemente no ofrece mucho más de lo que ya se ha visto, pero que era justo lo que necesitábamos este año, canciones pop que nos hicieran creer que lo tradicional tiene futuro pese a los avances de la tecnología en la música que domina al mainstream (Hasta Taylor Swift ahora hace trap).

“A new star is born” en este difícil mundo (lleno de ego) del pop y se llama Kacey Musgraves, la dama que, así como muestra la portada nos regala un abanico de todas sus emociones y experiencias que conectan con el público que incluso antes no la conocía muy a fondo (como yo) y que promete ser una firme candidata a quedarse con uno de los discos del año.

Puntaje del disco

1. Slow Burn (9)

2. Lonely Weekend (8,5)

3. Butterflies (8,5)

4. Oh, What a World (8)

5. Mother (8)

6. Love Is a Wild Thing (7,5)

7. Space Cowboy (8,5)

8. Happy & Sad (8)

9. Velvet Elvis (8,5)

10. Wonder Woman (9)

11. High Horse (9,5)

12. Golden Hour (9)

13. Rainbow (7,5)

Especial para: Escucharlo al aire libre, sentir el soplido del viento, el ambiente de los árboles, el olor a pasto...

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